Dem ungarischen Dirigenten Ferenc Fricsay, der 1948 zum Chefdirigenten des kurz zuvor gegründeten RIAS-Symphonie-Orchesters berufen wurde, widmet Audite eine CD mit Werken von Richard Strauss: neben einer unglaublich spritzigen Burleske (mit Margrit Weber am Klavier) und einem draufgängerischen ‘Till Eulenspiegel’ sind zwei damals relativ neue Werke zu hören, das Oboenkonzert und das Duett-Concertino für Klarinette, Fagott und Streicher, die das Niveau des jungen Orchesters zeigen, auch wenn die Oboe von Léon Goossens nicht den reinen Ton hat, an den unsere Ohren heute gewöhnt sind. Auf jeden Fall ist dies ein wichtiges Dokument in Sachen Fricsay, einem Dirigenten, für den sich kein anderes Label so sehr eingesetzt hat wie Audite.

Only musicians of the highest caliber would even be likely to attempt a survey of this sort on the basis of live recordings. That Coppey and Laul bring it off successfully is genuinely remarkable. The two play together with such solidity and refinement that it is often impossible to say which of them is taking the lead and who is taking the accompaniment role.

Spanische Komponisten, sehr schön bearbeitet für Cello und Klavier vom Cheng² Duo, mit Silvie und Bryan Cheng, hervorragend aufgenommen von Ludger Böckenhoff für sein Label audite, vorgestellt im kulturradio vom rbb.

What an incredible energy these two bring to the table! [...] The Spain of Cheng² is packed with fire and flames [...] Here is a strong and beautiful album, presenting – with perfect conviction – well-known works but in new formats, thus shining a new musical light onto them.

Once again, I am breaking my own self-appointed mandate of live performance reviews to review a new recording. There's no justification, other than to say that I've been following the career of the musicians involved – the Cheng²Duo – for some years now with considerable interest.

Violonchelo del fuego ("Cello of Fire") is the eye-catching title of this new release from the German label Audite. The cover photos underline the Spanish pedigree of the music we'll be hearing.

Unlike the Duo's initial recording, this one contains only one work originally written for the ensemble of cello and piano. It matters not, for the music is all performed with as much fire and passion as if it were specifically composed with these instruments in mind. This new release also includes works for solo piano and solo cello, another innovation on record for these fine Canadian artists.

This Spanish recital constitutes a whirlwind tour through the great Spanish/Catalan music renaissance during the first half of the last century. It might be called a "Greatest Spanish Hits" compilation, but only in part since some of the works definitely live at the rarely-heard edges of the repertoire. As well, there is one work – the final one on the CD – which is something of an odd number since it is only Spanish by virtue of the nationality of its composer, certainly not in any stylistic way.

Traditional images of the music of Spain often evoke such comparisons as the strumming and plucking of guitars, the stamping of flamenco dancers' feet, and the clacking of castanets. To capture this feeling on instruments such as cello and piano requires the most precise pedalling and playing of staccato (on piano) and pizzicato (on cello), combined with rapid articulation, plenty of freedom of rhythm, and sudden, sharp dynamic contrasts. But these composers also included many pages of melting lyrical beauty, where the needs shift to sustained legato and careful shaping of phrases.

In all these respects and others, Silvie Cheng (piano) and Bryan Cheng (cello) have entirely captured the voices of these composers, and they've done so with energy, verve, and spirit.

From the very first notes of the opening number, the Intermezzo from the opera Goyescas by Enrique Granados, it's plain that we're in a very different musical world from the one which the Cheng²Duo's previous recording explored. Later in the recording, we encounter Granados again in an arrangement of perhaps his best-known composition, the Andaluza, fifth movement of his twelve Spanish Dances for piano. This is one work where I noted especially the difference in colour of the whole as the melody was taken by the cello in a position in the centre of the harmony, where it originally appeared on the top. This gave the entire dance a more autumnal feeling.

Isaac Albeniz, the most redoubtable of all Spanish composers for the piano, appears for only one work here, but it's a delight: the Malaguena from his suite Espana. This work calls for a lighter texture and colour, and the Duo deliver, finding a real sense of fantasy in this beautiful number.

The music of Manuel de Falla is generously represented. The first Spanish Dance from his opera La vida breve opens with an energetic presentation of the main theme. The central slower section brings the most forceful bass notes on piano, again with matching powerhouse pizzicato playing on the cello. The return of the main theme is decorated in this arrangement with additional virtuosic flourishes, all played with great flair and verve.

