Audite a déniché une perle en même temps qu’un inédit dans la discographie du pianiste américain, emporté trop jeune par la leucémie. Le geste est foudroyant, la technique monumentale, l’inspiration riche en trouvailles. Une version très personnelle [...] ce portrait d’un génie du clavier, foudroyé en plein vol.

En résumé, un complément indispensable à la connaissance de cet ensemble majeur dans l’interprétation du quatuor à cordes au 20ème siècle.

Transparency of sound and clear interplay of instruments are hallmarks of chamber music, and there is also, in the best performances, a high degree of emotional connection that comes through clearly to listeners as it develops through the close interaction of a small instrumental group. This is the impression that emerges with the greatest clarity from the four-CD Audite set of Mendelssohn’s complete chamber music for strings, performed by the Mandelring Quartet.

Organ music by composers from the Iberian peninsula has a special place in the repertoire. Its peculiar style and the specific timbre of the organs for which it was written makes it rather difficult to be performed on organs in other parts of Europe. This inevitably has led to this repertoire being less wel-known than that of other countries.

The music included on this disc is presented as being written during the Golden Age. However, the largest part of the repertoire played here was written when that era - roughly speaking from 1520 to 1620 - had come to an end. Moreover, one of the composers, Manuel Rodrigues Coelho, was Portuguese; in 1580 his country had lost its independence which was only restored in 1640. Coelho published his Flores de musica from which the pieces on this disc are taken in 1620. At that time the country was not in very good shape; it certainly was not enjoying a golden age. Coelho also did not dedicate his collection to Philip II, as Martin Neu writes, but to Philip III; his father had died in 1598. The information in the booklet in regard to the historical context is not very accurate.

Fortunately the information about the music is more reliable. The main genre in Iberian keyboard music is that of the tiento. This is what would be called a ricercar or fantasia outside Spain, and is characterised by counterpoint and imitation. Many tientos employ the medio registro, the 'broken keyboard'. In many organs the keyboard was divided into two halves with different dispositions. This allowed the composer to write a solo part for one hand, often including virtuosic figurations, and a polyphonic accompaniment for the other hand. A good example is the Tiento de medio registro de tiple de octavo tono by Francisco Correa de Arauxo. He seems to have been more or less self-educated and acquired his skills by studying the works of others. He was ordained a priest and worked for many years as an organist at the collegiate church of S Salvador in Seville. From 1636 to 1640 he held the same position in Jaén Cathedral. In 1640 he was elected a prebendary of Segovia Cathedral. Here he also died in poverty. His organ works are collected in one book which was printed in 1626 and has a clear didactic purpose as the title indicates. This explains why the pieces are arranged in various stages in order of difficulty.

The Tiento tercero de sexto tono sobre la primera parte de la Batalla de Morales refers to another popular genre in Spain: the battaglia. It is an arrangement of a batalla by Morales, the most famous Spanish composer from the first half of the 16th century. His batalla is lost and therefore this tiento by Arauxo is the only way to get some impression of what that piece may have sounded like. The closing episode includes some typical features of batallas: repeated fanfare motifs and echo effects. The Tiento de dos baxones de octavo tono is another brilliant piece with two independent bass parts. As Spanish organs usually didn't have a pedalboard these parts are played on the manuals. The Tiento lleno segundo tono is a late specimen of the genre of the tiento. It has come down to us anonymously but is attributed to Diego Xaraba for stylistic reasons. He was organist at the Royal Chapel in Madrid.

Another important genre is that of the glosas. These are not fundamentally different from diferencias, or - in other languages - divisions, diminutions or passaggi which were frequently written in England and Italy during the late 16th and early 17th centuries. The Tres Glosas sobre el Canto llano de la Immaculada Concepción is one of the best-known compositions by Arauxo and appears in many recordings of Iberian organ music. However, the Hymn to the Virgin Mary which is the subject of these variations is hardly ever sung. It is very nice that here the variations are embraced by a vocal performance of this hymn.

