Eine editorische Großtat: Das auf historische Aufnahmen spezialisierte Label...

In Fanfare 30:4, Barry Brenesal reviewed the first volume of the Mandelring Quartet’s Shostakovich cycle, the First, Second, and Fourth quartets, characterizing the performances as “beautiful of their kind”—their kind, alas, lacking “emotional weight.” I don’t know what happened to Volumes 2 and 3 (there’s no sign of them in the online Archive), but here we have the fourth installment, and my response is much the same. The expressive content in these three later works ranges from passages of bleak introspection to brief outbursts of anguish and, occasionally, aggression. The Mandelring Quartet faithfully reveals the letter but not always the spirit of the score. Their playing is tonally blended and blemish free; they are scrupulous in their attention to internal details like shifting tempo indications, such as those in the 12th Quartet’s two extended movements; and they present a coherent, unified point of view throughout all three works. But they miss so many opportunities for dramatic emphasis that it is apparently neither neglect nor oversight but a consistent interpretative decision, which to my taste is less convincing than that adopted by more extroverted ensembles like the Sorrel (Chandos) and Borodin (EMI) Quartets.

Examples. In the 10th Quartet, the first violin can be a snarling protagonist in the opening Andante, but not here. The Mandelrings do dig in and grind out a committed, if not especially harsh, Allegretto furioso, and to their credit don’t shrink from the dissonances along the way, but the concluding, insistent Allegretto offers no palpable degree of dread, or anguish, or brutality. They sustain a lyrical flow through the dark, chromatic contours of the 12th’s opening Moderato, but without the irony or despair that the slower, more heavily inflected accounts by the Sorrel and Borodin ensembles provide; and the long Allegretto, which at times seems to border on the brink of chaos, benefits more from the Sorrel’s exaggerated contrasts than the Mandelring’s brisk steadfastness. (The pizzicato at 51 often gives me the chills, but not here—a small point, perhaps, but a telling one.) Likewise, though they plumb the melodic breadth of the 14th Quartet’s Adagio, highlighting the long passages of counterpoint between the first violin and cello with a soothing clarity, elsewhere they lack the Sorrel’s surreal extravagances and the Juilliard’s (Sony) almost reckless intensity.

There are moments in this music that can set your hair on end or take your breath away. To fully experience those moments, my recommendation remains with the Sorrel, Borodin I (Chandos), and Borodin II recordings.

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Ferenc Fricsay caracterizó el arte de Clara Haskil con la expresión que encabeza este comentario. La gran pianista rumana había aprovechado muy bien las enseñanzas de la escuela francesa (Cortot, Lazare Lévy), acreditada en obtener del piano esa cualidad cantable, en principio ajena a él. Pero Clara Haskil fue además excelente violinista – instrumento cantable por excelencia – , tanto que durante sus anos de formación dudó mucho tiempo entre el violín y el piano, y aun a edad avanzada era capaz de cambiar de instrumento sin problema con el violinista Arthur Grumiaux, él mismo pianista excelente.

La única limitación de este precioso doble CD que Audite ofrece en muy buenas condiciones de sonido es que el repertorio que toca la Haskil es más que familiar. Pero quienes no posean los tres conciertos aquí reunidos, 19 y 20 de Mozart (éste, por duplicado) y Cuarto de Beethoven, no deben dudar ni un instante en hacerse con esta joya. Las colaboraciones de Haskil y Fricsay en los Conciertos mozartianos (existe también el 27, DG) son históricas y en el Cuarto de Beethoven, Dean Dixon obtiene de la Sinfónica de la RÍAS muy buen rendimiento y acompaña con pleno acierto.

La doble propuesta que Audite formula para el Concierto no 20 de Mozart está fechada en días sucesivos, 10 y n de enero de 1954, aquélla en público y ésta en estudio. La comparación apenas muestra diferencias musicales aunque sí se aprecia la superior acústica de estudio en la Iglesia de Jesucristo en Berlín-Dahlem. Los complementos son todos de Schumann: Variaciones ABEGG op. 1, tres Bunte Blätter op. 99 y cinco Hojas de álbum. Música exquisita en estupenda interpretación que pone de relieve la sensibilidad de la Haskil para las miniaturas y para el piano de Schumann. Magníficos comentarios de Wolfgang Radien. Un nuevo éxito de Audite.

Con esta ingeniosa expresión se autodefinió Maurice Ravel, y difícilmente hallaríamos otra que ilustrara mejor el especial carácter de su obra. Al término artificial se refiere también Wolfgang Rathert en las interesantes notas de la carpetilla, pero sin la coletilla de la expresión original el adjetivo puede resultar algo equívoco. Añadiendo unas dosis de hermetismo quizá aclaremos un tanto la cuestión. Porque la música de Ravel remite a sí misma, autosuficiente en su orden racional, y renuncia a referentes externos o significados profundos. Refugiada en su delicada perfección se niega pudorosa a descubrirnos a su autor, pero en esa actitud elusiva muestra ya la fragilidad del noble ascetismo de la pluma que la inspira. Ravel opone la más refinada elegancia a un mundo en descomposición, una aristocracia del espíritu que con irresistible desdén desprecia incluso la confesión del desencanto.

Romain Descharmes encuentra la manera de dejarse poseer por ese espíritu acompañado de su SK-Ex 258001, un instrumento artificioso por naturaleza, no especialmente cálido y brillante incluso en la frecuente levedad dinámica, ideal para recrear la estética raveliana -estupenda la toma sonora, por cierto, de un SACD compatible con los reproductores comunes. La delicadísima pulsación del pianista acaba por obrar el milagro: la música emerge sublime, cristalina, coloreada con timbre decadente y dicha con fina poesía. Ese meticuloso relojero que fue Ravel penaliza el más mínimo desliz, y a punto está de costarle caro a Descharmes cierto encaprichamiento en Le Gibet del Gaspard de la Nuit, que solventa con un Scarbo sostenido con seductor y exacto pulso. La atmósfera de los Valses nobles y sentimentales fluye encantadora a través del juguetón ritmo ternario, empeñado en disimular la amargura que provoca la evocación del tiempo perdido. La mirada a un pasado más remoto de la Sonatina desarma por su exquisita y frágil desnudez. Desde los rápidos cuatrillos iniciales la lectura de Descharmes se desenvuelve con una delicadeza irresistible, refinada hasta el extremo.

Llegada la madurez el ascetismo de Ravel se permite algunas licencias, levantando la voz para escribir La Valse. Descharmes toma aire y nos brinda esta transcripción en un solo impulso. Una fantástica exhibición llena de energía, salpicada por un humor trágico tremendamente raveliano, que bien podría ser el punto y seguido de una integral más que apetecible.

A pesar de su juventud, el Cuarteto Mandelring es ya un conjunto plenamente...