This ensemble is literally bringing Beethoven's quartets to life. Listening to these recordings – part of a series that will include all the quartets by Ludwig Van – you can appreciate not only the great skills of the musicians, but an overall vision of the composer's evolution. Beautiful tone, timing and dynamics are just part of a consistent view of the music, where details and global perspective are inextricably linked. In my opinion the Quartetto di Cremona has achieved the musical awareness of the best ensembles of the past (whose recordings were often of poor quality). The clear and natural sound of these CDs make sure that the listeners don't miss a breath of the range of emotions generated by this performance.

I have a collection of 20+ Beethoven cello sonatas and variations and this one is one of my favorites. Marc Coppey's flawless technique serves the music in a beautiful and elegant way. The recorded sound is also first class. Bravo!

Selten habe ich so einen schönen, facettenreichen Klang auf einer CD gehört. Das Quartett überzeugt sehr mit seiner Interpretation, temperamentvoll, voller Frische und überzeugenden lyrischen Abwechslung. technisch auf höchstem Niveau.
Ich kann diese Aufnahme sehr weiterempfehlen!

Excellent interpretation and performance by organist Hans-Eberhard Roß. The super-audio sound is riveting and filled with clarity. The Goll Organ (1998) of St. Martin, Memmingen, Germany, although not of the French romantic symphonic Cavailla-Coll organ pedigree, is well suited for this music: the tone coloring and power, and the venue are just right. I have other recordings of these organ symphonies, but this set is my favorite. Highly recommended.

This is an excellent programme with an organist on top form and a modern instrument ideally suited to the musical content. The 35-stop instrument at Riegel is firmly modelled on North German Baroque lines and this is amply confirmed by the sound it makes. If the handbook hadn't stated otherwise, one would have guessed it to be a newly-restored Arp Schnitger!

The programme starts with a quarter-minute demo of the 'Birdsong' stop. This is barely audible, but there is no mistaking what follows! With varied free-style works by Bruhns, Sweelinck, Bohm and Bach et al, this is one of the best Baroque recitals on disc. Registration ranges from Organo Pleno (Bruhns & Buxtehude) to a solitary 4-foot flute (for Sweelinck's More Palatino), all very appropriate to the music and enjoyable to the ear- a good 78 minutes' worth.

This recital finds Schwarzkopf at the height of her vocal & artistic powers, and has the added bonus of being accompanied by one of her "teachers", who was one of the great lied accompanist in the 1930s & 1940s. Raucheisen was responsible for a massive recording project of German Lied, fearing that with Germany's defeat it would be banned from performance – fortunately Allied attitude to German music was far different to the Nazis and theirs to Jewish composers.
It is nice to have this collaboration of "teacher & pupil", it being shortly before his retirement.

'Tientos y Glosas – Iberian Organ and Choral Music from the Golden Age' is the full title of this programme, played on the beautiful and colourful baroque organ of the church of San Hipólito in Cordoba. The main composers here are the Portuguese Manuel Rodrigues Coelho (1555-1635) and Spaniard Francisco Correa de Arauxo (1584-1654), and types of work represented are the Tiento (Spanish ricercar-like piece with elements of toccata or fantasia style) and Glosas (variations, in these cases on Latin hymn melodies). The 'choral' bit of the subtitle simply refers to the sung alternatim verses in the variation sequences.

That's the factual bit over and so, to get to the point, the results are fabulous. The beautifully vivid Cordoba instrument is ideally suited to these dashing examples of Iberian baroque organ music, and Martin Neu's playing is superb – stylish, full of panache and imagination. Of the eight works on the disc, several of them ambitious and extended pieces, my own favourites are: Correa de Arauxo's Tiento y Discurso de medio registro de dos Baxones de Octavo Tono' (better get used to some long titles), a dramatic and colourful work with an almost Bachian opening but developed with increasingly extravagant ornamentation (track 3). Then comes Coelho's 'Ave Maris Stella' (track 4) consisting of imaginative variations on the hymn tune, alternating with sung verses as mentioned above; it sounds for all the world as if inspired by Monteverdi's movement of that title in the Vespers of 1610. Again, the result is splendid.

My last favourite is the final work, Correa de Arauxo's 'Tiento Tercera de Sexto tono sobre la primera parte de la Batalla de Morales', a piece of stunning brilliance, variety and drama. According to its title and the booklet notes, it's based on a lost work by Morales, but that's really a bit of a cheek because, like nearly all the 'battle' pieces of the renaissance and baroque, it owes just about everything to Janequin's wonderful chanson 'La Guerre'. But Correa's development of the work for organ is still a knockout, especially when played like this and on an instrument that couldn't be better suited to the task.

In addition to the three pieces described, the rest of the programme is a well-judged selection varying between excitement and meditation. The Ensemble Officium vocal group, directed by William Rombach, do their job very well, booklet notes are excellent, texts and translations are supplied for the few choral sections, and recorded sound is outstanding. This recording makes such an impact, and the organist's performance is so distinguished, that it had me searching to see what else Martin Neu has recorded. The answer, at the time of writing, is: very little so far. I hope that he and his recording company will be rectifying this in the near future. In the meantime, this is a brilliant and inspiring contribution to the catalogues.

