Der KammerChor Saarbrücken zeigt für einen überwiegenden Laienchor eine ganz...

Der in Breslau geborene Mendelssohn-Schüler Eduard Franck (1817-1893) hat Werke...

Eduard was the brother of Hermann (1802-1855) who, as a writer on music, had contact with Wagner, Goethe and Heine. The other brother, Albert, had a bookshop in Paris and kept company with Chopin, Charles Hallé and Stephen Heller.

The E minor Violin Concerto was composed in Cologne to which Franck had moved at the request of Ferdinand Hiller. It was premiered by another Hiller invitee, Theodor Pixis. It is a work of streaming intensity deliciously prone to lyrical flights akin to the Mendelssohn concerto (in the same key) but without the ineffable surge of smiling quicksilver. The last movement recalls a village fiddler and rustic dance floors across the continent.

The Symphony in B flat major represents a crossroads between early Schumann and Mendelssohn. The horn solos are very colourful and make a memorable effect although the execution is not ideally polished or rounded. There are some Schumann-like accelerandi like those that inject the drama into the Fourth Symphony. You will find yourself easily hooked whether by the fluttery athleticism of the second movement, the winsome flute-playing of the Adagio with its momentous atmosphere or the Mendelssohnian chasseur-style allegro writing. This is a strong mood invoker, relaxed and Beethovenian (Symphonies 4 and 8).

Ludger Böckenhoff and Audite should take a curtain call for their valiant advocacy of this otherwise disgracefully disregarded figure. Meritorious and highly attractive music at last out into the light of common day.

In the first two of three movements of the Violin Concerto Franck is clearly doffing his hat to the Olympian heights of Beethoven's Violin Concerto and perhaps to the slow movement of the Brahms. In the allegro finale the writing is more flamboyant but aiming to delight rather in the dance floor sense of the Op. 49 quartet’s finale. There is no hint of 'moving the earth' with dramatic gesture. The compass is primed by the Beethoven Romances and Violin Concerto.


The B flat major symphony confidently inhabits the world of the Schumann Second Symphony and the Mendelssohn Scotch. However along the way we have excursions into snowy soliloquies (Tchaikovsky's Winter Daydreams came to mind). Franck sometimes summons up impressively Brucknerian concentration with horn ornamentation to match. The open-air manner of Lange-Müller and of Schumann's First Symphony is well carried off.


It is pleasing that this estimable symphony survived unlike the well received A Minor and G Minor symphonies from 1846 and 1852 respectively. Perhaps you know otherwise ... let me know.


Eduard Franck had two brothers one of whom was also a composer. Richard Franck's cello sonatas can be heard on two other Audite CDs (20021 and 20031) coupled, in each case, with cello sonatas by Eduard.


If you like your Schumann and Mendelssohn this CD is certainly for you. Performances are remarkably well despatched. You will have little to complain of and Hans-Peter Frank makes hay with the many invitations to joyous exuberance that Franck has left throughout these scores.

Here are two of the three surviving string quartets of Eduard Franck. All three have been recorded by Audite. Franck was a pupil of Mendelssohn who rated Franck's work very highly. Franck was the son of a family deeply rooted in the banking activity of Breslau.


The C minor quartet (Op.55) has a pattering, purposeful and almost ruthless Allegro. It is startling and really catches the imagination. The Allegretto makes for a rest after such unrelenting activity offering ‘stillness and the night’ from another age. The vivace third movement has a Hungarian restlessness of mood. In the mercurial finale the moods melt and move but the music is nowhere near as dark as that of the first movement. The Op.54 Quartet starts with a reverent Adagio of the same mien as the Adagietto of the Op. 55 work. The Olympian calm continues into the powerfully sustained second movement (Adagio molto espressivo). After two Adagios come two Allegros in which quicksilver restlessness and contentment are the order of the day.


In common with the other three Audite Francks the detailed booklet notes are by Franck scholar, Michael Struck-Schloen. The excellent audio qualities of the recording add lustre to these world premiere recordings.

Audite have rescued the music of Breslau-born composer Eduard Franck from oblivion. At the invitation of Ferdinand Hiller, Franck became one of the eminent lights of Cologne's musical life. Hiller rejuvenated the cathedral city's music with other figures too, Theodor Pixis and Carl Reinecke amongst them. Franck, a pupil of Mendelssohn, was lured to the city from Berlin. Franck conducted the choral society. His own works were included in the Concert Society's programmes.


