Die rasche Lesart des Allegro con brio im Kopfsatz des G-Dur-Quintetts von...

Het ‘Magnificat’ stuwt naar een intense gevoel van vreugde en overweldigende achting als Maria het één en ander doorziet en haar zending aanneemt. De terughoudende Schneiderhan en de expressieve Seefried geven een enorme zeggingskracht aan het stuk. Ieder woord en elke noot is duidelijk en krijgt de juiste lading.

Three previously unreleased, live Lucerne Festival performances document the great French cellist Pierre Fournier (1906-1986) at the height of his career before Rostropovich, Jacqueline du Pré, and Yo-Yo Ma took center stage. He was an elegant stylist with a fine, classic technique, an organic sense of portamento, and a wonderful ability to float a line.

He was, in many ways, an alter ego to his more spontaneous contemporary, Paul Tortelier. Since 1962, Fournier’s studio recording of Dvorak’s Concerto in B minor, Op. 104, with the Berlin Philharmonic conducted by George Szell, has remained an example of the music’s aristocratic splendor in which the orchestra sets up the cello. In this live performance from 1967, with the Lucerne Festival Orchestra conducted by István Kertész, the orchestra listens to the cello with more affectionately intimate, yet still exciting results. The big tune in the first movement has never been more exquisitely, more lyrically played, either by French horn or the soloist – Fournier is staggeringly in command of the big octave run with precision-cut separate notes leading to the glissando covered by the orchestra at the end. As an example of the role courage plays in making it to the top, Fournier ramps up his intensity, size, and sweep whenever he loses his way or misses his mark – especially in his 1962 performance of Saint-Saens’ Cello Concerto in A minor, Op. 33, with Jean Martinon conducting, which otherwise is similarly satisfying without the sheer illumination. The CD concludes with Fournier’s performance of Casal’s Cant dels ocells in 1976, accompanied by strings at a memorial concert of the centenary of the great cellist’s birthday – he brief announcement he made playing tribute to Casals and Enrico Mainardi who had died a few months before, is included.

Des cinq coffrets que compte déjà cette passionante série (cf. nos 618, 622, 626, 631), et en attendant le dernier consacré à Haydn, le present volume s’impose comme le plus inattendu: il offer l’occasion inespérée d’entendre les Amadeus dans des oeuvres dont on ne leur connaissait aucun témoignage! Leur discographie ne comportant pas une seule note de Schumann, c’est dire l’émotion de voir surgir ces interpretations du Quintette avec piano et du Quatuor n° 3. Enfouies depuis des décennies dans les archives de la Radio berlinoise, elles garden tune fraicheur unique, n’ayant jamais servi de modèle à qui que ce soit. Ecoutez cet Opus 44, ardent et passionné, témoin de la sève de leurs jeunes années (1950), aux côtés de Conrad Hansen (élève puis assistant d’Edwin Fischer) dans une prise de son monophonique qui n’en perd pas un detail, avant de vous immerger dans le Quatuor en la majeur, sommet absolu de leur art (1962). Leur presence est si palpable qu’on jurerait étre assis au premier rang, l’oeil rive sur les archets, le soufflé coupé par cette liberté de ton. Et quelle ferveur dans les voix intérieures – l’alto de Peter Schidlof!

L’Adagio surpasse tout ce qu’on avait pu entendre jusque-lá. Aucune trace des Amadeus dans Mendelssohn, si ce n’est dans le bref Capriccio grave en 1955 chez HMV? C’était avant la découverte de cet Opus 12, partition d’un lyrisme radieux, captée en 1969.

Norbert Brainin s’en donne à coeur joie, usant de son vibrato inimitable, veritable signature de l’ensemble, nous entrainant dans l’élégance féerique, innocente ou pathétique, de cet univers si propre à son auteur.

Deux autres suprises nous attendant dans le dernier CD: le Quintette en la majeur de Dvorak dans une lecture particulièrement enjouée, puis une interprétation aussi personnelle que spectaculaire du Quatuor op. 27 de Grieg. Dans les autres oeuvres, on comparer aces capitations de jeunesse avec les gravures officielles, souvent très postérieures. C’est le cas du quatuor de Verdi, beaucoup plus tendui ici en 1962 que dans la gravure DG tardive de 1979. Tous dates des années 1950, leurs Brahms sont aussi fervents que touchants dans ces bandes de Radio réalisées sans montage, qui leur laissent exprimer tant de spontanéité. On reste envoûté dans l’Allegretto de l’opus 51 n° 1 ou dans l’Agitato de l’Opus 67, sans vouloir perdre une miette de l’Opus 34 ni du dialogue Brainin / Geuser dans l’Adagio de l’Opus 115, fascine par la complicité fusionnelle avec celui qu’on surnomma le cinquième home du quatuor, l’altiste Cecil Aronowitz (ne manqué surtout pas l’Adagio du Quintette en fa majeur de Bruckner).

This is gutsy playing, full of power and poetry, with crisp orchestral support.

La violoniste sait allier la beauté intrinsèque de sa sonorité à l’écriture acérée de Stravinsky. Elle forme avec Katia Skanavi un duo parfaitement affuté. [...] Avec le soutien du bel orchestre de la Deutsche Radio Philharmonie, dirigé par le chef hongrois Zsolt Nagy, Liana Gourdjia s’empare de cette partition avec une évidente autorité. Elle en assume vaillamment le caractère virtuose souhaité par le compositeur, ainsi que le style néoclassique, tout en soulignant l’invention de l’écriture. Sans froideur aucune, son interprétation charme l’oreille autant que l’esprit.

