Diese Aufnahme habe ich gleich zweimal hintereinander gehört, derart gepackt war ich von der Musik. Sergei Prokofiev fordert Zuhörer und Interpreten emotional gleichermaßen. Stellenweise wirken seine Violinkonzerte regelrecht verstörend, schwenken dann aber urplötzlich in zarte Kantilenen um.

Franziska Pietsch weiß hervorragend mit diesen Stimmungsschwankungen, mit diesen emotionalen Brüchen umzugehen. Die Violinistin beherrscht die gesamte Bandbreite an Ausdrucksmöglichkeiten – vom lyrischen Gesang und dem neckischen Bogenhüpfen bis hin zur robusten Geste und elektrisierenden Gefühlsausbrüchen.

Nichts ist in diesen Interpretationen Schein und Fassade. Franziska Pietsch geht emotional in die Vollen, taucht vollkommen in diese musikalische Materie ein und nimmt ihre Zuhörer mit auf diese unruhige, vibrierende Achterbahn der Gefühle.

Das Deutsche Symphonie-Orchester ist ihr dabei ein zuverlässiger Partner und begleitet sie mit brillantem Klang auf dieser Reise in ihr tiefstes Innere.

This is simply magnificent a recording, deeply emotional and passionate.

Die Geigerin Franziska Pietsch gilt trotz ihres fortgeschrittenen Alters von über 40 Jahren als große Entdeckung auf dem Klassikmarkt. lm Gespräch mit Daniel Finkernagel spricht sie auch über ihre Jugend in der DDR...

[Sendebeleg siehe PDF / Podcast zum Nachhören unter Multimedia]

Diese Solistin, das hört man schnell, hat etwas zu sagen. Dabei beherrscht sie Ihr Instrument meisterhaft, ihr Ton, ihre souveräne Technik und selbstverständliche Virtuosität weisen sie als versierte Solistin von Rang aus. Die intellektuelle Durchdringung des Werkes und die Direktheit ihres Zugriffs auf die Musik, die kammermusikalische Differenziertheit, gepaart mit dem hohen emphatischen Risiko, mit dem sie musiziert, sorgen dafür, dass man bei Hören auf der Stuhlkante sitzt.

Die Aufnahme vereint beide Prokofjew-Konzerte in einer, wie ich finde, äußerst lohnenden Interpretation.

Mit berührender Intensität und im vollendeten Zusammenspiel mit dem Deutschen Symphonie-Orchester Berlin interpretiert Franziska Pietsch die beiden Violinkonzerte von Sergei Prokofiev.

Emigration und Heimweh

Die Konzerte von Sergei Prokofiev sind 1917 und 1935 entstanden. Kurz nach der Vollendung des ersten Konzertes hat der Komponist Russland verlassen, einige Zeit nach der Uraufführung des zweiten Werkes ist er dann nach langem Exil in sein Heimatland zurückgekehrt - wo ihn Stalin mit dem staatlich verordneten Konzept der "neuen Einfachheit" zeitlebens drangsaliert hat. Im März 1953 sterben Komponist und Diktator am gleichen Tag - Ironie des Schicksals.

Lebenserfahrung

Franziska Pietsch spielt die Konzerte ohne süßlichen, dafür mit bewusst rauem Ton, der für eine enorme Expressivität sorgt. Zweifellos kommt darin auch die besondere Lebenserfahrung der Geigerin zum Ausdruck. Denn mehr als rau sind manche Einzelheiten in der Biografie der 1969 in Halle/Saale geborenen Solistin: als Wunderkind in jungen Jahren auf den Bühnen der DDR erfolgreich, wird Pietsch nach der sogenannten "Republikflucht" ihres Vaters 1984 vom System fallengelassen, verliert ihren herausgehobenen Status und büßt auch den Studienplatz als hochbegabte Jungstudentin ein. Zwei Jahre später kann sie mit ihrer Mutter in den Westen ausreisen und den Neuanfang beginnen. Über viele Stationen hat sich Franziska Pietsch bis heute einen verdienten Spitzenplatz unter den deutschen Geigerinnen erarbeitet.

Zusammenspiel

Wer die Kölner Geigerin bei den Aufnahmen für dieses Album in der Berliner Jesus-Christus-Kirche erlebt hat, ist von der überragenden Qualität dieser CD nicht überrascht. Konzentriert steht die Solistin im künstlerischen Austausch mit dem Orchester, hat dabei durchgängig das Ziel der perfekten Interpretation im Blick. Der Dirigent Cristian Macelaru leitet das DSO souverän und arbeitet mit dem hervorragenden Orchester durchaus überraschende Nuancen im Orchesterklang heraus, etwa die prächtigen Horn-Stimmen, die sich immer wieder mit dem Klang der Sologeige vereinigen.

Raumklang

Die Aufnahme präsentiert zwei Meisterwerke der Moderne in einem lebendigen Raumklang, in dem jedes einzelne Instrument differenziert wahrgenommen werden kann. Über allem schwebt dabei die Magie einer mit äußerster Hingabe gespielten Solo-Violine.

Gerade in den letzten Monaten sind verschiedene Neueinspielungen der Prokofiev-Konzerte erschienen, diese Aufnahme gehört in der Rangfolge zweifellos nach ganz oben.

