Bachs sechs Triosonaten BWV 525-530 sind keine Kammermusik für drei Instrumente, wie der Titel irreführend suggerieren könnte. Es sind Orgel-Sonaten im streng dreistimmigen Satz: drei gleichwertige, voneinander unabhängige Stimmen auf zwei Manualen sowie dem Orgelpedal. Meisterstücke kontrapunktischer Stimmführung und Ökonomie, entstanden um 1730 als Musterexempel für den Unterricht des ältesten Bach-Sohns Wilhelm Friedemann. Die kompositorisch kniffligen, strikt und konsequent nur dreistimmigen Satzstrukturen sind auch spieltechnisch eine Herausforderung. Nicht zuletzt verlangen sie eine enorme Konzentration: Im offenliegenden Trio-Stimmengewebe kommt es auf jeden einzelnen Ton an.

Martin Neu – Kantor an St. Peter und Paul mit Elisabeth in Reutlingen und Dekanatskirchenmusiker für das Dekanat Reutlingen/Zwiefalten – hat nun alle sechs Triosonaten eingespielt. Die CD ist soeben beim unabhängigen Klassik-Label audite erschienen. Eine hochauflösend tiefenscharfe Aufnahme, sehr direkt am Pfeifenwerk der Ahrend-Orgel von St. Otto im fränkischen Herzogenaurach abgenommen. Ein außergewöhnliches Nah-Erlebnis, dass man geradezu zwischen die Töne hineinhören kann. Mit einer Klangintensität und Transparenz, die in den langsamen Sätzen die Obertöne leuchten lässt.

Martin Neu gibt in allen Sätzen den drei Stimmen je eigenen Charakter – mit kontrastierenden Registern und Artikulations-Nuancen, sensibel durchgestuft in Vorder- und Hintergrund. Die langsamen Sätze lässt er mit dem langen Atem und der melodischen Innigkeit Bach’scher Choralbearbeitungen singen. In den schnellen Ecksätzen macht er die imitatorisch konzertierenden Stimmverläufe parallel mitvollziehbar. Zumal in den Finalsätzen löst er den strengen Satz auf in mitreißend freies Spiel: ausgelassener Überschwang, die Motorik immer im Tempo, nirgends mechanisch, immer flexibel und nie in Hast geratend.

Neus Interpretation macht hörbar, wie komplementär die drei Stimmen überall aufeinander bezogen sind, wie klug durchdacht sie ineinandergreifen. Das CD-Cover hat die Tübinger Künstlerin Beatrix Giebel gestaltet.

INFO: Die CD „J.S. Bach: Trio Sonatas for Organ“ ist im Handel und auf Internet-Plattformen erhältlich. Auf der Homepage des Labels (www.audite.de) gibt es beim Kauf der CD (zum ermäßigten Preis von € 15,99) zudem das komplette Album noch einmal kostenlos als MP3-Download. Erstmals bei audite ist die CD auch im innovativen Klangformat Dolby Atmos erhältlich und auf entsprechenden Geräten mit immersivem 3D-Sound abspielbar.

Gabriel Fauré’s works for cello and piano fall into two basic categories: the short “salon” pieces, generally lyrical and expressive, and the two sonatas, written late in his life after deafness had taken hold, much more challenging to the listener, especially the First. The juxtaposition of the two types of music on the one disc, while making sense for the collector, can lead to some rather jarring track transitions.

If you know his piano quartets, quintets or violin sonatas, but are hearing the cello sonatas for the first time, then you will probably be surprised by the harshness (in places) and the (relative) lack of beautiful melodies. If, however, you know and like the cello sonatas, then you will be reading this on the basis of whether to invest in this new set. I don’t actually fall into either of these categories, having heard the sonatas before (Poltera & Stott on Chandos), but not being all that keen on them. Had I heard Coppey and Dumont’s recording first, then the “not being all that keen” opinion would have been “considerably disliked” instead. Theirs are very cool and unemotional readings (and that also applies to the shorter pieces as well). This approach simply doesn’t strike me as being right for Fauré. Yes, the First Sonata was written during the horrors of the First World War, so is hardly going to be sunny, but to make it so lacking in poetry …? The title of the recording – Authentique is “explained” in the booklet notes as referring to the interpretation, which “fully engages with the fluid rhetoric of Fauré’s musical language and does not impose a perpetual espressivo, which would be stylistically incongruous”, and also the use of an 1891 Érard piano, such as Fauré would have used. There’s no denying the latter is authentic, though the difference in sound compared to a 21st century grand is relatively small, less resonant and rich (or more transparent, as per the booklet). As for Coppey’s interpretation, I doubt any cellist uses a “perpetual espressivo” in Fauré or anywhere else, but some is appropriate and there seems to be an almost complete absence of it here.

Sadly, I haven’t finished being negative. The main problem for me is the sound of the cello: lacking in warmth, even nasal. While this actually suits the interpretations, it also magnifies the problem. I have not heard Marc Coppey on other recordings to know whether this is his standard mode of playing (and frankly, I have no incentive to find out).

Were this the only recording to comprise Fauré’s output for these instruments, this release might have some appeal. However, there are others bearing more or less the same title as this, including one by Steven Isserlis and Pascal Devoyon (RCA), which has received considerable acclaim. I haven’t heard this in its entirety, but I did stream a selection to allow me to make a comparison, one which is entirely in favour of Isserlis and Devoyon. The cello sound is so much warmer, the interplay between the two instruments clearer and the general feeling is more what I associate with Fauré.