The String Quartet in F minor Op. 49 is Mozartian but infused with a more modern Mendelssohnian sensibility. It has a swimmy sense of flow with fugal activity (4.48 in I) and something of the Viennese flâneur in the last two (of four) movements. The Adagio Molto Espressivo has the Olympian calm of the Schubert String Quintet. The Piano Quintet has the tempestuous nature of the first Brahms Piano Concerto offset somewhat by the sort of childlike simplicity we have come to associate with Mozart's simple sets of variations. The later movements track through sturdy village dances, weighty hymnal seriousness and rude virtuoso energy. There is much more Schumann in the last movement which sports a conventional 'flashed' ending.


Civilised chamber music partly in the shadow of Schumann and Mendelssohn.

Die neue Platte – heute mit Musik für Saxophon und Orchester, und dazu begrüßt Sie am Mikrofon Ludwig Rink. Die Beziehungen zwischen der philharmonischen Welt der großen Orchester und dem Mitte des 19. Jahrhunderts erfundenen Saxophon sind nicht besonders eng. Das von dem rührigen französischen Instrumentenbauer Adolphe Sax entwickelte konische Blechblasinstrument mit einfachem Rohrblatt fand zwar nach seiner Patentierung 1846 relativ schnell Eingang in die Militärkapellen der Zeit, jedoch kaum ein Komponist integrierte es - und wenn, dann nur gelegentlich - ins Sinfonieorchester. Nur in wenigen Opern- oder Orchesterpartituren wird es verlangt: so u.a. in einigen Werken von Meyerbeer, Massenet, Ambroise Thomas, Bizet, Debussy, Ravel, Strawinsky, Hindemith, Bartok, Berg oder Honegger. Im Jazz sieht die Sache ganz anders aus, den kann man sich im kleinen Ensemble oder der Big-Band ohne Saxophon kaum vorstellen, und die Namen großer Solisten wie Sidney Bechet, Charlie Parker, Stan Getz, Gerry Mulligan oder John Coltrane sind weit über die Fangemeinde hinaus bekannt. Klassische Werke für Saxophon und Klavier gibt es eine ganze Reihe, und auch Solokonzerte für Saxophon und Orchester hört man gelegentlich im Konzertsaal: relativ bekannt wurden da Werke von Jacques Ibert, Claude Debussy, Alexander Glasunow und Frank Martin. Das in Detmold ansässige Label „audite“ bietet jetzt ab November eine CD an, die manche Begegnungen von Saxophon und Orchester im 20. Jahrhundert dokumentiert - und diese Begegnungen fanden vor allem in Frankreich statt.
(Musikbeispiel: Henri Tomasi - 'Cadence’ aus: Concerto für Saxophon und Orchester)
Das ist Dominique Tassot, der Solist unserer heutigen Sendung. Er ist 43 Jahre alt, studierte in Metz und am Pariser Conservatoire, gewann verschiedene Wettbewerbe, ist Mitglied eines Saxophon-Quartetts und war an mehreren Produktionen und Uraufführungen beteiligt. Heute unterrichtet er als Professor am Konservatorium der Ardennen-Stadt Charleville und ist als Solist und Kammermusiker tätig. Zusammen mit dem deutschen Hornisten und Dirigenten Manfred Neuman fasste er den Plan, unter dem Motto „French Saxophone“ Solokonzerte des 20. Jahrhunderts für Saxophon und Orchester beispielhaft aufzunehmen. Heraus kam eine CD, die insgesamt 5 Konzerte bietet, von denen bis auf eins, die Rhapsodie von Debussy, alle erstmals auf Platte erscheinen. Dabei sind Debussys Werk und die „Légende“ von André Caplet in diesem Jahr 100 Jahre alt, das „Concerto“ von Henri Tomasi stammt von 1949, die von der Tonsprache „modernste“ „Musique de Concert“ von Marius Constant ist fast 50 Jahre alt, während das „jüngste“ Stück die 1971 komponierte „Fantaisie-Caprice“ des Belgiers Jean Absil ist. Mit vier Ersteinspielungen also bereits eine fürs Repertoire wichtige Aufnahme, ist die technische und musikalische Qualität der CD hervorzuheben. Dafür bürgt neben dem souveränen und in diesem Stil hocherfahrenen Solisten auch das Münchner Rundfunkorchester, das in der Hierarchie des Bayerischen Rundfunks zwar erst nach dem Rundfunksinfonieorchester kommt, dem es aber gelingt, sich in einer Vielzahl geschickt genutzter Repertoire-Nischen immer wieder mit makellosen Aufnahmen zu Wort zu melden.
(Musikbeispiel: Marius Constant - ‘Intermezzo’ aus: „Musique de Concert“ für Saxophon und Orchester)
Soweit ein „Intermezzo“ aus der „Musique de Concert“ für Saxophon und zwölf Instrumente von Marius Constant. Von großer formaler Klarheit ist die Fantaisie-Caprice des Belgiers Jean Absil: In jungen Jahren ein glühender Verfechter von Polytonalität und Atonalität, klingt dieses Alterswerk wie eine Rückkehr in romantische Gefilde.
(Musikbeispiel: Jean Absil - aus: „Fantaisie-Caprice“ für Saxophon und Orchester)
Im ebenso umfangreichen wie lesenswerten Booklet-Text zur CD schildert Autor Michael Struck-Schloen anschaulich die Entstehungsgeschichte der beiden ältesten der hier eingespielten Konzerte. Er schreibt: „ Einen ... kuriosen, gleichwohl folgenreichen Fall von Geburtshilfe leistete ... die Französin Elise Boyer, die 1887 den Bostoner Arzt Richard Hall ehelichte und später – als „Therapie“ gegen ihre progressive Gehörlosigkeit – das Saxophon erlernte. Weil Literatur für das Instrument verschwindend gering war, ging Elise Boyer-Hall die vornehmsten französischen und belgischen Komponisten um neue Werke an. Nur Wenige (darunter Gabriel Fauré und Ernest Chausson) konnten den Lockungen des üppigen Auftragshonorars widerstehen, und so gingen bei der Dame in Boston schließlich Partituren von Claude Debussy, André Caplet, Florent Schmitt und Vincent d’Indy ein, die heute zum „klassischen“ Stamm des Saxophon-Repertoires zählen.“
Da es sich bei Madame Boyer nicht um einen Profi, sondern um eine engagierte Amateur-Spielerin handelte, stellt das Stück von Caplet den Solopart nicht in den Vordergrund, sondern bettet das Saxophon sozusagen ein in die Gruppe der Holzbläser im Orchester, die hier aus Oboe, Klarinette und Fagott besteht. Trotz des vielsagenden Titels „Légende“ hat Caplet keine Programm-Musik komponiert, sondern wollte damit wohl eher den insgesamt romantischen Ton dieses 1905 von Elise Boyer-Hall in Boston uraufgeführten Stückes charakterisieren.
(Musikbeispiel: André Caplet - aus: „Légende“ für Saxophon und Orchester)
Für Claude Debussy war die Auftragsarbeit für Elise Boyer-Hall wohl eher eine etwas lästige Pflicht, die sich auch länger hinzog. Etwas herablassend berichtet er 1903 einem Freund: „Das Saxophon ist ein Rohrblatt-Tier, mit dessen Gewohnheiten ich wenig vertraut bin. Liebt es die romantische Süße der Klarinetten oder die etwas grobschlächtige Ironie des Sarrusofons? Am Ende habe ich es melancholische Weisen murmeln lassen, zum Wirbel einer Militärtrommel.“ Als Titel zog Debussy „Arabische“, „Maurische“ oder „Orientalische“ Rhapsodie in Betracht, um es schließlich beim neutraleren Begriff „Rhapsodie“ zu belassen.
(Musikbeispiel: Claude Debussy - aus: „Rapsodie“ für Saxophon und Orchester)
Die Neue Platte – heute mit französischer Saxophon-Musik des 20. Jahrhunderts, gespielt von Dominique Tassot und dem Münchner Rundfunkorchester unter der Leitung von Manfred Neuman.

