Marc Coppey rahmt die beiden Cellosonaten von Gabriel Fauré mit kleineren Stücken aus der Gattung der Salonmusik, wie sie Gabriel Fauré liebte. Der Komponist war oft im Salon der Princesse Edmond de Polignac-Singer zu Gast, mit der er eng befreundet war, sowie in jenem von Marguerite de Saint-Marceaux, der Frau des Bildhauers René de Saint-Marceaux, am Boulevard Malesherbes, wo Fauré seinen Schüler Maurice Ravel in die Pariser Gesellschaft einführte.
Man kann diese kleineren Stücke, die eher das Spiegelbild eines zarten und poetischen Temperaments sind als das Produkt einer starken und ausgeprägten Persönlichkeit, wie Süßigkeiten verzehren. In Schönheit. Manchmal auch träumend. Die Frische, mit der Coppey und Dumont spielen, bringt zudem eine gute vitale Qualität in die Musik. Die Interpretationen sind gut strukturiert und bewundernswert ausgewogen.
Die beiden Sonaten für Violoncello und Klavier gehören zum Spätwerk von Gabriel Fauré, in dem dieser Hauch von Salonmusik, der Faurés Kompositionen lange Zeit beeinträchtigte, völlig verschwunden ist.
Die Interpretationen werden Faurés festerer Handschrift und den ihn beeinflussenden äußeren Umständen – Kriegswirren, Krankheit – gerecht und nutzen gleichzeitig die harmonischen Raffinessen der beiden Werke voll aus. Die beiden Interpreten bemühen sich in flüssigem Spiel erfolgreich, die Beredsamkeit der Musik aufrecht zu erhalten und jegliche Monotonie zu verhindern.


English Translation:

Marc Coppey frames the two cello sonatas by Gabriel Fauré with smaller pieces from the genre of salon music that Gabriel Fauré loved. The composer was a frequent guest at the salon of Princess Edmond de Polignac-Singer, with whom he was close friends, as well as at the salon of Marguerite de Saint-Marceaux, wife of the sculptor René de Saint-Marceaux, on the Boulevard Malesherbes, where Fauré introduced his pupil Maurice Ravel to Parisian society.
These small pieces, which reflect a delicate and poetic temperament rather than a strong and distinctive personality, can be consumed like sweets. In beauty. Sometimes even like in a dream. The freshness with which Coppey and Dumont play also brings a good vitality to the music. The interpretations are well structured and admirably balanced.
The two sonatas for violoncello and piano are among the late works of Gabriel Fauré, in which the touch of salon music that for a long time marred Fauré’s compositions has completely disappeared.
The interpretations do justice to Fauré’s firm style and the external circumstances that influenced him – the turmoil of war, illness – while at the same time making full use of the harmonic refinements of both works. The two performers succeed in preserving the eloquence of the music and avoiding any monotony in their fluid playing.

2013 gründeten fünf Bläser-Studierende ein Quintett für ihre Kammermusikpflichtstunden an der Kölner Musikhochschule. Nach dem Studium starteten sie alle ihre Karrieren, fanden zum Beispiel ihren Platz in verschiedenen Orchestern. Und doch konnten sie alle nicht von der Kammermusik lassen. Und so blieben sie zusammen: das ARUNDOSquintett ist bis heute fast in der ursprünglichen Besetzung zusammen. Erfolgreich bei Festivals und in Konzerten, legten sie eine erste, vielbeachtete CD vor. Ihre zweite CD "SAGA" präsentiert vier unterschiedliche Werke.

Saga. Das ist die germanische Göttin der Sagen, Mythen und Runen. Oft wird Saga direkt mit "Erzählung" und "Geschichte" übersetzt.

"Wir wollten ein Album erstellen, das Geschichten erzählt, die unmittelbar die Phantasie des Zuhörers anregen können. Mit dem Wort Geschichte meinen wir aber auch die Geschichte des Quintetts. Wir wollten gerne unsere Lieblingsstücke produzieren, die das Quintett schon länger begleiten", so Yuka Maehrle, Fagottistin des Ensembles.

