I’m at a loss whether to call this unusual juxtaposition of Strauss and Shostakovich balanced or schizoid—all the melodic rapture belongs to Strauss, all the deep tragic feeling to Shostakovich. In the Victorian era a violin sonata couldn’t be all marzipan and sunshine without exhibiting post-Paganini virtuosity. Neither of these works complies. Strauss’s Violin Sonata dates from the years, 1887 and 1888, when he was ready to burst forth with great orchestral tone poems, and at times, as in the opening piano flourish that aspires to be the opening of Ein Heldenleben, you can hear that Strauss needed a grander stage than chamber music affords. He doesn’t particularly exploit the violin’s ability to dazzle except in passing moments, so his Violin Sonata must fly on the wings of song, which is does quite lusciously.

Since I’ve never collected the work, I have no decided opinions about existing recordings, but to my ears the superb German violinist Franziska Pietsch and competition-winning Spanish pianist Josu De Solaun offer an ideal performance. I’ve admired every release I’ve heard from Pietsch, who has grown into a major interpretative talent from her beginnings as a child prodigy in East Germany. Her playing exhibits real command besides the expected tonal beauty, perfect technique, and musicality. Strauss wrote a solo-quality part for the piano, too, and De Solaun takes full advantage in bold, bravura style. Pietsch’s equally bold, expansive approach gives the piece a dramatic dimension missed by even such stellar violinists as Gil Shaham and Gidon Kremer, both on DG.

If the Strauss came at the beginning of his golden triumphant years, the Shostakovich Violin Sonata belongs to a late period where acclaim and the end of any possible political persecution were counterweighed with bad health and flagging energy. In collaboration with David Oistrakh, the dedicatee, the sonata was completed in October 1968, and in keeping with the gray no man’s land of the early Brezhnev years, it can be played for stark desolation, tight-lipped understatement, and bitterness. Even without editorializing, it’s a work that gains its power, as with so much late Shostakovich, by staring life’s grim realities in the face.

I sometimes wonder how violinists could discover any bright spots in the score; moreover, the famous and all-but-definitive Melodiya recording with Oistrakh and Richter seemed to extract the utmost in emotion, such as it was, that the score could offer. The piece’s enervated expression calls for the passacaglia theme in the finale to be introduced in dry pizzicato by the violin, as if muttered on the verge of a refusal to speak. Pietsch and De Soluan are less existential than Oistrakh and Richter (we aren’t invited to bring suicide pills with us, just in case). Pietsch uses a purer, less abrasive tone than Oistrakh, and long stretches are more meditative than despairing.

One advantage of a softened approach is that when Pietch’s violin does cry out desperately, the gesture makes for a strong contrast, where Oistrakh and Richter can seem relentlessly dogged. Besides her great musicality, Pietsch is also a colorist, matching different tonal qualities to suit each passage. She unleashes an angry, acerbic outburst in the Scherzo, surpassing anyone I’ve heard before. She bows with a wildness almost shocking as the music’s fury mounts. In the finale Pietsch and De Solaun inject interest, even mystery, into writing that can feel deliberately banal.

Altogether, despite the odd programming, this is an outstanding release and a must-listen for both works if you love them. The recorded sound is close, detailed, and very lifelike. The two performers have been a duo only since 2017—this is their debut disc together—and it is announced that they will make a series of recordings for Audite. I am eager to hear what they have to say, with every expectation that it will be exceptional.

On ne le sait pas assez, mais au début de ce siècle, Andrea Lucchesini grava...

Sur le plan de l’exécution, Andrea Lucchesini charme, encore une fois, par un large éventail de couleurs et la profondeur du toucher.

Die neue Doppel-CD [...] bietet die Möglichkeit, gleichzeitig vier Instrumente von Stradivari und ein Amati-Cello zu hören

Als Georg Philipp Telemann 1712 von Eisenach nach Frankfurt wechselte, wurde Johann Bernhard Bach (1676-1749), ein Cousin zweiten Grades von Johann Sebastian, zum Nachfolger ernannt. Hätte Letzterer 1730 nicht vier Orchestersuiten des Vetters für den eigenen Gebrauch kopiert, sie wären – wie die meisten anderen seiner Kompositionen – heute wohl verloren. Die Werke werden vom Thüringer Bach Collegium durch zusätzliche Bläser noch farbiger gestaltet. Das Ensemble setzt mit dieser Einspielung seine Entdeckungsreise durch die mitteldeutschen Residenzen fort und lässt mit unbändiger Musizierfreude die Juwelen barocker Thüringer Orchesterkultur wieder lebendig werden.