Manchmal sind es die wagemutigen Kleinen, die einen großen Wurf landen. Der neueste CD-Coup des Detmolder Exquisit-Labels audite kündigt ganz harmlos "Musik für Orgel und Orchester" an – und entpuppt sich überraschend als gigantischer Surround-Klangtrip mit Seltenheitswert. Die Interpreten – Jung-Orgelstar Christian Schmitt und Johannes Wildners vortrefflich aufspielendes Rundfunk-Sinfonieorchester Saarbrücken gehen mit umwerfendem Elan zur Sache. Schon die "Toccata Festiva", eine Rarität des US-Neoromantikers Samuel Barber, ist ein Ereignis. Schwelgende Streicheridyllen wechseln mit brausenden Orgelsounds – bei Schmitt & Wildner wird die Toccata zur fulminanten Dröhnung, zum furiosen Crash der Extrem-Gefühle. Anders Saint-Saëns: Das Herzstück seiner Sinfonie Nr. 3 ist eine herrliche Endlos-Melodie der Bläser, grundiert mit sakralem Orgel-Kolorit – hingebungsvoll zelebriert als Sehnsuchtsgesang in Mahlerschen Dimensionen. "Touching Colours" wiederum, ein Opus des 35-jährigen Neutöners Frank Zabel, gehört stilistisch zur farbkräftig-sinnlichen Nachmoderne. Neben zartsilbrigen Orgel-Linien und wilden Klangballungen gibt's auch spektakuläre Effekte, wenn ein gewaltig donnernder Akkord im Registerplenum wimmernd in sich zusammensinkt – durch kurzes Abschalten des Orgelmotors. Fazit: Diese neue audite-CD ist in jeder Hinsicht eine Hör-Sensation – ungewöhnliche Werke, riskant kombiniert, exzellent interpretiert.