Geschichten aller Art
Doch wie schnell können sich in diesem Punkt fünf Musiker aus drei Nationen einigen? Maehrle erinnert sich da an ein gemeinsames Abendessen: Sie schrieben alle jene Werke auf einen Zettel, die ihnen im Laufe des gemeinsamen Spielens ans Herz gewachsen waren.

"Wir mussten lachen, als wir diese Zettel aufgedeckt haben – dass zum Beispiel bei allen an erster Stelle Debussy stand. Und auch Nielsen war vorne mit dabei!"

Ebenso eindeutig fiel das Votum für das Werk von Schifrin aus, weil sie es für einen Wettbewerb intensiv erarbeitet haben. Quintett-Harmonie in Reinkultur also.

Raffinierte Bearbeitung
An erster Stelle also Claude Debussy. Christine Stemmler, Klarinettistin des Quintetts, bestätigt diese Wahl: "Wir finden, dass diese ja sehr bildliche, malerische und auch poetische Musik unglaublich gut zu unserer Besetzung passt. Und da sich die Musik auch auf Gedichte und Gemälde bezieht, hat das besonders gut zum Thema 'Saga' gepasst."

Debussys "Petit Suite" ist original für Klavier zu vier Händen gedacht. Das Quintett hat hier eine sehr charmante Bearbeitung voller Spielwitz gefunden: Jedes Instrument wirft ein eigenes Augenzwinkern in die Runde. Gerade hier hört man in den rhythmisch markanten Passagen, dass die Fünf den Gleichklang im Blut haben. Das sitzt. Technische Schwierigkeiten? Kennen sie nicht.

Standardwerk voller nordischer Klänge
Ebenso Ensemble-Begeisterung für Carl Nielsen und sein Bläserquintett op. 43. Die Fagottistin Maehrle: "Nielsen gilt heute als der bekannteste dänische Komponist. Sein Quintett ist ein Standardwerk für Bläserquintett. Da führt kein Weg dran vorbei. Und das Werk ist ein, so finde ich, wirklicher Geheimtipp für alle, die nordische Klänge lieben."

Das Spätwerk des Komponisten entstand für befreundete Musiker, die er bei einer Mozart-Probe hörte. Für diese schrieb Nielsen vier Sätze. Der letzte ist eine große Variationsreihe, in der jedes Instrument seinen Auftritt erhält, denn hier werden die unterschiedlichen Bläserklangfarben von Fagott, Flöte, Horn, Oboe und Klarinette in eine Art Dialog zusammengebracht, so Meahrle. "Und das ist etwas, was in Nielsens Quintett aufs Höchste zelebriert wird."

Geschichte vom Fluss
Danach folgt ein ganz anderes Werk, das Lalo Schifrin, Argentinier, Jahrgang 1932, komponierte. Angeblich soll es eine düstere Geschichte erzählen, vom Mississippi-Schaufeldampfer "La Nouvelle Orleans", der von seiner Jungfernfahrt nicht zurückkehrte, berichtet Klarinettistin Christine Stemmler. "Am Anfang gibt es diese mechanischen Geräusche, diese Schiffsgeräusche. Und dann sprudelt das Wasser rein und die Leute geraten in Panik." Im weiteren Verlauf taucht eine Klagemelodie auf, "und dann beginnt diese typische New Orleans Jazz-Beerdigung am Ende des Stückes."

Neues fürs Quintett
Ebenso gehört zur Geschichte des Quintetts, dass neue Werke in Auftrag gegeben werden. So traten sie auf einen Komponisten zu, der schon oft im Publikum saß: Kevin Beavers. Er komponierte ihnen ein dreisätziges Werk für ihr Album. Dazu Yuka Maehrle: "Wir waren so dankbar für die Liebe, die er offensichtlich in dieses Werk gesteckt hat! Man kann im Hinterkopf haben, dass den Sätzen jeweils ein Charakter zugrunde liegt. Der Charmeur im ersten, der Liebhaber im zweiten Satz mit einer riesigen Fagott-Kadenz und einen Spaßvogel."