Equally powerful, if anything even more vivid and dramatic, is the famous Ritual Fire Dance from de Falla's ballet El amor brujo. Especially impressive here is the very wide dynamic range of the playing as the music leaps instantly from the very quiet throbbing rhythm to a full-throated fortissimo.

For a microcosm of the entire musical world of this record, turn to de Falla's Seven Popular Spanish Songs. From the fleet-footed Seguidilla murciana and Jota to the languorous Asturiana and the serene beauty of Nana, the Cheng²Duo capture all the diverse moods of this masterly cycle. In such a performance, one scarcely misses the words. The passionate Polo, with its stabbing chords on the piano and leaping cello line is a highlight of the entire album.

Silvie Cheng plays Turina's Exaltacion with distinction, the dream-like opening giving place to a vigorous treatment of the main theme and a lighter, more fantastic tone for the central section. It's a pity that room wasn't found to include the other two Fantastic Dances, as these pieces are not heard on record nearly often enough.

Bryan Cheng presents a rare and significant Suite for solo cello by cellist/composer Gaspar Cassadó, a work which not only deserves but demands wider currency. Three movements, each inspired by different traditional dance forms, call for the widest range of tone colours and moods, and this thoughtful performance truly captures that diversity.

Another Cassadó rarity follows, Requiebros ("Flirtations" or "Compliments") for cello and piano – another dance, this time somewhat more popular in character, and played by the Duo with panache. For a more detailed look at this music by Cassadó, go to my rare music blog: Cello Beauties From Spain.

The final selection is the odd number, the famous Zigeunerweisen by Pablo de Sarasate, one of the staples of the violin repertoire. The central-European gypsy atmosphere of this piece contrasts oddly with the authentic voices of Spain heard in the rest of the album. What's most striking here is the absolute clarity and precision of Bryan Cheng's virtuoso fireworks on the cello, since the notes are much farther apart than on a violin and the cellist's hand has to race back and forth twice as quickly along the fingerboard!

Taken as a whole, this new recording presents a distinguished survey of that proud and magnificent Spanish musical renaissance of the early twentieth century. Silvie and Bryan Cheng fill every selection with the fire and passion which are so essential to this music.

Audite's recording team has captured all the precision and energy of the playing with great clarity, set against a nicely resonant backdrop. A word of warning though: turn your volume down before you play this recording – it has been transferred at a very high level. The album includes detailed and informative programme notes in German, English, and French.

Here, for Audite (19-21 December 2017), Karabits has a first-rate ensemble with which to strike out with singularly oppressive tones, “justifying” the un-popularity of this daring, experimental work.

Het enige wat soms net nog lijkt te ontbreken zijn de rondspattende kanonskogels en het oorverdovende geweervuur. [...] Het zijn zomaar wat overwegingen die opborrelden tijdens de beluistering van deze set die indruk maakt, maar waarin bijna tomeloze ‘Sturm und Drang' en bij tijd en wijle zelfs anarchie (op. 18) de boventoon voert. Uitbundigheid overstijgt precisie (de hoekdelen van op. 59 nr. 1) en de intensiteit van dit spel doet de structuur menigmaal zelfs in zijn voegen kraken (op. 133).

[Es] fallen besonders die heute von vielen Interpreten idealisierte Transparenz im Klang und eine wie besessene Detailarbeit auf.

Bach und ganz besonders Liszt – das sind die Komponisten, die man in erster Linie mit Weimar verbindet. Aber auch Richard Strauss hatte seine "Weimarer Zeit". Diese Schaffensphase beleuchten die Staatskapelle Weimar und ihr Generalmusikdirektor Kirill Karabits auf einer sehr gelungenen neuen CD.

Gerade mal 25 Jahre alt war Richard Strauss, als er im Jahr 1889 Kapellmeister des Großherzogs von Sachsen-Weimar-Eisenach wurde. Nach einer eher unglücklichen Zeit am Münchner Nationaltheater kam er nun an die Wirkungsstätte von Franz Liszt. Mit der Weimarer Hofkapelle, heute Staatskapelle, konnte er seine ersten, noch in München entstandenen Tondichtungen "Macbeth" und "Don Juan" uraufführen sowie das in Weimar vollendete Werk "Tod und Verklärung". Der aktuelle Nachfolger von Franz Liszt und Richard Strauss, der ukrainische Dirigent Kirill Karabits, hat nun mit demselben Orchester diese drei frühen Tondichtungen eingespielt und beim Label audite veröffentlicht.