Andrea Lucchesini ist mir bereits seit Ende der 80er Jahre ein Begriff, hat es aber nie in die erste Riege der sogenannten „großen“ Pianisten geschafft – eine der unerklärlichen Dinge in der öffentlichen Wahrnehmung von Künstlern generell, wer es an die Spitze schafft, oder eben nicht.
Dabei zeigt sich gerade in seiner Schubert-Exegese, dass er hier auf jeden Fall zu den großen Interpreten zu rechnen ist (und, halten zu Gnaden, deutlich besser ist als bspw. ein K. Zimerman). Er findet den rechten Ton, hält die divergierenden Elemente in der Sonate wunderbar in Balance, verzärtelt nicht, gibt dem Düsteren den notwendigen Raum (was W. Youn in der fast zeitgleich erscheinenden Aufnahme nicht gelingt) und lässt uns immer wieder doch auch teilhaben an jenen himmlischen Längen, denen er seine pianistische Subtilität angedeihen lässt. Lucchesini erfindet die Sonate jetzt nicht neu (und ist nicht so innovativ wie Buniatishvili, nicht so apokalyptisch wie Richter), liefert aber eine in sich gänzlich stimmige, uneitle Interpretation ab, die sich mit den großen Interpretationen messen lassen kann.
Ähnlich überzeugend in den drei Klavierstücken, deren dramatisches Nach-vorwärts-drängen er zwingend darstellt, ohne ihr lyrisches Potential darob zu vernachlässigen.
Ein wirklich großer (Schubert-) Interpret, ungerechterweise im Schatten so manches „großen Kollegen“.

Marc Coppey rahmt die beiden Cellosonaten von Gabriel Fauré mit kleineren Stücken aus der Gattung der Salonmusik, wie sie Gabriel Fauré liebte. Der Komponist war oft im Salon der Princesse Edmond de Polignac-Singer zu Gast, mit der er eng befreundet war, sowie in jenem von Marguerite de Saint-Marceaux, der Frau des Bildhauers René de Saint-Marceaux, am Boulevard Malesherbes, wo Fauré seinen Schüler Maurice Ravel in die Pariser Gesellschaft einführte.
Man kann diese kleineren Stücke, die eher das Spiegelbild eines zarten und poetischen Temperaments sind als das Produkt einer starken und ausgeprägten Persönlichkeit, wie Süßigkeiten verzehren. In Schönheit. Manchmal auch träumend. Die Frische, mit der Coppey und Dumont spielen, bringt zudem eine gute vitale Qualität in die Musik. Die Interpretationen sind gut strukturiert und bewundernswert ausgewogen.
Die beiden Sonaten für Violoncello und Klavier gehören zum Spätwerk von Gabriel Fauré, in dem dieser Hauch von Salonmusik, der Faurés Kompositionen lange Zeit beeinträchtigte, völlig verschwunden ist.
Die Interpretationen werden Faurés festerer Handschrift und den ihn beeinflussenden äußeren Umständen – Kriegswirren, Krankheit – gerecht und nutzen gleichzeitig die harmonischen Raffinessen der beiden Werke voll aus. Die beiden Interpreten bemühen sich in flüssigem Spiel erfolgreich, die Beredsamkeit der Musik aufrecht zu erhalten und jegliche Monotonie zu verhindern.


English Translation:

Marc Coppey frames the two cello sonatas by Gabriel Fauré with smaller pieces from the genre of salon music that Gabriel Fauré loved. The composer was a frequent guest at the salon of Princess Edmond de Polignac-Singer, with whom he was close friends, as well as at the salon of Marguerite de Saint-Marceaux, wife of the sculptor René de Saint-Marceaux, on the Boulevard Malesherbes, where Fauré introduced his pupil Maurice Ravel to Parisian society.
These small pieces, which reflect a delicate and poetic temperament rather than a strong and distinctive personality, can be consumed like sweets. In beauty. Sometimes even like in a dream. The freshness with which Coppey and Dumont play also brings a good vitality to the music. The interpretations are well structured and admirably balanced.
The two sonatas for violoncello and piano are among the late works of Gabriel Fauré, in which the touch of salon music that for a long time marred Fauré’s compositions has completely disappeared.
The interpretations do justice to Fauré’s firm style and the external circumstances that influenced him – the turmoil of war, illness – while at the same time making full use of the harmonic refinements of both works. The two performers succeed in preserving the eloquence of the music and avoiding any monotony in their fluid playing.

2013 gründeten fünf Bläser-Studierende ein Quintett für ihre Kammermusikpflichtstunden an der Kölner Musikhochschule. Nach dem Studium starteten sie alle ihre Karrieren, fanden zum Beispiel ihren Platz in verschiedenen Orchestern. Und doch konnten sie alle nicht von der Kammermusik lassen. Und so blieben sie zusammen: das ARUNDOSquintett ist bis heute fast in der ursprünglichen Besetzung zusammen. Erfolgreich bei Festivals und in Konzerten, legten sie eine erste, vielbeachtete CD vor. Ihre zweite CD "SAGA" präsentiert vier unterschiedliche Werke.

