Leopold war kein professioneller Komponist, aber seine Werke sollten ganz ernst genommen werden. Sie sind es durchaus wert, aufgeführt und auf CD festgelegt zu werden. Die Interpretationen sind nahezu ideal.

Ulrich Roman Murtfeld commences his second release devoted to American piano music with Alexander Reinagle's charming two-movement D major Sonata. Despite its Philadelphia nickname, the work is little more than a Haydn knock-off. Still, it's a skilfully put-together Classical sonata, and there's much to enjoy in Murtfeld's stylish, refined fingerwork. However, his performance yields to Cecile Licad's altogether crisper, more incisive 2016 release (Danacord, A/16). Murtfeld's Edward MacDowell interpretations likewise face strong recorded competition. Compare his pleasantly symmetrical Op 46 moto perpetuo Etude to, say, Charles Fierro's lighter, fleeter reading (Delos) or his broad and heavy way with the New England Idylls next to the late James Barbagallo's vivid characterisations (Naxos) and you'll hear what I mean.

However, Murtfeld totally 'gets' the brash earnestness and boisterous energy of George Antheil's less-than-two-minute 1922 Jazz Sonata. He brings out the emotional contrasts between the Ives Three Page Sonata's opening Allegro moderato and reposeful Adagio. But his tempo for the march-time Allegro lacks spirit and determination, while the Piu moto ragtime send-up is thick, texturally undifferentiated and humourless. In From My Diary, one cannot fault Murtfeld's seriousness of purpose and dedication. That said, his forceful dynamism in the Allegro pesante finale sounds relatively foursquare alongside the late Robert Helps's more varied articulation. Likewise, Murtfeld reduces the Allegro con brio's virtuoso passagework to a comfortable mezzo-forte lope, whereas Helps's fiery sweep occupies a whole different sound world. It's a pity that Murtfeld's energy and inspiration in the Antheil don't extend elsewhere in this excellently annotated and engineered release.

Hot on the heels of the superb Erato recording with the Capucon brothers et al comes this energetic account of Brahms's two sextets by the expanded Mandelring Quartet. With their wide-eyed exuberance, the Mandelring remind us that these are youthful masterworks. Only in the opening movement of the First Sextet do they push too hard; there's not much ma non troppo in this Allegro. Then, at bar 43 (1 '03 "), Brahms writes tranquillo, more as an expressive instruction than a tempo-change. The Mandelring don't pay heed to this marking; but a few pages later, at bar 85 (2 '09"), with a similarly notated animato, they lurch into an even higher gear.

That said, there's a fervour to these performances that's quite special – and the remaining tempo choices, while nearly always on the brisk side, are ultimately convincing. Technically, the playing is exceptional in its tonal beauty and purity of intonation. Listen to cellist Bernhard Schmidt's glorious, singing sound at l' 57" in the finale of the First Sextet, and then to the glistening tone and spot-on tuning of violinist Sebastian Schmidt in the exposed, high-lying passage at 5'58". This refinement coupled with clean articulation helps clarify thick textures, and the often intricate instrumental interplay is managed seamlessly. The themes in the finale of the Second Sextet are juggled so deftly and with such lyrical abandon as to induce a joyous adrenaline rush. This intensity has as much to do with expressive warmth and attention to detail as it does with panache and polish – note, for example, those little, heart-tugging mordents that ornament the main melody in the Scherzo of Op 36.

I wouldn't want to be without the Erato disc, as the Capucon-led interpretations get straight to the heart of these gemütlich scores. But this exquisitely engineered Audite recording offers a fresh perspective that, in terms of musicianship and execution, comes very close to perfection.

First to clarify: this is not the same K595 from Robert Casadesus and Carl Schuricht that appears on Orfeo (C536 001B), though the two are very alike, while the live VPO Brahms Second post-dates that recently reissued in 'Carl Schuricht: the Complete Decca Recordings' (7/17) by roughly nine years. This Mozart features the Swiss Festival Orchestra (the Orfeo, from Salzburg, is with the VPO) and finds Casadesus on top form, possibly out-classing his various other recordings – live and studio – of the same work. Schuricht directs fluid, well-paced accompaniment, stylishly shaped and beautifully played. Right from his first entry, Casadesus displays his signature clarity of finger work, building crescendos with impeccable judgement, switching between a sprightly staccato and warming legato. The Larghetto conjures up a mood of utter stillness: this truly is artistry of the highest order.

