Audite, una de las casas discográficas con el mejor catálogo de música clásica ha tenido a bien presentarnos este material para su reseña.

William Byrd (1540 - 1623) fue un compositor de música en el periodo del renacimiento inglés. Se trató, sin duda, de uno de los compositores más grandes de la música inglesa de este periodo y su influencia se llegó a sentir en todo el continente europeo. Con una carrera que se aproximó a la corte de Isabel I, Byrd tuvo grandes oportunidades para consolidarse como compositor e intérprete y, más aún, para hacerse con un monopolio en la impresión de música que le permitió difundir y conservar su trabajo para la posteridad.

Es gracias a esta combinación de talento y fortuna que el día de hoy podemos disfrutar de una grabación excepcional, publicada por Audite, de musica que trasciende el periodo del renacimiento y nos adentra en el barroco. A efectos, el título de la obra hace referencia a las alas de un ave (por la traducción de Byrd), más nos indica que también estaremos acompañados de su "círculo", siendo este un conjunto de dignos sucesores, como Henry Lawes y Robert Johnson.

La música es interpretada por el Boreas Quartett Bremen, una agrupación especializada en la música de la "Consorte", un conjunto musical popularizado en la Inglaterra de los siglos 16 y 17. También es llamado así el estilo musical que se representaba por dichos conjuntos. También interpreta en el álbum el Hathor consort y las voces están a cargo de las Soprano Dorothee Mields y Magdalene Harer.

La música presenta un tono secular, que inmediatamente sumerge a quien la escucha en un ambiente lleno de una cautivante melodía y una atmósfera que, sin duda, transporta al periodo de la pieza musical.

La interpretación, tanto de las Soprano como de los conjuntos musicales es destacada y de excelente calidad. La grabación provee un escenario con amplitud y profundidad digno de una casa con el prestigio de Audite. La música es, en todo momento, agradable y cautivadora. Me ha agradado mucho el tema "A dialogue on a Kisse", que guarda un aire más moderno semejante a una balada. La interpretación lírica y las cuerdas le dan un aire cálido innegablemente agradable.

La grabación se encuentra disponible en formato físico como CD y como descarga digital en la página de Audite. Mi más profundo agradecimiento a Audite, que me ha facilitado el material para su escucha y disfrute. Por favor, visitar la página, ya que ofrecen, incluso, descargas gratuitas de excelente música instrumental y clásica para el deleite de todos los melómanos.

Kennen Sie Gregor Joseph Werner? Nie gehört? Macht nichts. Das ging mir auch so, bis vor ein paar Jahren war dieser Werner ein Phantom. Dann aber gewann er (Klang-)Gestalt, denn er geriet in den Fokus von Lajos Rovatkay.

Lajos Rovatkay? Der ist nun alles andere als ein Phantom, selbst wenn sein Name über die Grenzen Hannovers hinaus meist nur Kennerinnen und Eingeweihten bekannt ist. Der Cembalist, Ensembleleiter und Musikpädagoge, ein gebürtiger Ungar, floh 1956 vor den Kommunisten nach Deutschland und spielte dann eine profunde Rolle bei der Implantierung der Alten Musik hierzulande: Seit 1962 unterrichtete er Orgel und Cembalo an der Musikhochschule Hannover und von 1975 bis zu seiner Pensionierung 1998 leitete er das dortige Studio für Alte Musik. So prägte Rovatkay Generationen von Musiker:innen auf dem Gebiet der historischen Aufführungspraxis. Gleichzeitig ist er selbst ein Forscher und Entdecker par excellence. Nur ein Beispiel: 1989 führte er anlässlich des 300-jährigen Opernjubiläums in Hannover die Oper „Enrico Leone“ des italienischen Barockkünstlers Agostino Steffani (1654–1728) auf, der einige Jahre in Hannover gewirkt hatte und dessen opulentes Werk Rovatkay in Archiven gefunden hatte.

Nun ist der Schatzsucher auf einen neuen Künstler gestoßen, eben besagten Gregor Joseph Werner. Der Österreicher (1693–1766) verbindet in seinem Werk Barock und Klassik auf sehr kunstvolle und schöne Weise. Rovatkay hat nun zusammen mit versierten Solisten und dem achtköpfigen Voktett, einem erlesenen achtköpfigen Vokalensemble junger Sänger:innen aus Hannover, und dem Barockorchester La festa musicale Messen und Motetten Werners eingespielt. Er war übrigens Vorgänger von Joseph Haydn als Hofkapellmeister beim Fürsten Esterházy in Eisenstadt. Werners Werke sind von erlesener Schönheit. Sie vereinen kunstvollst die Strenge barocken Kontrapunkts mit Melodik und Harmonik, die bereits an die Wiener Klassik erinnert. Ohne Frage eine lohnende Entdeckung!

Nach der nunmehr dritten CD mit Werken von Gregor Joseph Werner, die Rovatkay mit den Seinen veröffentlichte, hat es auch die Fachwelt gemerkt und die Silberscheibe mit dem Preis der Deutschen Schallplattenkritik ausgezeichnet. Dieser Preis trifft die Richtigen: Denn selten hat man so wunderschöne, ausgewogene Gesangsleistungen gehört – sowohl in den Soli wie auch im Tutti. Und dieser Preis trifft besonders den Richtigen: Sollten Sie sich gewundert haben, dass Lajos Rovatkay bereits 1998 pensioniert wurde, so liegt das schlicht daran, dass der überaus rüstige Künstler, Jahrgang 1933, im vergangenen September seinen 90. Geburtstag (!) feierte – natürlich mit einem selbstgespielten Orgelkonzert. Da kann man nur hoffen: Ad multos annos!