Quintessenz des Quintett-Albums
Das Album ist eine Visitenkarte der Extraklasse. Sie zeigt das Können beim virtuosen Spiel, Experimentier-Esprit, Stilsicherheit in den Epochen und enorme Erzählkraft und Tiefe. Auf "Saga" kommen die Geschichten bestens zur Geltung: tragische, melancholische, tanzwütige und witzige.

Regers "Cinq pieces pittoresques" sprudeln nur so vor geschliffenem Witz, in koketter Agogik pointiert dargeboten. Im orchestralen Satz von Rachmaninows Suite Op. 17 erreicht das Duo bewundernswerte Transparenz, besticht mit blitzender Präzision

Spannungsvolle Tempi, feinst ausgearbeiteter Klavieranschlag und Celloton und ein unbedingter Wille zum Dienst an der Musik ermöglichen zusammen mit hervorragender Aufnahmetechnik [...] Interpretationen, die besonders stark aufhorchen lassen.

La más reciente edición de los International Classical Music Awards (ICMA), fue celebrada el pasado 12 de abril en el Palau de la Música, de Valencia. Entre los ganadores destacó la casa audite, colaboradora de este sitio con una excelente grabación de las actuaciones del icónico Herbert von Karajan en el Festival de Lucerna entre 1952 y 1957.

Se trata de una compilación en 3 CD's que aborda la obra del conductor en el marco del más importante Festival de musica clásica del mundo en la época cumbre de su carrera, habiendo sido nombrado conductor principal de la Filarmónica de Berlin en 1956.

Durante 4 décadas von Karajan fue uno de los personajes imperdibles del festival. Esta compilación, nunca antes editada, rescata interpretaciones magistrales del conductor durante la época de reconstrucción de su carrera tras la Segunda Guerra Mundial.

En la compilación es posible encontrar, repartidos en 3CD, temas de grandes compositores como Beethoven, Mozart, Brahms, Bach o Honegger. Todos ejecutados con el brío, la maestría y el particular estilo del polémico director.

Como mencionaba al inicio de esta entrada, esta compilación ha sido galardonada por la prestigiosa International Classical Music Awards (ICMA) como mejor grabación histórica. La consideran una pieza fundamental para entender el elevado estatus que alcanzaría el Director en los años posteriores.

Para los seguidores de von Karajan y, de la música clásica en general, esta compilación será una pieza central de su colección.

Se encuentra disponible en formato CD y descarga digital a través de la web de audite.

Debussy's “Petite Suite”, here in wind quintet arrangement, drips with nostalgia – both explicitly in the idylls of the first movement 'En bateau', and implicitly in the final movements' Baroque flavours. The ARUNDOSquintett's mellow, insinuating playing brings these moods deliciously to life. Elsewhere, Nielsen's Wind Quintet finds the composer in gracious, almost Mozartean form, while in Kevin Beavers's Quintet the players tease out the woodwind family's more skittish qualities.

Just as the musical world has moved on from the polarity of authentic versus modern performance, here comes the A-word again. This recital's claim to authenticity is first and foremost based on Francois Dumont's 1891 Erard piano, from the Musee de la Musique in Paris, illustrated in glossy photos in the digital booklet; its sound is light and transparent but not heard to its best advantage, I fear. The notes also bring up Marc Coppey's cello-playing as a marker of authenticity. But here the argument is soggy, resting on the assertions of his 'fully engaging with the fluid rhetoric of Faure's musical language' and eschewing 'a perpetual espressivo, which would be stylistically incongruous'.

Well, it's true that Faure's scores are not burdened by excessive indications, but espressivo certainly appears regularly, not least in the First Sonata. And whatever the theory, the cello sound falls short in terms of charm, sophistication and eloquence. The shortcomings of the current disc are particularly apparent in comparison with existing recordings, of which there are more than might be expected and whose numbers may swell as the centenary year proceeds. Particularly short-changed are those pieces that balance poise with pathos, such as the famous Elégie. Compare here the austerity and dryness of Coppey and Dumont with the elegantly weighted sound world of Isserlis and Devoyon or the quiet wistfulness of Gagnepain and Dayez on period instruments.