Der belgische Musiker Jeroen Berwaerts entwickelte das genreübergreifende Konzept dieser CD, tritt solistisch als Trompeter und Jazz-Vokalist auf und leitet das Ensemble ‘Salaputia Brass’. Diese Grenzüberschreitungen realisiert Berwaerts mit einer entwaffnenden Selbstverständlichkeit. Was so fern zu liegen scheint, kommt sich hier so nahe, dass Gabrieli und Gershwin quasi eins werden, Takemitsu sich mit einem Spiritual vermählt und Duke Ellington zwischen zwei Gabrieli-Stücken einen ganz normalen Platz findet. Da stört nichts, da reibt sich nichts, es entsteht nur Harmonie. Und die kommt vom wie immer herausragenden Musizieren des Ensembles ‘Salaputia Brass’ und dem Talent des Belgiers. Eine exzellente Mischung!

To combine Gabrieli and Gerswhin, Monteverdi and Duke Ellington in one program and to make it coherent, requires a very special talent. Jeroen Berwaerts obviously has such a gift, and together with the excellent Salaputia Brass he produced one enjoyable recording.

Although Saint-Saens is often called a youthful prodigy, as such he wasn't really of the calibre of Mozart or Mendelssohn. His Piano Quintet, written when he was 20, certainly gives hope of fine things to come, glowing as it does with enthusiasm and a determination to show off the pianist's technique. It also has its playful moments, but as time goes on, despite a fluent performance from the pianist, we begin to tire of the overuse of sequences and would relish a more equal partnership with the strings: as Poulenc was quick to admit, being a fine pianist can have drawbacks for a composer, fingers too readily taking the place of ears and mind.

We might therefore hope that Saint-Saens's first chamber work without piano might offer something special. Sadly it doesn't. In 1906 he declared his ambition to write 'a really beautiful string quartet', thereby implicitly criticising his first attempt at the genre, made seven years earlier. It gives me no pleasure to agree. Although the very opening is highly imaginative, from here on duty seems to call, with the weight of tradition sitting heavily on his shoulders. Quite simply, the material is rather dull and predictable, and playfulness is out. Matters are not improved by the close recording, which amplifies the impact of bows on strings with results that can be aurally fairly uncomfortable above mezzo forte; and I'm puzzled by the advertised contribution to the Quintet's scherzo of a double bass, not present in the score nor mentioned in the liner notes…

Dieses Violinkonzert hätte es beinahe nie gegeben: Nur weil sich Strawinsky dazu überreden ließ, entstand das neoklassizistische Meisterwerk. Die Geigerin Liana Gourdjia interpretiert den Solopart technisch makellos und dennoch sensibel und farbenreich. Dies gilt besonders für die beiden Mittelsätze. Auch die anderen Stücke, zum Großteil für Violine und Klavier bearbeitet, machen viel Spaß: Egal, ob Suite italienne, Tango, Danse Russe oder Divertimento – Gourdjia reißt den Zuhörer mit. Auf einem ebenso hohen Niveau bewegen sich ihre Mitstreiter. Eine schöne, sehr natürlich und differenziert aufgenommene CD mit einer Spielzeit von mehr als 77 Minuten.

Das Label Audite traut sich was. Der Cellist Bryan Cheng (18) und die Pianistin Silvie Cheng (25) sind die jüngsten Musiker, die es je unter Vertrag genommen hat. So jung, dass es über keinen von beiden einen Lexikoneintrag in der Wikipedia gibt. Aber die Geschwister aus Kanada zahlen das Vertrauen mit einer stets soliden, manchmal hervorragenden Debüt-CD zurück.

Sie begegnen den Sonaten von Cesar Franck mit Feinsinn und Gespür für elegischen Ton. Silvie Chengs Hände gleiten von Taste zu Taste, sie webt einen Klangteppich voll filigraner Muster und breitet ihn unter dem Spiel ihres Bruders aus. Mit gedämpftem, fast heiserem Klang schleicht er im Zwielicht durch die leiseren Passagen der Sonaten, ein faszinierendes Spiel mit der Dunkelheit. Für die großen Wehklagen und Wutausbrüche fehlt Bryan Cheng dagegen manchmal die Wucht. Der aufgepeitschte Mittelteil von Gabriel Faures Elegie wirkt erstaunlich zurückhaltend, so als wollten beide Musiker dem jeweils anderen brav den Vortritt lassen. Höflichkeit unter Geschwistern? Ist das die Kehrseite des perfekt abgestimmten Zusammenspiels? Seit fünfzehn Jahren machen die Cheng-Geschwister gemeinsam Musik. Bryan Cheng war damals drei Jahre alt. Sie geben einander Raum, und stets bleibt zu hören, was welche Hand auf welchem Instrument gerade treibt.

Ein Höhepunkt der CD ist ihre Interpretation von Camille Saint-Saens' Allegro appassionato. Bryan Cheng stürmt trittsicher die Tonleitern hinauf und tänzelt dann triumphierend auf dem Gipfel. Im tänzerischsten, schlankesten und bestgelaunten Stück dieser CD legt er seinen Glanzauftritt hin. Sie blitzt zwar nur kurz auf; aber es ist diese Facette an Bryan Chengs Spiel, die besonders neugierig macht, auch auf seinen Umgang mit anderen Klassikern des Cello-Repertoires: Wie er sich durch Haydns Konzerte und Beethovens Sonaten schwingen wird... Man ahnt, dass es ein großes Fest werden kann mit den beiden.