Die vielfach ausgezeichnete Gesamteinspielung der sinfonischen Werke von Edvard Grieg mit dem norwegischen Dirigenten Eivind Aadland und dem WDR Sinfonieorchester bei AUDITE ist hier in einer Box zusammengefasst. Neben originalen Orchesterwerken wurden dabei auch Transkriptionen von Klavierstücken sowie Bearbeitungen lyrischer und patriotischer Lieder berücksichtigt. Bekanntes und Populäres wie die Peer Gynt-Suiten oder das Klavierkonzert stehen dabei neben reizvollen Raritäten wie der überzeugenden Jugendsinfonie c-Moll. Exzellente Solisten (darunter die Sopranistin Camilla Tilling) runden diese gelungene Gesamtschau ab.

Inderdaad, ‘ook kleine dingen kunnen ons bekoren’, zeker wanneer Edith Mathis dergelijke parels uit de liedkunst voordraagt. Een aanrader!

Wenn die großen Meister kreativ genötigt aufeinanderprallen, selbst wenn ganze Epochen zwischen ihnen liegen, können die Funken der Fantasie und der Faszination stieben.

En août 2018 à Weimar, la découverte de ce Sardanapale faisait événement. Pensez donc ! La seule incursion de Liszt dans le genre lyrique, disparue, retrouvée, reconstituée et enfin créée. Autant exhumer un tableau perdu de Michel-Ange. Kirill Karabits fait une nouvelle fois sensation en enregistrant un fragment de ce grand projet d'opéra historique d'après Byron, laissé inachevé par Liszt au début de 1851.

Le livret est peut-être imputable à la princesse Belgiojoso, son flirt du moment. De ce premier acte pour trois personnages et choeur se détache une grande Scena dramatique et émouvante, proche du « E strano » de Traviata. Elle met à rude épreuve l'aigu de Joyce EI-Khoury, dont le timbre chaleureux et expressif sert noblement le rôle de la ninivite esclave Mirra. On n'aura que des éloges pour Airam Hernandez et Oleksandr Pushniak, qui font tout ce qu'ils peuvent pour donner vie aux rôles assez falots du pacifique roi d'Assyrie et de son confident va-t-en-guerre. La confrontation triangulaire piétine.

Notre grand Franz est meilleur dramaturge à son piano. Et peu familier de la prosodie italienne, bizarrement accommodée dans un essai de récitatif continu. Reste la découverte passionnante d'un Liszt inconnu, qui se détache de Meyerbeer, fraie avec Verdi et, tout en préservant un langage harmonique immanquablement à lui, a su puiser dans Tannhäuser et Lohengrin la prévalence d'un orchestre qui n'accompagne plus mais embrasse et guide les voix.

Restituée, complétée et instrumentée avec talent par le musicologue David Trippett, cette si importante partie d'orchestre est servie par une Staatskapelle de Weimar aux cordes précises, aux bois et aux cuivres incisifs quoique peu puissants. La baguette experte de Kirill Karabits pourrait se montrer elle-même plus dynamique, et surtout dans l'interprétation de Mazeppa qui ouvre le disque. Pour un peu, avec des fff si sages et des phrasés si courts, certains passages où strident piccolos et trompettes tiendraient davantage d'un kiosque de ville d'eau que des tumultes hugoliens.

Vitrenko heeft voor haar partner op de contrabas een gouden greep gedaan: niemand minder dan Niek de Groot, voormalig solobassist van het Concertgebouworkest ontfermt zich over deze hondsmoeilijke partij, en hoe! Alleen al om dit werk is de cd meer dan de moeite waard, maar dat is nog maar het begin. Vitrenko heeft niet alleen een prachtige stem, een formidabele tecnniek, ze is ook een begenadigde zingende actrice.
De overige instrumentalisten, violist David Grimal en cimbalomspeler Luigi Gaggero, zijn van hetzelfde uitzonderlijke kaliber en zorgen voor een meesterlijke uitvoering van de acht Duo's opus 4.