Musik: Richard Strauss, Don Juan

Der Beginn von "Don Juan" lässt auch heute noch Orchestermusiker schwitzen. Das kraftvoll aufstrebende erste Thema ist Zeichen der Männlichkeit, der Vitalität, der Potenz des ewigen Verführers – und sehr schwer präzise zu spielen. Simon Rattle gab jungen Dirigenten einmal den Rat, das Podium möglichst schnell zu stürmen und noch im Auftrittsapplaus loszulegen, damit niemand mitbekommt, wenn der schwierige Einsatz verwackelt. Das hat Kirill Karabits gar nicht nötig, denn die Weimarer Staatskapelle spielt extrem präzise und schwungvoll. Die dahintersteckende Arbeit ist den Musikern nicht anzuhören, dabei gilt noch immer, was Richard Strauss nach einer Weimarer "Don Juan"-Probe an seinen Vater schrieb:

"Das Orchester pustete und keuchte, machte aber seine Sache famos. Ein großartiger Witz! Nach dem "Don Juan" saß ein Hornist schweißtriefend, ganz außer Atem da und seufzte: "Du lieber Gott! Was haben wir denn verbrochen, dass du uns diese Rute (das bin ich) geschickt hast? Die werden wir so bald nicht wieder los!" Wir haben Tränen gelacht. Dabei haben gerade die Hornisten mit Todesverachtung geblasen."

Musik: Richard Strauss, Don Juan

Mit großer Lust am luxuriösen Klang spielen nicht nur die Hörner, sondern auch die Streicher der Weimarer Staatskapelle die lebensfrohen Aufschwünge, mit denen Richard Strauss seinen Don Juan charakterisiert. Er orientierte sich an einem Gedicht von Nikolaus Lenau, der den unermüdlichen Verführer schließlich an Verdruss, Lebens- und Selbstekel sterben lässt. Das ist Richard Strauss’ Sache eher nicht. Zwar endet seine Tondichtung verhalten, bis dahin schildert der Mittzwanziger seinen Helden aber vor allem kraftvoll hochfahrend und genießerisch. In dieser Komposition findet Strauss seinen eigenen Ton, seinen wiedererkennbaren Orchesterklang und einen musikdramaturgischen Aufbau, den zu beschreiben noch Generationen von Musikwissenschaftlern Probleme bereiten würde. Ist es ein Rondo? Ein verkappter Sonatenhauptsatz? Irgendwas dazwischen oder doch etwas ganz Neues? Dem Dirigenten Kirill Karabits scheint das ziemlich egal zu sein, er nimmt sich die nötige Zeit, die Themen auszubreiten und zieht an den dramatischen Stellen fast unmerklich das Tempo an, ohne den rastlosen Liebhaber zu sehr zu hetzen.

Musik: Richard Strauss, Don Juan
Komponist auf der Suche

Die drei Tondichtungen "Macbeth", "Don Juan" und "Tod und Verklärung" entstanden in einer wichtigen Phase in der Karriere von Richard Strauss. Der legendäre Dirigent Hans von Bülow, Wagnerianer der ersten Stunde, hatte Strauss nach Meiningen geholt, wo er das Dirigieren lernte und Johannes Brahms traf. Von dort kehrte Strauss in seine Heimatstadt München zurück, wo der ambitionierte Jungkomponist mit ersten Tondichtungen die abgenutzt erscheinende Form der Sinfonie überwinden wollte. Mit seinem "Don Juan" sollte ihm das gelingen, im kurz zuvor entstandenen "Macbeth" war er hingegen noch auf der Suche.

Musik: Richard Strauss, Macbeth

Kaum ein anderes Werk hat Richard Strauss so oft und so gründlich überarbeitet wie "Macbeth". Die erste der drei Fassungen schickte er im Januar 1888 an seinen Mentor Bülow, der ihm mitteilte, er könne eine Tondichtung über den schottischen Königsmörder unmöglich mit dem Triumphmarsch seines Widersachers Macduff abschließen. Strauss schrieb das Finale um, und nun endet das Werk düster mit dem Tod des Titelhelden. Später änderte er noch einige Details dieses finsteren Nachtstücks, das allerdings nicht sklavisch den Handlungsablauf bei Shakespeare wiedergibt, sondern vielmehr atmosphärisch dicht die Stimmung der Tragödie einfängt.

