Ist das doch schöne Musik! Liebliche Melodik und sanfte Rhythmen wiegen den Zuhörer zunächst durch die beiden ersten Sätze des Trios op. 11. Und auch im Scherzo zeichnet sich der Mittelteil durch viel Anmut aus. Das Finale ist beschwingter, mitunter sogar rustikal im Klang, aber auch drängend, als wolle der Komponist sich von der süßen Melancholie lösen. Eduard Franck, ein Schüler Felix Mendelssohns, hat mit seinen beiden Trios kleine Meisterwerke geschaffen, die jeden ansprechen müssen, der empfindsam genug ist, um diese ausdrucksstarke, frühromantische Musik aufzunehmen und zu genießen. Das zweite Trio, das Opus 58, ist etwas lebendiger gehalten, aber nicht weniger reich an Einfällen und einprägsamen Melodien. Auch das ist Musik, die einen sofort berührt und mitnimmt auf eine wunderschöne Klangreise, so dass man sich daran richtig erfreut.

Die Geigerin Christiane Edinger und ihre beiden Kollegen Lluís Claret am Cello und Klaus Hellwig am Klavier stellen sich völlig in den Dienst der Musik, der sie technisch wie auch im Ausdruck und in der Vermittlung von Gefühlen komplett gerecht werden, und das mit einer bemerkenswerten Justesse.

Romain Descharmes is a 29-year-old French pianist admirably attuned to the more subtle and elusive sides of Ravel's genius. A prize-winner in many competitions, his expertise is nonchalantly and stylishly deployed. And if he lacks the razor-sharp articulacy, drama and imaginative daring of, say, Pogorelich and Thibaudet in Gaspard (not to mention Argerich's “live” EMI Classics performance where she becomes virtually engulfed in her own virtuosity), his occasional lack of “edge” is hardly a failing in the Sonatine, which he plays with an enviable grace and fluency.

Descharmes is also admirable in the Valses nobles et sentimentales' alternating piquancy and introspection, with an epilogue that winds down to a near halt, among many individual touches. And here in particular there is never a question of “play the notes and the rest will look after itself”, a literalism once common to certain celebrated French pianists. In Gaspard Ondine's watery entreaty spurts and bubbles seductively and in “Le gibet” the bell tolls disconsolately throughout, penetrating but never obscuring the surrounding multi-layered texture. Ravel's skeletal outline in La valse is suitably filled in or “orchestrated”, and if Descharmes's dalliance occasionally weakens the music's drive as it whirls inexorably towards its cataclysmic climax, his musicianship and overall command are again striking. A more daemonic view of a waltz that outpaces Liszt at his own Mephistophelian game comes from Louis Lortie and, of course, from Argerich and Freire in the two-piano version. But Descharmes is clearly a major talent, finely recorded, and makes you look forward to what will surely be a second disc of Ravel.

Mal angenommen, wir stellen uns Franz Schubert mit einer Eistüte in der Hand...

Mal angenommen, wir stellen uns Franz Schubert mit einer Eistüte in der Hand...

[...] Weich fließende Farben werden hier gleichsam aus den Tasten massiert,...

[...] Weich fließende Farben werden hier gleichsam aus den Tasten massiert,...

In einem Gemeinschaftsprojekt zwischen dem Label "audite" und Deutschlandradio Kultur werden seit Jahren einmalige Aufnahmen aus den RIAS-Archiven auf CD herausgebracht. Inzwischen sind bereits 40 CD's erschienen mit Aufnahmen von Furtwängler und Fricsay, von Elisabeth Schwarzkopf, Dietrich Fischer-Dieskau u. v. a.

Die jüngste Produktion dieser Reihe "The Early RIAS-Recordings" enthält bisher unveröffentlichte Aufnahmen von Friedrich Gulda, die zwischen 1950 und 1959 entstanden. Die Einspielungen von Beethoven, Debussy, Ravel und Chopin zeigen den jungen Pianisten an der Schwelle zu internationalem Ruhm.