For listeners unfamiliar with original harp repertoire, O’Brien’s Impromptu offers the opportunity to hear the harp played masterfully, with the range and depth that comes from years of a harpist familiarizing herself with the sound world of this instrument. Through an eclectic collection of standard and uncommon repertoire, she seeks to present the harp in its natural, impromptu state – absent of contrived techniques or mechanical interventions.

Performances of works by Dohnányi, Ysaÿe and Kodály plus the first recording of Péter Eötvös's 2020 Trio, a fine tribute to the composer who died in March, are a powerful demonstration of this superb trio's talent.

Two difficult rarities anchor this release. Most challenging is the first recording of Peter Eötvös’s 2020 Trio, written as a memorial for viola player Christophe Desjardins. It’s a compact work with an intricate palindromic and canonic structure (unfortunately, barely alluded to in the notes). The part for each instrument is grounded in a different 10-pitch row; the rows enter in staggered fashion and move slowly through the piece, once forwards, once backwards. The pitches are not heard singly, as in a Second Viennese work; rather, each dominates a fragment, from one to 11 bars in length, where it is manipulated – always with a blinding array of colours – until the next fragment takes over.

Unfortunately, this process, not to mention the other knotty structures layered upon it, is imperceptible without access to the score. And even then, the music’s organisation is visual rather than audible. Still, if you consider the framework to be a purely compositional expedient (guard rails for the composer) rather than an expressive device, then the Trio works powerfully, for even if you don’t understand how it’s put together, the pain of loss is palpable.

Ysaÿe’s Trio, written in 1927 and not quite so rare, is complex, too, but in a less abstract way. A restless, richly contrapuntal dreamscape, it may remind you in spots of Schoenberg’s Verklärte Nacht, although its harmonies are more apt to destabilise any sense of a tonal centre. True, it’s short on melodic appeal; but if you’re responsive to post-romanticism, you’ll find that, as it swings precipitously from introverted brooding to extroverted audacity, it fully grips your attention. The other two works, less taxing and more familiar, add a welcome respite to the programme.

The disc brings together works of such varying demands that it serves as a stunning calling card by advertising the range of the group’s sympathies. From the wrenching dissonances of the Eötvös to the cheeky off-kilter rhythms of Dohnányi’s opening March, from the saturation of the Ysaÿe to the transparency and uncharacteristic geniality of Kodály, this group – with their gorgeous tone, finely judged balances and quick reaction time – capture every shift in mood and colour with confidence and commitment. Fine engineering, too. The album’s title, ‘Treasures’, is unusually apt.

Karajan met le feu au lac

Entre sa première apparition sur les bords du lac...

Der kaum 30jährige Dietrich Fischer-Dieskau singt Schumanns Liederkreis und die Kerner-Lieder! Ein König in seinem Reich! Technisch und künstlerisch unerreicht bis heute! Mehr ist zu dieser CD nicht zu sagen.

Was für eine Aufnahme des Schumann-Konzerts!
Selten habe ich eine Mono-Einspielung gehört, die in Sachen Transparenz und Weiträumigkeit (!) so überzeugt. Dass der Mono-Klang den Zuhörer – eine nicht zu zaghafte Lautstärkeregelung vorausgesetzt – zudem in einer Unmittelbarkeit anspringt, wie es keiner Stereo-Einspielung je gelingen wird, versteht sich von selbst und kommt der Interpretation einer Künstlerin von der Ausdruckskraft einer Jacqueline du Pré ideal entgegen. Mit gerade 18 Jahren gab sie damals in Berlin ihr Konzert-Debut und man wünscht sich, die aktuelle junge Generation von Künstlern würde neben der technischen Souveränität auch diesen Mut zu einer kein Risiko scheuenden musikalischen Leidenschaft aufbringen. Inklusive eigener Kadenz. Natürlich ist dies keine "Referenzaufnahme" – aber wer diese für sich schon gefunden hat, für den ist diese Aufnahme des Schumann-Konzerts ein echtes Muss, eine Sternstunde der klassischen Musik. Und als "Zugabe" findet sich mit Bruno Leonardo Gelber eine ebenfalls eindringliche und technisch hochwertige Aufnahme des ersten Klavierkonzerts von Brahms vom gleichen Konzertabend – was will man mehr?

Die beiden Mitschnitte unter George Szell aus Luzern sind zwei musikalische Sternstunden. Live war dieser großartige Dirigent noch um einiges besser, als in seinen an sich schon großartigen Studioaufnahmen. Zur meisterhaften Balance zwischen den einzelnen Instrumenten und der unnachahmlichen Phrasierung kommt hier noch eine Intensität des Musizierens, die ihresgleichen sucht. Sehr gut auch das Remastering der Bänder. Andere Live-Aufnahmen aus den 1960er-Jahren klingen bei weitem nicht so gut wie diese. Wer verstehen will, worin die Kunst George Szells bestand, kann es aus diesen Mitschnitten erfahren.

Zur Musik Bruckners hatte Karl Böhm stets eine besonders innige Beziehung. Schon in den 1930er-Jahren war er einer der ersten, der Bruckners Symphonien in der Originalfassung zur Aufführung brachte. Der Mitschnitt aus Luzern zeigt ihn als einen Dirigenten, der mit innerer Glut zu musizieren versteht, der die großen Bögen nie aus den Augen verliert und völlig organisch die Spannung hin zu den Höhepunkten aufbaut. Live war Böhm noch einmal besser als im Studio. Daher ist dieser Mitschnitt, tontechnisch den Standards einer Live-Aufnahme der 1960er-Jahren entsprechend, der an sich ebenfalls sehr schönen Plattenaufnahme aus den 1970ern sogar noch überlegen.

This completes a set of five absolutely outstanding discs. Performances are so fresh and instinctive, plus the bonus of so much unknown, totally magical music. Sound quality is excellent and the whole set is a complete joy.