As with those discs, at the heart of Coppey and Dumont's programme are the two late sonatas. These are a far cry from the Fauré of sweet melodies and salon-music airiness. Darkly serious and densely textured, each sonata is a kaleidoscope of complex and unexpected harmonies and rhythmical patterns. The First, composed in 1917, clearly carries the scars of the Great War and its associated disillusionments; the jagged lines and a general feeling of unease of the first movement lead to a posttraumatic and elusive second and an impatiently flowing finale. Belonging to the period following Faure's resignation from the Conservatoire due to health issues, not least his incipient deafness, the Second Sonata is marked by greater inwardness and withdrawal, and even the playfulness of the dialogue of melodies in the first movement is now surrounded by a melancholic haziness. The second movement, echoing ' the Elégie, is a transcription of a funeral march composed for the centenary of Napoleon's death, to be performed at Les Invalides. Here again, I find Coppey and Dumont merely plodding, where Isserlis and Devoyon are majestic, and Gagnepain and Dayez are poetically mournful.

The interleaved shorter pieces return us to the Fauré of salon music, from the undulating melodies of the Sicilienne (originally incidental music to Moliere's Le bourgeois gentilhomme) to the sunlit, Catalan-tinted Sérénade (dedicated to Casals) and the rather insignificant but charming Morceau de lecture for two cellos (one of Fauré's conservatoire exam pieces). There is also the obligatory 'Après un rêve' in Casals's arrangement, here stark and direct rather than amorous and longing. The closing Berceuse from the Dolly suite in Coppey's arrangement is no match for the magical ending of Isserlis's disc, with its original version of the Op 67 Romance for cello and organ recorded in a church setting. If authenticity is still a thing, that fits the bill far more persuasively.

An illuminating contemporary illustration of English consort music is found in the beautifully produced album “On Byrd’s wings” (audite, issued 2023) by sopranos Dorothee Mields and Magdalene Harer, the Boreas Quartett Bremen, the Hathor Consort (of viola da gambas) and lutenist Ryosuke Sakamoto. Covering the music of Byrd (who dominates the album with nine pieces, both vocal and instrumental), Henry Lawes, Thomas Campion, Robert Johnson, Orlando Gibbons and Thomas Simpson, a demonstrative confessional and chronological range is provided to illustrate and colour an aural picture of post-Reformation English consort music. Recorded at St Cosmas and Damien church, Lunsen, the setting provides a somewhat provocative spatial reminder that this music was intended for intimate secular settings, softly furnished and with challenging acoustics, quite unlike the sharp enhancing quality of this church. Recording in this space helps to reveal the technical workings of the English consort music included on the album, in both the finely tuned and distinctive voice of two talented sopranos, and the expressive instrumentalists. The confident and concise liner notes, with text by Nike Keisinger, translated by Viola Scheffel, provide a valuable explanation of the themes and justification for the choice of music, recognizing the practical limitations and realities of the spatial context of early modern domestic music-making, and the intimate relationship this world exercised with the public world of theatre. These themes are drawn out in the recording, the clarity of the singers’ voices marking the distinction of the text, and emphasizing the significance of poetic-consort performance. Further discussion might have been provided regarding the melancholic themes of many of the pieces, particularly given their religious resonances with both Catholic and Protestant early modern minds. Nonetheless, the recording is produced to a high quality, and provides a timely reminder of Byrd’s poetic and dramatic connections, illustrating the point clearly that, unlike today, Byrd was just as well known and appreciated for his domestic consort music as he was for his church anthems.

Ab wie vielen Musikern braucht ein Ensemble eigentlich einen Dirigenten? Wie lange können die einzelnen Mitglieder den Gesamtklang noch unabhängig bewerten, wann ist ein akustischer, stilistischer Supervisor vonnöten? Nun, es geht nicht selten bis hoch zum Nonett. Und auch etliche Kammerorchester werden vom Konzertmeister-Pult geführt und klingen durchweg exzellent, ohne dass jemand von außen die Hörner zurückgepfiffen oder etwas mehr Vibrato bei den Violoncelli verlangt hätte.

