Drei hörenswerte CDs mit Aufnahmen aus den Jahren 1949, 1962 und 1964, die er [Tortelier] mit den Pianisten Klaus Billing und Lothar Broddack in Berlin für den Rias machte, künden vom "sprechenden", bei aller Brillanz nie glatten, sehr persönlichen Spiel aus solistischem wie kammermusikalischen Geist dieses einzigartigen Cellisten.

Zelden hebben orkestmelodieën zo zuchtend en melancholiek geklonken als in deze partituur. De Staatskapelle Weimar weet precies de juiste snaar te raken.

Anmut – dieser Begriff kommt einem sofort in den Sinn, wenn man den historischen Live-Mitschnitt eines Liederabends von Edith Mathis hört. Anmut hat mit Poesie zu tun, mit Natürlichkeit und einer kunstvollen Schlichtheit. Anmut kann aber auch pragmatische Aspekte beinhalten: Edith Mathis, damals, 1975, im Zenit ihres Könnens, hatte sich stets an die Möglichkeiten ihrer Stimme gehalten. Sie ist sich selbst treu geblieben, um als Interpretin vielseitig sein zu können. So trifft sie Schumanns lyrische Innerlichkeit ebenso wie die Drastik der „Dorfszenen“ von Bartók, die schwärmerische Gefasstheit von Mozarts „Abendempfindung“ ebenso wie die Pointen bei Richard Strauss. Man spürt die Konzentration der Zuhörer. Und teilt ihre Begeisterung.

Ganz aus einem Guss dirigiert Karabits [...] muss sich auch nicht vor den Referenzaufnahmen von Joó Árpád und Rafael Frühbeck de Burgos verstecken.

Si d’aucuns ont pu émettre des doutes quant aux qualités d’orchestrateur de Franz Liszt, Kirill Karabits et la Staatskapelle Weimar leur apportent, par l’intermédiaire de ce disque, un cinglant démenti !

Joyce El-Khoury, de son timbre plein de caractère, de sa grande voix de pur théâtre italien, en magnifie les inventions stupéfiantes, surmontant les épreuves inhumaines que l’écriture lui impose. Pour ce moment, qui prouve que si Liszt l’avait un peu plus voulu il aurait eu ici autant à dire qu’à son piano et à son orchestre, la découverte vaut la peine, d’autant que Kirill Karabits croit à l’ouvrage, l’enflamme, comme les deux voix masculines qui ont pourtant si peu d’espace pour affirmer leurs personnages.

The program finally comes around to the first concerto in B♭Major, the first movement of which features chattering figuration familiar from Vivaldi’s works, showing as clearly as some of the more leaping figuration how well Ernst had imbibed the maestro’s violinistic oeuvre (a similar passage appears in the finale). The Largo of the Second Concerto, in A Minor, at 4:56, turns out to be longest statement in the program. It’s also arguably one of the most novel, with its staccato articulations. The Sixth Concerto, in G Minor, features a first movement that elaborates a longer, more prolix but also more lyrical, theme than Vivaldi himself might have conjured up. Its second movement consists of a recitative, a device common in opera-composer Vivaldi’s works. But many may feel that Ernst obviously doesn’t communicate the feel for the musical stage that Vivaldi exhibited, though his music is deeply affecting in its own way. The finale of this concerto exhibits some of the contrapuntal vigor that Vivaldi could on occasion display. The Trumpet Concerto, brief and clipped in its manner, although it may not be Ernst’s own and although it may not compete with Vivaldi’s, seems ceremonial and pleasant enough to have warranted its inclusion in the collection.

In all, it will seem to many that Ernst deserved the attention lavished upon his music by the eminent of his time rather than the neglect of succeeding generations of the less eminent. The recent recordings introduce us to a highly prepossessing and worthy aspirant. The question may occur to listeners: If composers of Vivaldi’s own time could enter so deeply into his individual style, why do composers of our own time produce such pallid pastiches? In any case, strongly recommended.

In every way these contenders yield to the Takahashi/Lehmann duo’s ensemble proficiency and musical insights. [...] The duo brilliantly streamlines the arrangements’ notey upholstery by virtue of brisk tempos, discreet pedaling, incisive articulation, and sheer joy in music making.

En suma, un admirable retrato de una cantante modélica.

Im vielfältigen Oeuvre des ungarisch-französischen Komponisten György Kurtág (*1926) ist auffällig, dass die menschliche Stimme eine herausgehobene Bedeutung hat, wobei er die kleine, oft ganz kleine Form bevorzugt. So ist jetzt bei audite unter dem Titel „scenes“ eine CD erschienen, die durchweg Miniaturen enthält, von denen die längste 3:04 und die kürzeste 0:18 Minuten dauern. Die auffällige Kürze erfordert eine Komprimierung, die der Minimalist der besonderen Art Kurtag meisterhaft beherrscht. In typisch ungarischer Besetzung präsentieren die junge Sopranistin und Dirigentin Viktoriia Vitrenko mit dem Geiger David Grimal, Luigi Gaggero (Zymbal) und Niek de Groot (Kontrabass) zunächst 15 Gesänge zu Gedichten der russischen Lyrikerin Rimma Dalos („Szenen eines Romans“ op. 19). Ausdrucksstark beherrscht die Ukrainerin den höchst anspruchsvollen Gesangs- und Sprechpart mit teilweise aberwitzigen Intervallsprüngen in der knapp 20-minütigen Liedfolge, die wie in den „romantischen“ Liedzyklen eine unglückliche Liebesbeziehung zum Inhalt hat. Die knapp 10-minütigen „Hét Dal“ op. 22 (Sieben Lieder) sind eine Art Zyklus von japanischen Haikus; ebenfalls in typischer Knappheit erklingen die vier Lieder „In Erinnerung an einen Winterabend“ op. 8. Außer acht aparten „Mini-Duos“ für Violine und Zymbal op. 4 enthält die CD äußerst knapp gefasste Vertonungen von 22 der geistreichen Aphorismen aus den „Sudelbüchern“ von Georg Christoph Lichtenberg op. 37a. Hier wäre es angebracht gewesen, die Texte im Booklet abzudrucken, weil sie infolge der ungewöhnlichen Komposition und der hohen Tessitura schlecht zu verstehen sind. Allerdings ist diese CD mit Ersterscheinungen eine gute Möglichkeit, die genannten Werke überhaupt kennen zu lernen (audite 97 762).