Musik: Richard Strauss, Macbeth

"Macbeth" erreichte nie die Popularität der anderen Tondichtungen von Richard Strauss, umso willkommener ist diese ernsthafte, gründliche und bei aller Düsternis doch farbenreiche Interpretation der Staatskapelle Weimar unter ihrem Generalmusikdirektor Kirill Karabits. Gerade im Vergleich mit den anderen beiden Tondichtungen auf dieser CD wird aber auch deutlich, dass Strauss mit seinem "Macbeth" noch auf der Suche nach einer neuen Form war und seine Gestaltungsmittel noch nicht völlig im Griff hatte. Das änderte sich bereits im "Don Juan". Zur Meisterschaft gelangte er spätestens 1889 mit der in Weimar vollendeten Komposition "Tod und Verklärung".

Musik: Richard Strauss, Tod und Verklärung

Zwischen Abonnementskonzerten und Opernaufführungen, die er als Kapellmeister zu dirigieren hatte, gestaltete Strauss nach eigenem Bekunden "die Todesstunde eines Menschen, der nach den höchsten Zielen gestrebt hat". Darin dürfen wir in der typischen Künstlerpose des 19. Jahrhunderts durchaus auch ein fiktives und nicht besonders bescheidenes Selbstporträt des Komponisten in hoffentlich ferner Zukunft sehen. Bei einem 25-Jährigen, dessen Leben bis dahin von Schicksalsschlägen oder schweren Krankheiten verschont blieb, mag das etwas prätentiös klingen, aber ein mehr oder weniger ausgeprägter Narzissmus lässt sich bei Richard Strauss schließlich in allen Lebensaltern beobachten. Anders als in "Macbeth" ist in "Tod und Verklärung" ein genaues Programm überliefert. Vom stockenden Atem des Sterbenden über den Moment des Todes bis hin zum Blick ins Jenseits, wo der Künstler das erschaut, was er auf Erden nicht schaffen konnte. Dieser Moment klingt bereits wie eine Vorahnung seiner "vier letzten Lieder".

Musik: Richard Strauss, Tod und Verklärung

Traditionsorchester mit Luxusklang

Auch den ätherischen Tonfall der Verklärung treffen die Musiker der Weimarer Staatskapelle unter ihrem aktuellen Generalmusikdirektor Kirill Karabits genau, ohne dass die wilhelminische Heilsgewissheit in süßlichen Kitsch abgleitet. Der gefürchtete Wiener Kritiker Eduard Hanslick spottete über "Tod und Verklärung", die Musik sei so plastisch, dass dazu auch eine Pantomime des sterbenden Künstlers auf der Bühne aufgeführt werden könnte und hat damit die Kritik an den trappelnden Pferden in der "Elektra" oder den Orgasmustrillern im "Rosenkavalier" vorweggenommen. Schon zu diesem Zeitpunkt, 1889, steht der fertige Strauss vor uns mit all seinen Stärken, auch mit seinen vermeintlichen Schwächen.

Als Bonus und Rarität hat Kirill Karabits zu den drei Tondichtungen noch ein heiteres Nachspiel angefügt, nämlich jenen "Festmarsch in C-Dur", den Richard für seinen Vater Franz zum 25-jährigen Bestehen von dessen Privatorchester "Die wilde Gungl" schrieb. Eine Gelegenheitskomposition, nichts wirklich Wichtiges. Mit dem großen Orchesteraufwand der Tondichtungen hat diese Kleinigkeit nichts zu tun, aber sie macht den Weimarer Musikern hörbar Spaß.

Musik: Richard Strauss, Festmarsch in C

Die Tonmeister des Labels audite haben das Orchester auch im abschließenden Festmarsch plastisch gestaffelt eingefangen. Die Orchestergruppen mischen sich vor allem in den Tondichtungen zu einem warmen, aber nie erdrückenden Luxusklang, der den Rang eines der ältesten deutschen Orchester unmittelbar beglaubigt. Dass die 1491 gegründete Staatskapelle Weimar eines der wendigsten und reaktionsschnellsten Opernorchester Deutschlands ist, wissen nicht nur Fachleute. Ebenso überzeugend ist sie auf dieser neuen Platte unter ihrem Generalmusikdirektor Kirill Karabits mit Tondichtungen von Richard Strauss als Konzertorchester zu hören. Einziger Wermutstropfen ist, dass diese Zusammenarbeit bereits in der kommenden Spielzeit endet, weil Karabits seinen Vertrag in Weimar nicht verlängert.

Elmar Lehnen ist nicht nur auf die unglaublich vielseitige Großorgel ideal eingespielt, er ist ein Orgel-Virtuose mit großem Gespür für Ausdruck, Rhythmus und die wirkungsvollen Registernuancen in allen Dynamiken und Rhythmen.