[...] hier spielt ein festes Ensemble, ein Trio und kein zusammengewürfelter Kammermusikhaufen und das hört man mit jedem Ton. [...] Eine schöne CD! Sowohl, was das musikalische Programm angeht, als auch die Interpretation. In der Höhe klingt das Trio manchmal etwas klirrend, schrill und kratzig, präsentiert aber eine ungeheuer große Farbpalette, Musikalität und technische Brillanz.
Eine dieser Aufnahmen, die einem von mal zu mal hören besser gefallen.

Gunter Teufel an der zweiten Viola fügt sich nahtlos ins Quartett, das heuer als eines der führenden Quartette seiner Generation voll Stolz sein 30-jähriges Bestehen feiert: in packenden Interpretationen mit einem Höchstmaß an Charme und Klarheit.

In kanonischer Satzfolge interpretieren die beiden ihre Totenmesse voller instrumentaler Spiritualität, nehmen den Sensenmann jedoch mit ihrer jazziger Lebenslust mitunter auch widerborstig aufs Korn.

Auffällig sind etwa die perfekt getimten Zäsuren innerhalb der Sätze, mit denen das Ensemble die Partitur in ihre Sinnabschnitte gliedert. Diese analytische Klarsicht paart sich mit einem großen Reichtum an Farben, Charakteren und Emotionen.

Zusammen mit dem WDR Sinfonieorchester Köln zaubert der Dirigent Heinz Holliger schillernde Farben aus der Partitur von Robert Schumann hervor - unsere CD der Woche.

This is the final volume in the Mandelring Quartet's complete survey of Mendelssohn's chamber music for strings, and as its predecessors have proved themselves to be the first elements of a cycle that would be definitive once complete, the stakes are particularly high for this concluding volume.

It doesn't disappoint, with the contrast in outlook and maturity between the early works and their more adult examples as happily apparent as ever in the difference in character and youthful buoyancy they bring out in each. The phrasing, particularly in the slow movements, may be sinuous and sustained but the articulation remains adequately spartan to allow the music to shine through as the art it was, rather than the purely cerebral achievements of a prodigy testing out his new-found skills. It drives Mendelssohn's enthralling musical ideas with the kind of conviction that makes it difficult to turn off this disc without listening from beginning to end. It is recorded with their customary clarity, too, which adds an extra dimension to their performance, particularly in the last two movements of the Four Pieces: in the more muscular passages of the Fugue, where Mendelssohn uses its subject in repeatedly different and increasingly outlandish scenarios, and in the spontaneity of the two contrasting sections of the Capriccio.

Everything the Mandelrings have to throw at these pieces shows them to their best advantage - fleet-footed bowing, tongue-in-groove intonation and ensemble, and a sense of momentum that always drives the music in the right direction. The definitive set is complete.

This third volume concludes Hans Eberhard Ross's magisterial survey of Vierne's six organ symphonies, recorded in 2013 on his 'home' organ, the glorious Goll four-manual instrument in St Martin's Church, Memmingen, west Bavaria. Designed with a symphonic tonal palette, it has sufficient aural heft to overwhelm the listener while still containing enough soothing tone-colours for Vierne's more tender moments. This is music that draws one in, written in a deeply chromatic idiom, full of turmoil and despair; demonic at times and certainly sardonic.

Ross has no technical problems with these fearsomely complex scores, rattling through them with aplomb and authority. Another bonus is that he uses the recent edition by Laukvik and Sanger, and – in the case of the Fifth Symphony – reference to the copy marked up by the work's dedicatee, Joseph Bonnet. This, the longest of the six, is the narrative of a hypersensitive man who suffered many personal setbacks.

The Sixth Symphony has a sunnier disposition. The skittish devilment of the Scherzo provides a welcome pivot between the serenity of the second-movement Aria and the sunken gloom of the Adagio, where Vierne pushes his tonal language to its furthest limit. The exuberance of the finale provides a sonic feast. Above all, Ross succeeds in stressing Vierne's contrapuntal mastery with flair while retaining a strong sense of the Romantic architecture of these huge structures.