The Brahms is mellower than its predecessor, less volatile too. But there are moments that are unforgettable: the gently nudged strings beneath the solo horn at 12'23" into the first movement; the glowing blend of lower strings and brass for the second movement's second subject; and, most magical, the return of the outer section of the Allegretto grazioso (from 3' 15 "), so much more gentle than on the older version. Towards the close of the finale, from 7' 55 ", Schuricht gives precedence to the lower strings' motif, which greatly intensifies the build-up to the coda. The Decca version is similar but nowhere near as effective. Both works are captured in fine mono sound. And if you want to investigate a compelling follow-up, try Casadesus and Schuricht with the Orchestre National de la RTF in Brahms's Second Concerto (on INA) – not perfect by any means, but consistently gripping.

Positionierung Startseite siehe PDF!

Das ‘Swiss Piano Trio’ ist nun beim vierten Teil seiner Gesamteinspielung der Beethoven-Trios angekommen. Dass sie sich auf fünf Scheiben erstreckt und nicht wie sonst auf drei, liegt daran, dass diese Musiker das übliche Gehege der elf gezählten Trios abgrasen, aber auch noch außerhalb des Zauns fündig werden. In dieser Aufnahme haben sie ihren Pfad ein wenig verlassen und präsentieren nur frühere Werke, die (ursprünglich) bis 1800 entstanden.

Von den gezählten Werken wird das ‘Gassenhauer Trio’ präsentiert, das im abschließenden Variationssatz eine Melodie von Joseph Weigl verarbeitet. Spätestens in der Coda geht die Gestaltung so weit, dass der Weigl durch Beethoven ersetzt wurde.

Das ebenfalls vorgestellte Allegretto in Es-Dur wurde noch in Bonn komponiert und zeigt damit den jungen und noch nicht vollendeten, wenn auch deutlich erkennbaren Komponisten.

Das Trio op. 38 ist eine Rarität im Katalog ebenso wie im Konzert, wie auch sein Original. Es handelt sich nämlich um die 1807 vom Komponisten selbst geschaffene Bearbeitung seines Septetts für Bläser und Streicher. Diese Triofassung ist wohl auch aus wirtschaftlichen Gründen entstanden, da die Besetzung für Klaviertrio sehr beliebt war und so die Bearbeitung weitere Absatzchancen bot. Interessant ist, dass das Werk neu beleuchtet wird, da aus der Zweiteilung Bläser zu Streichern einerseits eine Fokussierung auf das Klavier wird, dem ein Großteil der Aufgaben übertragen wird, als auch eine Dreiteilung auf die Instrumente des Trios, so dass durchaus neue Ansichten entstehen.

Die drei Musiker bleiben sich insoweit treu, als sie die Kompositionen formvollendet klassisch spielen. Damit bietet das Trio ein spannendes, lustvolles Musizieren an, das die offenen und auch die geheimen Ecken der Kompositionen trefflich ausleuchtet, ohne mit Artistik oder Oberflächlichkeit zu betrügen. Gerade auch beim großformatigen Septett-Trio kommt noch ihre Fähigkeit hinzu, musikalische Linien rhetorisch stilvoll und aussagekräftig über längere Strecken spannungsreich zu gestalten.
Besides his numbered trios, Beethoven has reworked his Septet for piano trio. It is among the works played on this remarkable CD. The Swiss Piano Trio is trustful to its very classic way of performing. The playing is superbly polished, rhetoric and bright.

De la belle musique par un grand monsieur du piano, à écouter et réécouter !

Das deutsche Trio Lirico und Pianist Detlev Eisinger dröseln die dennoch nicht ganz unkomplizierten Stimmengeflechte quasi spielerisch auf, musikantisch im besten Sinne des Wortes.

[Marc Coppey] s’engage dans l’œuvre avec une intensité, une furia, quelque chose de précipité et de quasiment à court de souffle qui dès les premières pages saisit.

Le ton si enjoué, la légèreté du geste de Carl Schuricht dans l’ultime Concerto de Mozart rencontre si pleinement le piano simplissime de Robert Casadesus, un tel soleil mélancolique s’infuse entre eux, les faisant respirer dans les mêmes vibrations de couleurs et de sons !