The third genre represented here is liturgical music. In the Catholic liturgy the organ played an important role in alternatim compositions: the verses of the mass or another liturgical chant were performed alternately by the choir and the organ. Here we hear two examples from the only published collection of keyboard music by Coelho, Flores de musica. It is the earliest surviving keyboard music printed in Portugal. According to the title the music is conceived for a keyboard instrument or the harp. It contains 24 tentos (Portuguese for tientos), three for every tone, and also over a hundred verses on various hymns and Kyrie settings. A specimen of the latter are the 5 Versos de Kyrie do 1. tom. The hymn Ave maris stella is also performed alternatim: the organ plays four verses with the cantus firmus moving from soprano to bass.

This disc offers a good survey of the keyboard music written on the Iberian peninsula during the 17th century. The value of this disc is enhanced by the fact that Martin Neu in his choice of repertoire has largely avoided the most obvious. Although Arauxo's music is often played, the pieces recorded here are not among the most frequently recorded, except the Glosas. Coelho's oeuvre is far less known. The collaboration with the ensemble officium in the liturgical pieces is another real bonus. On top of that Neu plays a magnificent organ, one of Spain's larger instruments with two manuals and 35 stops. The tuning is 1/5 comma meantone, the pitch is a=430 Hz. It dates from 1735 and was restored and partly reconstructed in 2006/2007. It proves itself the ideal medium for the music played here.

Footnote
Martin Neu has commented on a couple of points made in the review:
1) King Philip III of Spain was simultaneously King Philip II of Portugal (and of Sicily and Naples, and of Sardinia). As Coelho was Portuguese he dedicated his collection of keyboard works to 'his' King, which explains the reference to Philip II in the liner-notes
2) The 'golden age' (siglo de oro) is a fixed term for a period on the Iberian peninsula. That doesn't imply that it was a time of happiness and prosperity for the people. That is also not suggested in the liner-notes.

Gegen die «Königsdisziplin» Streichquartett, hat die gewissermaßen...

Es gibt nicht mehr als eine Handvoll professioneller Streichtrios und das Repertoire ist begrenzt. Dafür ist nicht zuletzt Ludwig van Beethoven verantwortlich, der diese Gattung erst zu höchster Blüte führte und dann schmählich im Stich ließ. Das Jacques Thibaud Trio hat jetzt eine Gesamtaufnahme der Beethovenschen Streichtrios vorgelegt.

Energiegeladen, wuchtig, vorwärtsdrängend – wer würde hier eine zweite Geige vermissen! Mit dem c-Moll Streichtrio aus seinem op. 9 hat Beethoven einen ersten Gipfelpunkt der Kammermusik erreicht, und es gibt Musikwissenschaftler, die dieses Opus sogar über die ersten Streichquartette stellen. Ohne die Lagen der einzelnen Instrumente zu verzerren, schafft Beethoven hier einen Klang von höchster Dichte, Geige, Bratsche und Cello sind harmonisch und melodisch so geschickt und einfallsreich miteinander verwoben, dass die Illusion eines vierstimmigen Satzes gar nicht mehr nötig ist.

Auch wenn dieses Trio mehr ist als nur eine Vorstufe zum Streichquartett, so ist es doch ein wichtiger Entwicklungsschritt dorthin – der kammermusikalischen Königsklasse nähert sich Beethoven erst nach und nach und auf unterschiedlichen Wegen – Cello-Sonaten, Violinsonaten, Streichquintett – und eben fünf Streichtrios, in denen der Klaviervirtuose sich nicht zuletzt mit den spieltechnischen Möglichkeiten vertraut macht. Beethoven hatte zwar in seiner Kindheit Geige gespielt und als Bratscher sogar in der Bonner Hofkapelle mitgewirkt – bequem liegen diese ersten Streicherkompositionen weder in den Fingern noch im Bogen. Sie sind empfindlich, und wer links Probleme mit der Geläufigkeit hat und rechts kein Freund schneller Saitenübergänge ist, sollte besser die Finger davon lassen.