Linea (1973) is one of Berio's happier creations of the early '70s. He takes a very simple 'melody' and explores its implied elements, the players sometimes diverging, at others meeting on the same line, the two pianos joined by marimba and vibraphone.

The German composer Dieter Mack (b.1954), who studied with Ferneyhough and Huber, and has a special interest in South-East Asian music, is likely to be the least known to readers. The title of his piece, composed whilst composer in residence in Wellington, alludes to personal relationships which develop and are disrupted participating in the water sport popular in the rapids of New Zealand. The percussion instruments used, with precision and quite sparingly, are helpfully listed in the detailed documentation with this CD, as are the many required for George Crumb's Music for a Summer Evening, the third part of his extended Makrokosmos. The first two volumes (1972-73) are for solo amplified piano, the title obviously relating to Bartók's Mikrokosmos. In his note, Crumb also acknowledges his debt to Bartók's Sonata for two pianos and percussion, expressing surprise that this fruitful combination did not lead to a rapid proliferation of works in that genre.

Makrokosmos III is a major work of approx. 40 mins (35 in this performance) for which the pianos are amplified and often set in a halo of evocative sounds, the odd-numbered movements on a large scale, with cosmic and philosophical programmes. They are separated by dreamlike intermezzi, a wistful Wanderer Fantasy mostly for the pianos alone, and Myth for the percussionists. Crumb's music is always easily accessible and often relatively simple - even simplistic in essence - its main constituent colouration from a wide sound palette of exotic instruments. The SDR recording is of demonstration quality.

While Reger is well enough known to have a whole case of hand-me-down judgements ready to despatch his music, Kaminski is completely unheard of. His exposure has been very limited which makes this CD all the more valuable. Ulrike Kienzle sketches in the details. Kaminski lived near Benediktbeuren (the home of the Carmina Burana originals) in the house of his friend Franz Marc. Marc was an expressionist painter killed in the Great War. Kaminski was a friend of Walter Braunfels (a more prominent name in the miscellaneous Entartete group). Kaminski was a pacifist and made no secret of his condemnation of Nazi policy.


The Music for Cello and Piano while studiously avoiding the word ‘Sonata’ has the 'feel' and 'contour' of a sonata. It is unrelentingly serious, devotedly tonal and threaded through and through with Bachian touches. The central 'Tanz' movement is alive with fugal material and with a Jacques Loussier-style endowed with a devotional sense. The cello is apt to sound inward and prayerful and Kaminski is happy to go with the character and grain of the instrument. The work picks up shards of Viennese waltz elements in the finale. The central movement's dance elements bear no resemblance to Weill, Stanchinsky or Kapustin. Here the dance is a religious rite - blessed as the bowed head and the murmured prayer. This is a satisfying work though the performance does sometimes make it sound strenuous and effortful. The work's style-parallels include the John Foulds Cello Sonata (1905) soon to have a new recording by the redoubtable cellist Michael Schlechtriem.


After two Brahmsian cello sonatas Reger's F major work was to strike a more individual note. It belongs to his Munich years when recently married he felt the confidence to strike out in newer directions. There are four movements: a stormy allegro con brio with Tchaikovskian drama; a playful, almost jokey, Vivacissimo, superbly carried off by Lundström and rounded off with a masterly sigh; an andante with variations and a vivacious finale in which there are Brahmsian suggestions [3.19, 5.21] as well as Slavonic tempests.


These are two intriguing German cello sonatas from composers at ease in the realms of tonality. They are performed with dedication though I wonder whether the Kaminski (possibly an awkward work to perform) might go more fluently in other hands.