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Strawinsky notiert in seinem bestechend originellen Violinkonzert die Ausdrucksanweisung "brillante" nicht etwa zur Solovioline, wie es zu erwarten gewesen wäre, sondern zu den Klarinetten. Und tatsächlich emanzipiert er auch Orchesterinstrumente immer wieder mit solistischem Spiel, sodass es im Konzert zu einer Vielzahl spannender Duette kommt: etwa zwischen der Solovioline und den Fagotten oder den Posaunen, den Trompeten oder Flöten. Im Finalsatz duettiert der Solist auch mit dem Konzertmeister des Orchesters fast schon wie in einem Doppelkonzert: Im Grunde konzertiert nicht nur der Solist, sondern auch das Orchester mit seinen verschiedenen Klanggruppen.

Das führt natürlich zu heiklen interpretatorischen Fragen, die gänzlich unterschiedlich gelöst wurden. Robert Craft etwa, der enge Vertraute des späten Strawinsky, lässt in seiner Einspielung den Solisten zurücktreten, der so gewissermaßen das orchestrale Musizieren kommentierend begleitet, während in einer Einspielung mit David Oistrach der Solist unangefochten dominiert und das Orchester als Klangkulisse die Musik reich bewegt grundiert.

Liana Gourdjia stellt sich auf dieses ungewöhnliche konzertante Musizieren mit stupender Musikalität sehr überzeugend ein. Sie dominiert nicht nur, wo es die Musik erfordert, sondern nimmt sich auch zurück – nicht nur durch dynamische Differenzierungen, sondern mehr noch durch die Intensität der Tonartikulation; sie gestaltet mit makellos-blendender Technik eben ganz aus der Musik heraus. Die Deutsche Radio Philharmonie unter Zsolt Nagy greift den lebhaften, eher schwingenden als stampfenden konzertanten Impetus, der Strawinskys Partitur durchzieht, niveauvoll auf. Und auch Katia Skanavi, die als Pianistin bei den Solostücken mehr als bloß assistiert, erweist sich als eine kongeniale Partnerin.

Den Anforderungen der doch so unterschiedlichen Lieder wird Forresters tiefe, dunkel getönte und angemessen timbrierte Kopfstimme gerecht. Wärme in Klangfarbe und Tongebung, expressive Schönheit der Linienführung, absolut saubere Intonation und verständliche Artikulation, dazu ein solides technisches Fundament: so erlebt man manches Lied aus neuer Perspektive. [...] Eine Box, die in die Sammlung eines jeden Freundes von Klavierliedern gehört!

[Patricia Kopatchinskaja] zwingt uns zum Zuhören. Kein Ton lässt sie kalt. Sie liebt die Extreme, lebt sie geigerisch aus – und wirkt dann mitunter wie eine "Nina Hagen des klassischen Violinspiels".

Wir erleben ein homogenes Quartett, aus dem sich die halsbrecherisch schwierige 1. Hornpartie bei Bedarf heraushebt, das aber in lyrischen wie dramatischen Partien mühelos seinen Mann steht, so dass eine der mitreißendsten Darbietungen des Konzertstücks entsteht, die der heutige Musikmarkt zu bieten hat.

Die Musiker des WDR Sinfonieorchesters finden aufgrund des feinnervigen und auf Schumann spezialisierten Dirigats von Heinz Holliger für jedes Werk den entsprechenden Ton, was diese CD besonders farbenreich und vielseitig werden lässt.

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L’excellent Quartetto di Cremona, lancé pour le même éditeur dans une intégrale des Quatuors de Beethoven, brille d’un feu sombre dans le vaste Quintette, mariant son geste à celui si éloquent du pianiste, alors qu’il distille une lumière tout autre au long des prospectives et des inventions brillantes du Premier Quatuor (1899), bien plus couru au disque.

This is Piano Duo Takahashi-Lehmann’s third disc for Audite. The first, Originals and Beyond (Audite 97.706), contained arrangements for piano four hands by Schoenberg, Beethoven, and Schumann of their own works. It was reviewed positively by Huntley Dent in Fanfare 39:1. The second, Transcriptions and Beyond (Audite 97.708), contained music by Stravinsky (including the composer’s own arrangement of Le sacre du printemps), Nancarrow, and Arnulf Herrmann. It appears not to have been reviewed in these pages. Now we have Allusions and Beyond. The title is itself an allusion to the fact that the works by Brahms and by Bernd Alois Zimmermann allude to the works of other composers.

There are surprisingly few recordings of Max Reger’s very convincing arrangements of Bach’s six Brandenburg Concertos. In fact, the only recording of all six of them—as far as I know, anyway—is a set that was released on LP by the Musical Heritage Society, featuring pianists Martin Berkofsky and David Hagan. It’s serviceable, although aggressively recorded, and (obviously) out of print. Peter Rösel and Santiago Rodriguez also recorded Concerto No. 5, for Elan Recordings. That’s a better recording, but it is even harder to find than the MHS LPs. Let’s hope that this strong and joyful performance by Piano Duo Takahashi-Lehmann encourages Audite to ask these performers to record the remaining five. I’d buy it.

György Kurtág’s Bach transcriptions are somewhat better represented on disc, including on an ECM New Series disc that features the composer himself with his wife, Márta. These are extraordinarily subtle works. For example, at times Kurtág asks the pianists to cross their own or each other’s arms as they play. This is not a circus stunt, but still trickery of a sort, because the departure from traditional playing positions forces a rethinking of the music, and thus produces changes in the “expressive microcosm,” to use the booklet annotator’s apt phrase. A YouTube video (youtube.com/watch?v=Z8lTh58jhA8) of the aged Kurtágs playing some of these works is very moving, but the present performers certainly are sensitive to what is going on here, and these are beautiful readings. It’s worth mentioning that Kurtág’s setting of O Lamm Gottes unschuldig uses doublings of the melody at octaves or fifths in order to mimic an organ’s overtone stops. You will swear that another instrument is being played, but it’s all piano!

For Bernd Alois Zimmermann’s Monologues, Norie Takahashi and Björn Lehmann leave each other’s side for 18 minutes and sit at their own pianos. (They remain separated for the Brahms.) Monologues contains five sections, and most of them include fragments of music by Bach, Beethoven, Debussy, and Messiaen to create what the composer called “music about music.” Zimmermann had the idea that time was not a line but a sphere, and that cosmic time and an individual’s “inner time” were not necessarily in sync. He described this as “pluralistic chronological simultaneity,” and expressed it musically through the insertion of quotations into his own works. Thus (we are asked to consider in the booklet note), his Monologues “embody the concept for this CD.” Whether you buy that or not probably will determine how you feel about Monologues. Perhaps ironically, it seems a little dated to me, but I might need more time to grow into it. The present performers plunge into this work unreservedly.

The last piece on this CD is Brahms’s famous Haydn Variations. The version for two pianos predated the orchestral version. Other than that, little needs to be said about the music itself, probably. As for the performance, I find it refined, hush-hush sensitive, and interpreted almost to the point of preciousness. It’s as if Elisabeth Schwarzkopf cloned herself and both of them took up the piano. My impression of Brahms was that he was unaffected, and that’s a quality I listen for in his music as well. Piano Duo Takahashi-Lehmann seems to have other ideas, and while I can respect them I do not share them. This is fussy, finicky Brahms.

I’ll come back to this disc for the Bach/Reger and the Bach/Kurtág, and not so much for the Zimmermann and Brahms. There’s no denying, however, that Norie Takahashi and Björn Lehmann are thoughtful and superbly capable musicians.