Mit jedem Werk, mit jedem Satz lernt Beethoven dazu

Anhand der vorliegenden Aufnahme aller Beethoven Streichtrios mit dem Jacques Thibaud Trio lassen sich kompositorische Entwicklung und Reifung wunderbar nachvollziehen.

Mit jedem Werk, mit jedem Satz lernt Beethoven dazu, wird mutiger im Umgang mit Stimmführung und Instrumenten und lässt auch seinen berüchtigten Humor nicht nur durchblitzen, sondern rabiat hereinpoltern – ausgerechnet dort, wo man ihn am wenigsten erwartet, einem weihevollen Adagiosatz.

Richtig ernst nehmen kann man dieses getragene Adagio nicht mehr, nachdem ein koboldhaftes Scherzo so unvermittelt hineingeplatzt ist. Das Jacques Thibaud Streichtrio verwandelt diesen Satz in eine Musiktheater-Groteske en miniature – ein Trauerspiel, das immer wieder von Komödianten gestört wird, mit dem Cello als Knallcharge. So lebendig, witzig und fantasievoll sich Beethovens op. 8 hier präsentiert, kann man sich kaum erklären, warum es dieses Werk bis heute nicht aus seiner Nische herausgeschafft hat; gleiches gilt für alle anderen auf dieser Einspielung versammelten Werke. Der Geiger Burkhard Maiß, die Bratscherin Hannah Strijbos und Bogdan Jianu am Cello erweisen sich als ideale Interpreten: Neugierig und immer auf der Suche nach dem Besonderen, sei es eine unerwartete Klangfarbe, Stimmung oder harmonisch-melodische Extravaganzen, die sich Beethoven leistet – das Trio macht den Hörer darauf aufmerksam, ohne jede Gelehrsamkeit, aber mit umso mehr Vergnügen und Spielfreude.

Ihre Außenseiterrolle werden die Streichtrios nicht loswerden

Das Jacques Thibaud Streichtrio, gegründet in den 90er Jahren in Berlin, ist eines der wenigen Ensembles, die fest in dieser Besetzung auftreten. Das langjährige Zusammenspiel und die damit verbundene Vertrautheit des Repertoires erlaubt es dem Ensemble, risikoreicher vorzugehen als zusammengewürfelte "Eintags-Streichtrios". Die Virtuosität der Musiker zeigt sich nicht nur in den sportlich-rasanten Tempi, sondern auch in der Mühelosigkeit und Eleganz, mit der sie untereinander agieren. Ihre Außenseiterrolle werden die Streichtrios auch nach dieser Aufnahme nicht loswerden, die Konkurrenz der 16 Streichquartette war, ist und wird übermächtig bleiben. Der Schlussstrich, den Beethoven so früh unter diese Gattung gezogen hat, wirkte sich auch auf die folgenden Generationen aus – erst in der Spätromantik und darüber hinaus erfährt diese Besetzung wieder die Zuneigung der Komponisten. Was seine letzten drei Streichtrios betrifft, so hat Beethoven sie in einem Brief nicht umsonst als "la meilleure", also das Beste seines bisherigen Oeuvres bezeichnet – hier finden Esprit und Erfindungsgeist zusammen, und im Keim ist schon jene radikale und verstörende Unbeugsamkeit angelegt, die sich in den späteren Kammermusiken Bahn brechen wird.

So endet der 1. Satz aus Ludwig van Beethovens Streichtrio op. 9 Nr. 3 in der neuen Aufnahme mit dem Jacques Thibaud Trio, ihre Gesamtaufnahme der Streichtrios ist kürzlich beim Label audite erschienen.

Ces deux disques ouvrent des perspectives parfois inattendues sur des oeuvres qu’on croit connaître.