Bartók's Duke Bluebeard's Castle is in essence about the inscrutability of an older man and the burning curiosity of a younger woman, an opera that's very difficult to cast and even more tricky to pace, given the risk of sinking into a lugubrious tonal quagmire. And yet, given a conductor of Rafael Kubelik's calibre, there's scope for a gripping inner narrative – provided the singers fit their roles, which in this case they most certainly do.

Dietrich Fischer-Dieskau twice recorded Bluebeard commercially, but in concert any sense of propriety is thrown to the winds and he sounds (and sings) the part as never before on disc, commanding, compassionate, occasionally impatient and with a macho swagger to the voice that suits the role to a T. Irmgard Seefried on the other hand is the most girlish, innocent-sounding Judith I've ever heard, the opposite of, say, Jessye Norman (the most regal Judith on disc), impressionable rather than vulnerable, though when Bluebeard flings open the door to his vast kingdom she intones a rather shortbreathed top C. Kubelik is magnificent, cueing his Swiss Festival Orchestra players to etch each scene with bold primary colours, even the mournful lake of tears. The climaxes are overwhelming (especially Judith's internment), even though heard through rather over-resonant sound. Not perfect by any means (and there are no ghostly voices) but wonderful!

Bela Bartoks einaktige Oper ‘Herzog Blaubarts Burg’ gehört im 20. Jahrhundert zu den großen Werken dieser Gattung. Wenn auch wenig publikumswirksam, so haben gerade konzertante Aufführungen der Zwei resp. Drei-Personen-Oper (wenn man den Erzähler am Anfang mitrechnet), diesem Werk zu seiner verdienten Anerkennung verholfen. Und natürlich einige hervorragende Schallplattenaufnahmen, allen voran die von Fricsay mit Töpper und Fischer-Dieskau (DGG), Boulez mit Troyanos und Nimsgern (CBS) sowie Norman und Polgar (DGG) und Kertesz mit Ludwig und Berry (Decca). Interpretatorisch von mindestens gleicher Qualität ist dieser Live-Mitschnitt von den Luzerner Festwochen 1962, der von Rafael Kubelik dirigiert und von Irmgard Seefried und Dietrich Fischer-Dieskau gesungen wird. Einige Abstriche muss man beim eher mittelmäßigen Schweizer Festival Orchester und der Klangqualität machen.

Kubelik erweist sich als genialer Interpret, der es nicht scheut, in die bedrohlichen Abgründe dieser Musik hinabzusteigen. Hoffnung oder gar Licht lässt er in keinem Moment aufkommen.

Der Kunstgriff dieser Aufführung bestand allerdings darin, für die Judith nicht auf eine Altstimme oder einen Mezzosopran zu setzen, sondern auf den leichten und jugendlich-anmutigen Sopran von Irmgard Seefried, die für mich die schönste und authentischste Judith der Plattengeschichte singt. Fischer-Dieskau ist ein nobler, aber sehr düsterer Blaubart und wie für diese Partie geschaffen. Die Dialoge zwischen Seefried und Fischer-Dieskau sind faszinierend, und man kann den Bariton nur dafür bewundern, mit welch sparsamen Mitteln er die ganze Hin- und Hergerissenheit dieser Figur zu gestalten versteht. Hätte man damals ein besseres Orchester und eine bessere Aufnahmequalität zur Verfügung gehabt, so wäre dies die vielleicht beste Blaubart-Aufnahme der Diskographie geworden. Trotzdem, wegen Kubeliks Interpretation und der Sänger ist sie absolut empfehlenswert.

Kubelik’s very dark version could have been the best available if only the orchestra and the sound quality would match the high artistic qualities of the conductor and the excellent singers. Nevertheless, this recording is a top notch recommendation.

Early, middle and late Beethoven is projected with visceral excitement and pulsating energy by this gifted quartet. Occasionally I missed a more lyrical approach, especially in Op. 59 No. 1.