Parent pauvre du répertoire de musique de chambre, le trio à cordes a connu un...

With a time frame that stretches from 1950 to 1969, Audite's fifth volume of RIAS Amadeus Quartet Recordings catches this great ensemble at the height of its powers. The theme on this occasion is Romanticism, and the set includes key repertoire that the quartet never took into the recording studio. Of principal interest is Grieg's G minor Quartet (recorded 1953), a performance that for sheer energy and expressive power rivals the pre-war recording from the Budapest Quartet – the first movement especially. You get the sense that both the quartet's leader Norbert Brainin – who is on especially good form here – and his colleagues are relishing every moment of a delectable score.

Mendelssohn is represented by a fiery account (1952) of the Capriccio from Op 81 (a work the group did record complete), especially striking at its fugal centre; and the Quartet in E flat major, Op 12 (1969), which features a warmly phrased account of the opening Adagio.

Schumann is another curious absentee from the Amadeus's official discography, the Piano Quintet in E flat (1950) most engaging where in the first-movement exposition (played with repeat) the second theme is handed between the viola and the cello, whereas the Scherzo illustrates how well pianist Conrad Hansen establishes a strong presence without overwhelming his colleagues. How lovely, too, Brainin's playing in the Trio. Hansen also cues a gently rocking lullaby for the opening of Dvorak's Piano Quintet (1950), and all five players alternate poetry and high spirits for the Dumka second movement: note the wild accelerando from 7'24", before Hansen calls a halt and Brainin weeps his line with a mournful (though never overwide) vibrato and marked portamentos. This is vintage Amadeus artistry.

It's interesting that for the opening bars of the third movement of Brahms's First Quartet (1950) they take the written hairpin dynamic as a cue to enter on an aching rallentando, an option they also take on their two commercial recordings of the score, though here it's more marked. This darkly introspective reading is in marked contrast to the more songful, even genial, account from seven years later of Op 67, the finale's variations bringing the work to a colourful conclusion. The finale of the Op III String Quintet (1953, with Cecil Aronowitz), however, really fuels the flames, especially at its centre, though for sheer ebullience the opening can't compare with a roughly contemporaneous Sony recording from the Casals Festival at Prades with Isaac Stern, Alexander Schneider and friends (coupled with the Schumann Piano Quintet with Myra Hess), a classic that's surely due for a local reissue.

The other featured Brahms Quintets involve clarinettist Heinrich Geuser (1951), whose mellow playing fits the music's mood to perfection and Hansen (1950) whose contribution to the Piano Quintet, and the finale in particular, is powerfully communicative. Which leaves Bruckner's F major Quintet (195 7), lovingly played form start to finish (movingly emotional in the Adagio) and Verdi's E minor Quartet (1962), not quite in the same class musically as the Bruckner but very well played.

So, in closing, I'd say that of the six volumes of this invaluable edition, perhaps Volume 5, 'Romanticism', is the most treasurable of all, given the number of Amadeus repertoire rarities it includes. The transfers, all from excellent mono radio tapes, are consistently excellent. […]

Nelson Freire hasn’t made a commercial recording of SaintSaëns’s Second Piano Concerto, which makes this radio recording from 1986 all the more fascinating. In the piano’s rhapsodic solo opening he combines freedom with a sense of purpose, though ensemble isn’t always entirely precise between him and Ádám Fischer’s orchestra, and the piano sound can be a touch muddy in the bass register. Despite this, Freire can make something as simple as an arpeggio sound ravishing and the sense of fantasy is everywhere apparent. He takes a freer approach than Grosvenor and Hough in the scherzando second movement. But it is in the finale that Freire is most impressive, dispatching its considerable virtuosity with flair, from pounding octaves to highly delicate textures, the closing moments suitably tumultuous.
The solo pieces on this disc were recorded when Freire was only 21 and have not been previously released. How good it is to have a selection of Grieg’s Lyric Pieces, which are vividly rendered. If the ‘Solitary traveller’ (Op 43 No 2) is still more forlorn in Stephen Hough’s hands, Freire’s ‘Little bird’ (Op 43 No 4) is set free by the lightest of pedalling and a scampering virtuosity (Andsnes is more sustained – both are compelling). The colourful ‘Norwegian Melody’ (Op 12 No 6) moves from stamping rhythms to a darting, shifting idea, though Andsnes is arguably even more effective here, making more of its folkish qualities at a faster tempo. Freire’s ‘Shepherd Boy’ (Op 54 No 1) is a highlight, conjuring a palpable sense of loneliness, of vast unpeopled vistas.
Freire’s Liszt has always had a nobility to it and the pieces here are no exception. If he can’t quite match the darkness of Cherkassky (c1946) in the Fifth Hungarian Rhapsody – a searing reading whose sense of purpose glows through the crackle of the recording – it is still remarkable for its gravity, while the 10th is entirely without garish showmanship, Freire’s panache with its glissandos a joy to behold. In the Second Polonaise, too, we find muscularity and finesse in perfect balance. A fine addition to the Freire discography.

Spannend bis zum Schluss. Eine Referenzaufnahme für beide Konzerte!

L’interprétation de Franziska Pietsch est à la fois brillante et lyrique, l’idéal donc [...] Ce CD est l’occasion d’acquérir ces deux piliers du répertoire concertant pour violon, car l’interprétation en est excellente.