Back when I began with MusicWeb, we had a system where recordings could be “awarded” a ThumbsUp (now called recommended), but also ThumbsDown for real disappointments. We haven’t used these for a long while, but if the ThumbsDown was still in existence, the recording would certainly “merit” it. I’m now going to listen to Domus play Fauré’s piano quartets to remind me of what his music should sound like.

[...] on ne peut qu'admirer le raffinement des nuances apportées par nos deux musiciens à l'agogique, aux rapports dynamiques et chromatiques dans leur échange musical d'une sobre densité. Et au-delà se réjouir de l'authenticité sonore que nous propose une poignée de versions au sommet desquelles trônaient Gagnepain et Dayez, désormais surclassés par Coppey et Dumont grâce à une prise de son et un pianiste superlatifs.

Das spezielle «Multitasking», das gerade diese Triosonaten verlangen, beherrscht der Reutlinger Organist Martin Neu präzise, souverän und spielfreudig. [...] Ausgewogen und mit einer Vorliebe für Labialpfeifen registrierend, findet Martin Neu einen Ausgleich zwischen klanglicher Kontur und Homogenität – und genießt hörbar den weichen Wohlklang des Instruments.

"Bach reconstructed" heißt das neue Album des kleinen und feinen Barock-Ensembles "La festa musicale". Tom Daun hat mit Christoph Harer, einem der Gründer, über die Stücke gesprochen. […]

Man staunt und staunt: Die beiden großen Sonaten müssen Vergleiche mit Brahms kaum scheuen, und die leichtgewichtigeren Werke (Salonmusik?) erhalten hier in süperben Interpretationen das ihnen adäquate, zustehende Gewicht.

[Je kan] horen dat Harer en zijn collega's van la festa musicale er schik in hebben. De nieuw geïnstrumenteerde stukken klinken als een klok. Sterker nog: wie de cd opzet valt meteen met de neus in de boter.

Bach, like some other eighteenth century composers, was an inveterate reuser of his compositions, sometimes transplanting a movement wholesale into another work, and sometimes transcribing it for a different combination of forces. Sometimes both the original and the transcription have survived, and sometimes just the one or the other. The keyboard concertos, for example, are all thought to have been written originally for a variety of single line instruments: violin, flute, oboe or others. Modern scholarship has reconstructed the originals and nowadays these are often played in preference to the extant versions. And his music has also showed itself amenable to transcription for instruments he did not know, such as the symphony orchestra, marimba or synthesiser.

There is therefore nothing to take exception to in Christoph Harer, the moving spirit behind this project as well as the cellist in them, doing something similar. All those who love the Brandenburg Concertos wish there were more of them, beyond the six Bach actually composed. Harer has given us three more, which he calls New Brandenburg Concertos. (Actually, he is not the first to do so: some years ago Bruce Haynes assembled a set of six drawn mainly from cantata movements, which he called Brandenburg Concertos 7 to 12, recorded by Bande Montreal Baroque under Eric Milnes on Atma Classique.) No. 2 is a straight transcription of the Concerto for three keyboards BWV 1064 for three string trios and bass continuo, in three movements. Nos. 1 and 3 draw from various sources, some familiar and some not. No. 1 is in four movements and No 3 in five. The details are provided in the sleevenote.

Harer says that he and his team experimented a good deal before arriving at the final versions which they have recorded. He has been at pains to distribute solo lines across the whole of his ensemble, and there is an interesting variety of these. including both recorder and transverse flute, oboe, bassoon, scordatura violin (with one string tuned unconventionally low) and lute. His ensemble, La Festa Musicale, was founded in 2014 and has already made a number of recordings. They play with zest and verve and the result is some delightful listening. The recording is good, the sleevenote helpful and I hope they go on to give us some more New Brandenburg Concertos.

Das Label audite hat es sich anlässlich seiner zehnjährigen Kooperation mit dem Lucerne Festival nun zur Aufgabe gemacht, unbekannte Schätze der Jahre 1952–1957 aus dem Fundus des Musikfestival-Archivs zu schöpfen.
Ein Muss für jeden Sammler!

Le Trio Lirico s'était déjà distingué dans un album Reger pour le même éditeur (cf. n° 665), Hila Karni ayant entretemps remplacé Johannes Krebs au violoncelle. Après un crochet par la Belgique, pour le trio (1927) d'Ysaÿe, page difficile et exigeante mais d'une profonde beauté, c'est en Hongrie que nous emmènent ces « Trésors». Les cinq mouvements de la Sérénade (1902) de Dohnanyi prennent pour modèles ceux de Mozart et Beethoven mais enrichissent le discours de savoureuses inflexions magyares. L’Intermezzo (1905) de son cadet Kodaly montre qu'à l'orée de sa carrière, ce dernier n'était pas bien éloigné esthétiquement. C'est en 2020, à la mémoire de l'altiste de l'Ensemble intercontemporain, que Peter Eötvös composa son bref trio. Son unique mouvement combine différents aspects techniques du jeu (glissandos, tremolos, pizzicatos notamment). Le Trio Lirico l'a travaillé avec l'auteur qui exprima sa vive satisfaction : « cet enregistrement est authentique et peut servir d'exemple à d'autres interprétations ». Compliments qui pourraient fort bien s'appliquer à la totalité de ce programme passionnant et magnifiquement interprété.