Auch das Arundos-Bläserquintett greift auf externe Beratung vermutlich nur selten zurück, die fünf Mitglieder verfügen selbst über genügend interne Bewertungskompetenz. Das kann man auch von der neuen und zweiten CD des Ensembles mit Sicherheit sagen. Sie heißt „Saga“ (beim Label audite) und schickt den Hörer auf eine Erlebnis- und Fantasiereise, die von vier ungewöhnlich schönen, schillernden, sinnenfrohen Stücken animiert wird.

Das ist zunächst die bezaubernde „Petite suite“ von Claude Debussy in einem Arrangement von Gordon Davies. Sodann das schmeichlerische, überhaupt nicht ungemütlich modern klingende Quintett von Kevin Beavers (1971 geboren), einer Auftragsarbeit der Arundos-Musiker. Das Quintett „La Nouvelle Orleans“ von Lalo Schifrin jongliert lasziv mit Mustern aus Blues und Ragtime. Und das „Kvintet“ des dänischen Komponisten Carl Nielsen ist eine herrliche Spielerei mit der Musikgeschichte, bei der man den Einfluss Mozarts vergnügt spürt. Alles lauter Musik also zur Steigerung des Wohlgefühls.

Die fünf Musiker sind erstklassig, jedes Instrument wird meisterlich betreut: Anna Sahas schwebend-leichte Flöte, Yoshihiko Shimos zauberische Oboe, Christine Stemmlers intensiv-schöne Klarinette, Lisa Rogers‘ virtuoses Horn, Yuka Maehrles famoses Fagott. Ihre Kommunikation funktioniert also ohne Dirigentenstöckchen, einzig durch wachen Blick, durch das gemeinsame Atmen – und durch wirklich faszinierende Musikalität.

[…] Bringing to light unfamiliar repertory remains high on the agenda of HIP ensembles. Though a finite resource, many works remain unrecorded and await the opportunity to reach wider audiences. Particularly welcome, therefore, is la festa musicale’s recording of Gregor Joseph Werner’s Requiem in C minor (1763)—the striking texture of two trombones bringing it into relevance in this review, in Gregor Joseph Werner: Vol.II: Requiem (audite 97808, issued 2022). As Joseph Haydn’s predecessor at the Esterházy court, Werner projects a powerful voice through his contrapuntal style and precedes many devices subsequently used in the requiems by Michael Haydn (1771) and Wolfgang Amadeus Mozart (1791), both of whom use the trombones to dramatic effect through the use of timbral doubling in the choir and more exposed passagework. One is left wondering how such a pioneering work has remained in the shadows for so long. la festa musicale’s control of shaping creates a poignant framework for beautiful dissonances, interwoven by Voktett Hannover and an impressive solo quartet. […]

What do these recordings tell us about the outlook for wind and brass in early music in the current climate? Firstly, they highlight the potential for new writing on old instruments in bringing people together and building a wider community; the crowd-funding approach for Northern Soul shows how a new work can revitalize and revisit old practices. Secondly, they demonstrate that new technical boundaries can be emulated and often broken—though performing artists of the 17th and 18th centuries reached the apogee of their crafts, one should not assume that the same accomplishments may not be achieved by performers today, despite the modern sound world within which we inhabit. Thirdly, they show the value of continued efforts to record unfamiliar repertory—Werner’s Requiem must, surely, be heard as an essential precursor to those by Michael Haydn and Mozart and deserves more attention on the concert platform. The foreboding use of trombones, executed with grace by Alexander Brungert and Cas Gevers, provides one of the most tragic timbres of 18th-century writing. I find it a tantalizing opportunity to inspire a new work—one can only wonder what possibilities could emerge for a 21st-century requiem for chorus with trombones. With motivation and commitment, there is tremendous potential for wind and brass projects in early music: rich horizons indeed.