Völlig unbeschwert, aber mit einer gehörigen Portion italienischer Leidenschaft und dem leichten Lebensgefühl des „dolce vita“ musizieren die vier Streicher [...] mit ihrem, mal elegant-strahlendem, mal tiefgehendem, fast schon sprödem Quartettsound. [...] das Quartetto di Cremona durchdringt das Quartettwerk Beethovens auf eine beeindruckende Weise.

Wer diese Musik spielt, muss quasi mit dem Komponisten verschmelzen, der an der Tastatur sitzt und ganz aus der Laune des Augenblicks heraus improvisiert. [...] Dem jungen Pianisten Jonathan Ferrucci gelingt das mit größter Selbstverständlichkeit. [...] Bach ist so etwas wie sein tägliches Brot. Er spielt ihn, hört ihn, atmet ihn.

Neumann holt alles heraus, ohne sich darin genüsslich zu wälzen – ein stimmiges Bild entsteht [...] in op. 110 [lässt er] Trauer und Variationen des Hauptthemas zu hoher atmosphärischer Dichte wachsen. [...] Eine technisch und musikalisch sehr gute Produktion und ein informatives Booklet.

Het resultaat isinnemend en vooral verbluffend. [...] Aan de hand van een uitgekiendprogramma met Beethoven, Schubert enVorísek maken Braun en Birsakzonneklaar dat de vitaliteit van toen anno2025 nog niets aan intensiteit heeftingeboet. Belangrijk onderdeel daarbij ishet speelplezier van het duo.

For the fourth volume of this excellent series, director-cum-musicologist Lajor Rovatkay has chosen to focus on Gregor Joseph Werner’s relationship with his teacher, Vice-Kapellmeister to the Viennese court, Antonio Caldara. As well as tracing the birth of the two-movement church sonata from sinfonie to the elder composer’s oratorios to an excellent sonata a4 by the pupil, it compares and contrasts their church music, culminating in a performance of a Requiem in G minor by “Werner”, which Rovatkay identified as featuring music by both composers (whether with or without the permission/knowledge of the teacher is not made explicit in one of the densest booklet notes I have ever read faced with such an impenetrable text, I’m not surprised that even a highly skilled translator like Viola Scheffel struggled to save us from some of its obscurity!)

All eleven (!) singers of the Voktett Hannover (only one tenor and one bass sing on all the vocal tracks) are excellent; they blend beautifully and take the solos stylishly though I did long occasionally for some ornamentation when the dense counterpoint (for which both composers are rightly famed) allowed. Similarly, the string playing (33211 strings with chamber organ and lute) is stylish – nicely pointed bow strokes give the contrapuntal lines shape.

At a little under an hour, some might feel hard done by. However, with music of this quality (speaking as a self-confessed lover of fugal writing), I feel this is just about right. I also found myself hearing pieces of a musical jigsaw falling into place, hearing echoes of Legrenzi (reputedly Caldara’s Venetian teacher) and foretastes of Haydn (who followed Werner as Kapellmeister at Esterházy). It is remarkable that audite has thusfar produced four outstanding CDs of music by a relatively unknown composer and I for one hope there are more in the pipeline!

Die Berliner staunten nicht schlecht, als ihnen ein amerikanisches All-Star-Ensemble 1952 George Gershwins Oper „Porgy and Bess“ näherbrachte. Ebenso groß war das Erstaunen, als vor einigen Jahren ein bis dato unbekannter Mitschnitt dieses Ereignisses auftauchte.

Mehr als ein halbes Jahrhundert lagerten die Bänder unerkannt im Archiv des RIAS Berlin bzw. der Nachfolgeinstitution Deutschlandradio Kultur – einfach so, ohne Katalognachweis. Die Vorstellung vom 21. September 1952 war damals weder live noch, wie der Zustand der Bänder erkennen ließ, überhaupt je gesendet worden. 2007 war das historische Dokument erstmals im Deutschlandradio Kultur zu hören, im Folgejahr erschien die sorgfältig aufgearbeitete Produktion bei audite auf CD.

Diese historische RIAS-Aufnahme entführt uns in die musikhungrige West-Berliner Nachkriegszeit: Auch sieben Jahre nach dem Krieg sind die meisten Konzertsäle nicht wiederhergestellt, gespielt wird im Kinosaal des Steglitzer Titania Palastes. Dort gastierte im Rahmen der Berliner Festwochen eine Tourneeproduktion, die im Sommer 1952 in Dallas startete und dann über Wien und London bis nach Moskau kam. Auf dem Programm: „Porgy and Bess“ von George Gershwin. Das Orchester für die elf Berliner Aufführungen stellte der RIAS, die Sänger kamen aus den USA. Und was für welche: Der wuchtige William Warfield als Porgy, auf der Bühne wie im echten Leben verbunden mit der 25 Jahre alten Leontyne Price als Bess – sie sollte daraufhin als erste schwarze Sängerin eine große Karriere in der klassischen Musikszene machen. Die Rolle des eleganten Zynikers Sportin‘ Life wurde von dem Mann verkörpert, den sich der 1937 gestorbene Gershwin bei der Komposition sogar vorgestellt hatte: Cab Calloway.