Saga. Das ist die germanische Göttin der Sagen, Mythen und Runen. Oft wird Saga direkt mit "Erzählung" und "Geschichte" übersetzt.

"Wir wollten ein Album erstellen, das Geschichten erzählt, die unmittelbar die Phantasie des Zuhörers anregen können. Mit dem Wort Geschichte meinen wir aber auch die Geschichte des Quintetts. Wir wollten gerne unsere Lieblingsstücke produzieren, die das Quintett schon länger begleiten", so Yuka Maehrle, Fagottistin des Ensembles.

Geschichten aller Art
Doch wie schnell können sich in diesem Punkt fünf Musiker aus drei Nationen einigen? Maehrle erinnert sich da an ein gemeinsames Abendessen: Sie schrieben alle jene Werke auf einen Zettel, die ihnen im Laufe des gemeinsamen Spielens ans Herz gewachsen waren.

"Wir mussten lachen, als wir diese Zettel aufgedeckt haben – dass zum Beispiel bei allen an erster Stelle Debussy stand. Und auch Nielsen war vorne mit dabei!"

Ebenso eindeutig fiel das Votum für das Werk von Schifrin aus, weil sie es für einen Wettbewerb intensiv erarbeitet haben. Quintett-Harmonie in Reinkultur also.

Raffinierte Bearbeitung
An erster Stelle also Claude Debussy. Christine Stemmler, Klarinettistin des Quintetts, bestätigt diese Wahl: "Wir finden, dass diese ja sehr bildliche, malerische und auch poetische Musik unglaublich gut zu unserer Besetzung passt. Und da sich die Musik auch auf Gedichte und Gemälde bezieht, hat das besonders gut zum Thema 'Saga' gepasst."

Debussys "Petit Suite" ist original für Klavier zu vier Händen gedacht. Das Quintett hat hier eine sehr charmante Bearbeitung voller Spielwitz gefunden: Jedes Instrument wirft ein eigenes Augenzwinkern in die Runde. Gerade hier hört man in den rhythmisch markanten Passagen, dass die Fünf den Gleichklang im Blut haben. Das sitzt. Technische Schwierigkeiten? Kennen sie nicht.

Standardwerk voller nordischer Klänge
Ebenso Ensemble-Begeisterung für Carl Nielsen und sein Bläserquintett op. 43. Die Fagottistin Maehrle: "Nielsen gilt heute als der bekannteste dänische Komponist. Sein Quintett ist ein Standardwerk für Bläserquintett. Da führt kein Weg dran vorbei. Und das Werk ist ein, so finde ich, wirklicher Geheimtipp für alle, die nordische Klänge lieben."

Das Spätwerk des Komponisten entstand für befreundete Musiker, die er bei einer Mozart-Probe hörte. Für diese schrieb Nielsen vier Sätze. Der letzte ist eine große Variationsreihe, in der jedes Instrument seinen Auftritt erhält, denn hier werden die unterschiedlichen Bläserklangfarben von Fagott, Flöte, Horn, Oboe und Klarinette in eine Art Dialog zusammengebracht, so Meahrle. "Und das ist etwas, was in Nielsens Quintett aufs Höchste zelebriert wird."

Geschichte vom Fluss
Danach folgt ein ganz anderes Werk, das Lalo Schifrin, Argentinier, Jahrgang 1932, komponierte. Angeblich soll es eine düstere Geschichte erzählen, vom Mississippi-Schaufeldampfer "La Nouvelle Orleans", der von seiner Jungfernfahrt nicht zurückkehrte, berichtet Klarinettistin Christine Stemmler. "Am Anfang gibt es diese mechanischen Geräusche, diese Schiffsgeräusche. Und dann sprudelt das Wasser rein und die Leute geraten in Panik." Im weiteren Verlauf taucht eine Klagemelodie auf, "und dann beginnt diese typische New Orleans Jazz-Beerdigung am Ende des Stückes."

Neues fürs Quintett
Ebenso gehört zur Geschichte des Quintetts, dass neue Werke in Auftrag gegeben werden. So traten sie auf einen Komponisten zu, der schon oft im Publikum saß: Kevin Beavers. Er komponierte ihnen ein dreisätziges Werk für ihr Album. Dazu Yuka Maehrle: "Wir waren so dankbar für die Liebe, die er offensichtlich in dieses Werk gesteckt hat! Man kann im Hinterkopf haben, dass den Sätzen jeweils ein Charakter zugrunde liegt. Der Charmeur im ersten, der Liebhaber im zweiten Satz mit einer riesigen Fagott-Kadenz und einen Spaßvogel."

Quintessenz des Quintett-Albums
Das Album ist eine Visitenkarte der Extraklasse. Sie zeigt das Können beim virtuosen Spiel, Experimentier-Esprit, Stilsicherheit in den Epochen und enorme Erzählkraft und Tiefe. Auf "Saga" kommen die Geschichten bestens zur Geltung: tragische, melancholische, tanzwütige und witzige.