I tend to be skeptical when a line on a jewel box reads "A must for every ..."I was pleasantly surprised to hear this and confess that the phrase obtains in this case. The 40-voice choir of singers (not professional) is superbly trained and has an ample number of female singers whose pitch accuracy is to be envied. That skill is important with this literature, for it abounds in minor second intervals and long-held notes against changing harmonies. A glance at the names of the composers might frighten away would-be purchasers, but that would be a shame. These are very approachable pieces; some are already on the list of old choral standards (the Rachmaninoff and Grechaninoff have long been favorites for high school choirs and choral festivals).

I'll bet many readers who sang in their high school choir will remember Nystedt for his 'Cry Out and Shout'. The 'Adoro Te' is interesting in that the opening chord, heard note by note from bottom up, spells the overtone series. Karal's piece is a bit more modem in its combination of sung and spoken passages, and its whole choir glissandos here and there. But like so many of these pieces, the opening aggressiveness and angularity gives way to a relaxed, melodic conclusion with welcome diatonic harmony (Bardu or Eben, for example). Sisask's composition pits male voices against the female sections with chant-like episodes that reflect the religious origins of all these selections.

Penderecki's contribution is probably the most challenging work here, a mixture of harmonized chant passages contrasted with dissonant and forceful sections. One piece that could easily become popular for listeners and singers alike is the concluding Popovici piece. It is simple, diatonic, and allows the sopranos to carry the thematic material while being supported by the rest of the choir. It's a little gem. While I wish the basses had more presence in the Russian selections (cadences cry out for the lower octave), this is an outstanding choir. The balance is good and the pitch accuracy excellent. This should garner a wide listening population, to include school choir directors along with professional ensembles.

La musique dite ici "minimale", mais en fait répétitive, est un jeu sur la...

Le Danois Jan Welmers est formé à Groningen par son père, organiste, pianiste, violiniste et chef de choeur, avant d'étudier la composition avec Kees van Baaren et Ton de Leeuw. Au cours des années soixante, il forme un trio d'improvisation avec deux amis, Wybren Veeman et Chaia Gerstein. Entre 1964 et 1974, il est organiste titulaire de plusieurs églises avant de se concentrer sur la composition. Ce disque est intitulé "Minimal Music for organ", en référence à la génération américaine de La Monte Young, Terry Riley, Philip Glass et Steve Reich. Dans cette série de quatre compositions réalisées entre 1979 et 1989, le terme "minimal" désigne un matériau restreint, l'attention du compositeur se concetrant sur l'effet physique, vibration et résonance, que crée cette musique confiée à un instrument aussi riche que l'orgue d'église. Tout comme La Monte Young et Terry Riley, pères véritables de minimalisme, Jan Welmers remplit l'espace par un ensemble de notes répétées, où la vibration est cultivée dans ses moindres détails. Cette musique parvient à suggérer un phénomène de transe, le compositeur privilégiant avec un certain raffinement les registres bas de l'instrument, sans chercher systématiquement à utiliser toute la masse sonore. Sa Litanie se déploie aves assurance, animée de bout en bout par une petite cellule mélodique qui rebondit avec souplesse. Invocazione, la pièce la moins répétitive de ce disque, crée plutôt des contrastes, dans un dialogue quasi ininterrompu de thèmes brefs. L'interprétation de Markus Goecke épouse les voeux du compositeur, cet enregistrement ayant été réalisé en sa présence.

Jan Welmers (geboren in 1937), nog steeds organist van de Stevenskerk in...

Dit es een cd voor wie én van minimal music én van orgel houdt. Als ik mijn...

Die Marimba gehört natürlich zur großen Familie der Schlaginstrumente, obwohl...

Hier geht es um Original-Kompositionen für Gitarre und Klavier aus dem 20. Jahrhundert, dabei hört man vier Ersteinspielungen.

Naoto Yamamoto studierte an den Musikhochschulen in Aachen und Köln, Erik Yamamoto an der Musikhochschule in Köln. Heute konzertieren beide, hauptsächlich in Europa, sind aber auch in der Lehrtätigkeit aktiv.

Besonders fällt mir jene ernste Haltung für Musik auf, die eine gute Leistung mit sich bringt.
Bei ihrem Spiel gibt sich jeder Ton feinfühlig aus. Über diese Sorgfalt hinaus gibt es überall klare Lebendigkeit.