In der Tagespresse überschlugen sich die Stimmen: „Ein Stück echten amerikanischen Negerlebens“ hieß es damals bewundernd, „niemand scheint zu spielen, jeder nur sein Naturell, sein einmaliges Temperament, seine vitale Existenz schlechthin zum Einsatz zu bringen.“ Und der Großkritiker Hans Heinz Stuckenschmidt pries „Leontyne Price als Bess, von frecher Dirnenhaftigkeit sich wandelnd zu verklärtem Frauentum“. Von ihrer Energie hat diese Produktion auch mehr als sechs Jahrzehnte nach ihrer Entstehung nichts verloren.

Diese breite Palette der Klangrede gestaltet Jonathan Ferrucci mit subtiler Empathie für die kommunikative Neugier dieses Repertoires.

Wenn Ursina Maria Braun am Cello und ihr Klavierpartner Florian Birsak auf der Fortepiano-Kopie eines Jakob Bertsche-Instruments von ca. 1810 ihr Programm mit Beethovens Variationen ‘Bei Männer welche Liebe fühlen’ beginnen, dann ist die Freude beim Hörer sofort groß, denn die beiden spielen so fantasievoll und inspiriert, so kommunikativ und rhetorisch, dass man gebannt zuhört.

Nun mag es einfacher sein, in diesem Stück oder in der Taubenpost aus Schuberts Schwanengesang narrative Interpretationen zu reüssieren als in Jan Hugo Voriseks Variationen für Cello & Klavier op. 9, wo das Narrative erst erfunden werden muss. Doch auch das gelingt den Interpreten mit einem fast schalkhaften Musizieren voller spontaner Einfälle, die einen schmunzeln, wenn nicht gar glucksen lassen.

Zu einem derart einfallsreichen Interpretieren eignet sich auch Beethovens 3. Cellosonate mit ihren vielen zigeunerhaften Themen und den verblüffenden rhythmischen Verschiebungen sehr gut. Die extrovertierte Musik mit ihren kühnen Kontrasten ist beim Duo Braun-Birsak in guten Händen.


English Translation:

When Ursina Maria Braun on cello and her piano partner Florian Birsak on a fortepiano copy of a Jakob Bertsche instrument from around 1810 begin their program with Beethoven’s Variations ‘Bei Männer welche Liebe fühlen’, the listener is immediately delighted, for the two play so imaginatively and inspired, so communicatively and rhetorically, that one is spellbound.

Now, in this piece, or in the Dove Post from Schubert’s Schwanengesang, it may be easier to succeed in a narrative interpretation than in Jan Hugo Vorisek’s Variations for Cello & Piano op. 9, where the narrative has to be invented. But even here the performers succeed with almost mischievous music-making, full of spontaneous ideas that make you smile, if not laugh.

Beethoven’s 3rd Cello Sonata, with its many gypsy themes and astonishing rhythmic shifts, also lends itself well to such imaginative interpretations. This extroverted music with its bold contrasts is in good hands with the Braun-Birsak Duo.

Eine Klangreise ins frühe 19. Jahrhundert wird hier versprochen und auch gleich eingelöst. [...] Mit viel Freude, unmittelbarer Reaktion, ohne allzu blanke Politur.

In celebration of Pierre Boulez’s 100th birthday, audite, in co-operation with Lucerne Festival, presents a unique digital release in the ‘Historic Performances’ series.
At first glance, it seems an unlikely combination: the legendary Alban Berg Quartet performing excerpts from Pierre Boulez’ “Livre pour quatuor” – and indeed making its Lucerne Festival debut with this highly complex serial score, which Boulez refined throughout the course of his life.
But this is exactly what happened on 5 September 1983. After Boulez had already appeared in Lucerne as a conductor of the New York Philharmonic in 1975, he now presented himself as a composer in the ‘Musica nova’ series. In addition to the Third Piano Sonata and the Sonatina for flute and piano (with Aurèle Nicolet and Jürg Wyttenbach), parts Ia and Ib from Boulez’ “Livre pour quatuor” were performed. The Alban Berg Quartet, already world-famous at the time, makes its Lucerne Festival debut with these six minutes of music, interpreted with a silvery-warm timbre, expressive yet faithful to the text, vividly moulded, even dramatically heightened – and won Boulez’s praise.
Nevertheless, this was the only performance of the “Livre” by the Alban Berg Quartet, which was fortunately recorded by Swiss Radio and Television (SRF). Thus, a musical milestone can be experienced anew more than 40 years later – just in time for the 100th birthday of Pierre Boulez, who maintained a close connection to Lucerne, not least as the founder and longtime director of the Lucerne Festival Academy.