Ces deux disques ouvrent des perspectives parfois inattendues sur des oeuvres qu’on croit connaître.

Ces deux disques ouvrent des perspectives parfois inattendues sur des oeuvres qu’on croit connaître.

Die Karriere des berühmten rumänischen Dirigenten ging ungewohnte Wege. 1945, nach der deutschen Kapitulation, suchten die Berliner Philharmoniker einen neuen Chefdirigenten. Wilhelm Furtwängler war mit zeitweiligem Dirigierverbot belegt, da er «entnazifiziert» werden musste. Ihm, als dem Berühmtesten, war eine Sündenbockposition quasi vorgezeichnet. Er hatte deutschnational empfunden und war politisch von sehr großer Naivität; aber ein Nazi war er nie, und kurz vor Kriegsende flüchtete er, um einer drohenden Verhaftung zu entgehen, in die Schweiz. Zahlreichen Verfolgten hatte er außerdem tatkräftig beigestanden.

Die Philharmoniker wählten Leo Borchard. Doch der hatte kaum seine Position eingenommen, als er irrtümlicherweise von einem amerikanischen Wachsoldaten erschossen wurde.

Nun erhielt ein junger rumänischer Student mit ein bisschen Dirigiererfahrung seine Chance: Sergiu Celibidache könnte das Orchester interimistisch, d.h. bis zu Furtwänglers Rückkehr, übernehmen. Eine riskierte Sache; doch seine Musikalität, sein feuriges Temperament und sein weitläufiges Repertoire verschafften ihm sofort große Erfolge. Als Furtwängler wieder am Pult der Berliner stehen durfte, teilte er sich mit ihm in die Leitung der Konzerte. Furtwängler starb 1954, und Celibidache wäre der logische und ideale Nachfolger gewesen. Doch es kam anders: Ein gewisser Herbert von Karajan wurde gewählt, ein überzeugter Nazi, der auch das Dirigentenpult durch seine Führermentalität prägen sollte und der einen überwiegenden Anteil an der zunehmenden Kommerzialisierung des klassischen Musikbetriebes haben würde. Diese Wahl war ein persönlicher Affront gegen den jungen Rumänen, außerdem ein politisch und künstlerisch skandalöses Ereignis.

Celibidache war zutiefst verletzt und kehrte den Berliner Philharmonikern definitiv den Rücken. Fortan reiste er viel und hatte feste Stellen in Stockholm, Stuttgart und zuletzt München inne.

Celibidache verweigerte sich dem Aufnahmestudio fast vollständig. Eine große Menge seiner Radio- und Fernsehauftritte wurde jedoch mitgeschnitten und posthum von seinem Sohn veröffentlicht. Er wollte das Werk seines Vaters – auch in Dokumentarfilmen – weiterleben lassen, und fand offizielle, qualitativ hochstehende Veröffentlichungen besser als die schon früh zahlreich verbreiteten Piratkopien. Die Aufnahmen stammen aus Celibidaches Spätzeit, als seine Interpretationen, nicht zuletzt durch seine philosophischen Meditationen, immer langsamer wurden. Wie anders er in seiner Berliner Zeit musizierte, kann man, dank zwei CD-Sammlungen aus dem Hause audite, erleben.

Schon 2011 waren 3 CDs mit RIAS-Mitschnitten erschienen (audite 21.406). Sie enthielten hauptsächlich Werke des 20. Jahrhunderts, darunter viel Musik, die im 3. Reich verboten war. Besonders erstaunlich, wie Celibidache die Berliner in Musik einführte, die ihnen damals total fremd war: Ravels «Rhapsodie Espagnole» etwa, oder, noch verblüffender, Gershwins «Rhapsody in BIue». Ein von heiligem Feuer gepackter Dirigent führt großartige Musiker auf neue Pfade! Auch Werke von Heinz Tiessen(1887-1971), Celibidaches Dirigierlehrer, können wir hören, sowie das leider immer noch vernachlässigte, wunderbare Violinkonzert von Ferruccio Busoni (1866-1924), mit Siegfried Borries, dem Konzertmeister des Orchesters, als Solisten.