Gitarre und Klavier sind wegen ihres klanggenerativen Unterschiedes eigentlich nicht unbedingt füreinander kompatibel. Aber in diesem Fall, wo die Interpreten für manche Stücke die Harmonik der Tonfarbe (G. Santorsola) und für andere deren Differenz (F. Constant) betonen, lässt sich ein unerwarteter Aspekt dieser Kombination hören.

Außerdem hat die Interpretationskonzeption eine schöne Einigkeit zwischen beiden Musikern gefunden, so dass ein Ensemble auf sehr hohem Niveau zustande gekommen ist.

Zumindest ist der Hörenswert der Musik zu garantieren: Das einen unbekannten Charme aufzeigende, schöne Album.

Deux atouts pour un récital rigoureux: le chef d'oeuvre des ateliers de la maison Sandtner de Dilligen (Souabe), magnifique instrument de synthèse (66/IV+Péd) dressé sur une haute tribune dominant une nef immense à l'acoustique extrêmement réverbérée - la fameuse et einglante Toccata de Gillou y offre quelques perspectives saisissantes, à la limite de la saturation, cependant que Bach, sans originalité particulière mais d'un superbe aplomb, montre une fois encore l’universalité d'un art s'adaptant à toutes les esthétiques ; puis, en corrélation avec l’impact de ce Sandtner (auquel on doit notamment les orgues du Conservatoire de Munich et de l’église Saint-Michel, Jesuitenkirche où sont enterrés les rois de Bavière), une version héroïque et véritablement habitée de l’œuvre unique de Reubke. Formidable virtuose, architecte de l’espace sonore et orchestrateur, Stefan Frank s’y révèle aussi perfectionniste qu’à même de restituer sentiment épique et grandeur tragique.

Eine Live-Aufnahme von 1978, ein populäres Werk neu aufgelegt? Manches musikalische Ereignis ist es wert, festgehalten zu werden, weIl es schlicht und einfach zum Hinhören zwingt. Rafael Kubelik beschreitet sicher den Grat zwischen romantisch üppigem Klang und klassischer Genauigkeit, lässt die Musik weit schwingen, den Chor groß aussingen. Die Solisten sind für diese Partien ideal und mit genauem Gespür besetzt. Ergreifend, aber nie sentimental.

This all-star German group includes Thomas Horch, who has made two solo recordings (Nov/Dec 2000: 281; Mar/Apr 2001: 213) and is principal trombonist of the Bavarian Radio Symphony. The other ensemble members are Dany Bonvin, principal of the Munich Philharmonic; Uli Pfortsch, principal of the Bavarian Opera Orchestra; and Volker Hensiek, bass trombonist of the Bamberg Symphony.

Most of these works were arranged by Horch. Deftly executed ornaments enliven a set of sprightly dances by Paul Peuerl (c 1570-c 1625), and a Fantasia and Fugue by Pachelbel is very somber. A sonata by Massimiliano Neri (c 1600-66) is fascinating and multifaceted, and a set of Schumann miniatures ends with the delightful \'Knecht Ruprecht\'. The chorale Nun komm der Heiden Heiland\' is the basis for works by Scheidt and Bach, a very dissonant chorale prelude by Eberhard Kraus (b 1931) that includes extensive mute work, and an introspective Introduction and Chorale by Friedemann Winkelhofer (b 1951).

Munich sounds much like the Triton and Vienna trombone quartets--vibrant, beautifully blended, and intensely concentrated. Unlike most quartets, though, it often varies its instrumentation to obtain timbral variety. Horch plays alto trombone on about half of the selections. Truly unusual is bass trombonist Hensiek\'s use of the rarely heard contrabass trombone, an instrument that operates in tuba register with trombone tone. With it Hensiek produces the most remarkable very-low-register trombone sound I have heard--from huge fortissimos to easy, gentle pianissimos. The instrument is prominent in Julius Fucik\'s \'Entry of the Gladiators\' and in a set of Debussy arrangements, especially \'General Lavine\' and \'Jimbo\'s Lullaby\' (the suite also includes \'Canopes\' and the whimsical \'Hommage a S Pickwick, Esq PPMPC\', based on \'God Save the Queen\'). Plenty of contrabass trombone is heard in Hensiek\'s setting of Weber\'s Freischutz Overture. This exciting reading almost--not quite--overcomes my dislike of orchestral work s arranged for chamber ensembles.