Die Meinung unserer Musikkritiker:

Eine repräsentative Auswahl bisher unveröffentlichter Aufnahmen, die aber bereits alle Namen enthält, die für Guldas späteres Repertoire bedeutend werden sollten: Mozart, Beethoven, Debussy, Ravel, Chopin. Herausragend insbesondere seine Interpretationen von Werken Beethovens. In dessen später A-Dur-Sonate op. 101 erleben wir den Jungstar als kühnen Stürmer und Dränger, der seine spätere Rolle als kompromissloser Musik-Rebell zwar noch nicht gefunden hat, dessen heftiges "Renitenz-Potential" hier aber bereits deutlich anklingt.
(Wilfried Bestehorn)

In diesen frühen Tondokumenten aus den 50er Jahren ist Guldas typisches intensives, rhythmisch-geschärftes Spiel bereits voll entwickelt. Vor allem in Chopins Préludes op. 28 und Debussys "Suite Bergamasque" wird deutlich: alles atmet, alles fließt, alles entwickelt sich logisch aus dem Notentext heraus: erstaunlich bei einem kaum 20-jährigen Pianisten, erstaunlich auch, dass diese Aufnahmen nach knapp 60 Jahren nichts von ihrer Frische eingebüßt haben.

„Bis ins letzte ausgeschliffen, jedoch etwas zu sehr mit unpersönlicher,...

„Bis ins letzte ausgeschliffen, jedoch etwas zu sehr mit unpersönlicher,...

In the disjointed Portrait DVD that comes as a bonus with this CD (the second instalment of a new Shostakovich cycle), members of the Mandelring Quartet make two surprising comments. Nanette Schmidt tells us that all four of us are powerful people; her brother Bernhard warns us that a quartet¹s interpretations suffer when there¹s too much agreement among the players. The comments are surprising not because they seem inappropriate to Shostakovich’s idiom (on the contrary, his quartets work best when played by four strong-willed players who can contest one another), but rather because if there’s anything missing from these fluent and intelligent performances, it’s precisely power and diversity.

Indeed, like everything I’ve heard from this foursome, these readings reveal an emotional reticence backed by a remarkable uniformity of tone and vision, most obviously audible in exceptional balances (note how vividly they present the fugal writing in development of the Third Quartet’s first movement), in a seamless coherence whenever material is passed from one instrument to another, and in an unfaltering accord about the way each detail contributes to the music’s emotional trajectory. In terms of dynamic control and tonal nuance, this is surely one of the most refined quartets of its generation; and in those flickering moments of untroubled lyricism (more frequent in the Sixth Quartet than in the Third or Eighth) and in the haunting morendo endings that round out each of these works, their performances stand up to any.

Their finesse, however, is apt to cushion Shostakovich’s violent jolts (say, the stark hammer blows in the third movement of the Third or the fourth movement of the Eighth) and to mitigate the music’s vein of desolation (surely, the first violin’s laments in the fourth movement of the Third need to be bleaker). For all the beauty of the performances, then, the music’s emotional reach seems both distorted and constricted. The Mandelring certainly don¹t convey the sense of unrelenting grief in the Sixth’s third-movement passacaglia, for instance, and they substitute consolation for despair in the finale to the Eighth. The music¹s variety of utterance is muted, too: long-range changes in mood are generally well handled (note how steadily they build to the climax of the fourth movement of the Sixth), but quicker shifts in spirit are often underplayed.

In the end, then, these are comfortable readings that offer a very partial view of the repertoire. I much prefer the more extroverted, hyperbolic style that marks the Kopelman Quartet’s Third or the more rugged approach that the Borodin Quartet take to all three of these quartets. If you favour your Shostakovich on the sweeter side, however, you may well find the Mandelring appealing, especially given the first-rate engineering and the generally informative notes.