Neu sind nun 13 CDs auf den Markt gekommen, unter dem Titel «The Berlin Recordings – 1945-1957» (audite 21.423). Sie bieten ein sehr breitgefächertes Repertoire, eingespielt mit den Philharmonikern und dem Rundfunk-Symphonie-Orchester Berlin.

Schon eines der ältesten Dokumente – die Vierte Symphonie von Brahms (21. Nov. 1945) – ist eine absolute Sternstunde. Leidenschaft und Lyrik, große Bögen und Detailtreue geben sich die Hand; die Philharmoniker klingen besser und vor allem interessanter als ein Jahrzehnt später unter H.v.K., und dies obschon das Haus des Rundfunks in diesem kalten ersten Nachkriegswinter wohl kaum geheizt war!

Drei Tage vor der Brahms-Symphonie dirigierte Celibidache das Dvorák-Cellokonzert mit Tibor de Machula als Solisten. Hier kommen zwei temperamentvolle Persönlichkeiten zusammen; die sich, insbesondere im ersten Satz, gegenseitig aufzumuntern scheinen. Dies hindert sie nicht daran, auch dem lyrischen Teil gegen Schluss des Finales vollauf gerecht zu werden. Der Cellist beeindruckt durch seinen gekonnten Einsatz des Portamento; allerdings stört im zweiten Satz ein starkes, ständiges Vibrato.

Es würde den gegebenen Rahmen sprengen alle Werke aufzuzählen und zu besprechen. Erwähnenswert ist jedoch die große Anzahl Raritäten, vor allem aus Russland und Frankreich, welche diese Sammlung enthält. Auch Werke, die wir später in Celibidaches Programmen seltener antreffen werden – Haydn, Vivaldi – ermöglichen lohnende Begegnungen. Überraschend ist das Fehlen zweier Komponisten, die später in den Mittelpunkt von Celibidaches Tätigkeit rücken werden: Schumann und Bruckner.

Eine Kuriosität stellt die Bonus-CD dar: eine unvollständige Version von Beethovens Siebenter Symphonie. Sie wurde am 7. Okt. 1957 vom Deutschen-Symphonie•0rchester Berlin eingespielt. Das Original-RIAS-Band wurde gelöscht; denn der Dirigent stampft, schreit und singt fast ständig mit. Im Sender Freies Berlin fand sich jedoch eine Kopie, die die zwei ersten Sätze und einen Teil des Scherzos enthält. Eine rätselhafte Aufnahme: Kann es wirklich sein, dass Celibidache so selbstvergessen war? Hatte er extrem schlechte Laune? Er probte gerne sehr «lautstark»: handelt es sich etwa um eine – öffentliche – Probe? Wie dem auch sei, die Interpretation ist sehr fragwürdig: Das langsame Tempo im Hauptteil des ersten Satzes klingt wie eine Vorahnung auf Kommendes, wohingegen das rasende Scherzo fast unspielbar und gänzlich unüberzeugend ist. Ein faszinierendes Dokument... aber nicht unbedingt ein Hörgenuss.

Ganz anders Beethovens Dritte «Leonore»-Ouvertüre (10. Nov. 1946). Auch hier sind die Tempi extrem: Nach einer sehr langsamen Einleitung gleitet Celibidache mit einem Accelerando in einen sehr forsch musizierten Hauptteil – eine eigenwillige Auffassung, die hier jedoch dramaturgisch überzeugt: Die Wucht, mit welcher der Dirigent die Berliner Philharmoniker aufspielen lässt, ist höchst beeindruckend.

Die technische Qualität der Überspielungen ist ausgezeichnet, und das Beiheft enthält genaue Angaben und sehr aufschlussreiche Texte.