Schubert's sixth and final mass (seventh if you count his German Mass) is his masterpiece in the genre and part of the incredible gush of musical glories from his final months. It gets far fewer performances than it deserves. The work is built on the innovations first seen in his previous A-flat Mass, also from his final years (1826). Both works – especially this one – offer the kind of scope and dimensions characteristic of his great C-major Symphony.

Schubert was certainly familiar with his idol Beethoven's Missa Solemnis and paid tribute to it here. Running nearly an hour, its “heavenly lengths” indeed approach the dimensions of that choral behemoth. But, unlike Beethoven (who didn't care whom he offended), Schubert couldn't bring himself to entirely abandon the strict Viennese church music protocols of the day. So he avoided Beethoven's humanistic overtones, wrote distinctly non-operatic parts for his soloists, and stuck to subdued orchestration that eschewed “frivolous” instruments like flutes. Remember, Schubert was deeply steeped in the classical mass tradition, having sung the best ones by Haydn and Mozart as a Hapsburg Court choirboy under Salieri.

But why look for hints of Beethoven from Schubert's gentle soul? He has left us here what he's best at: broad rivers of long-breathed melody, ingenious modulations, gut-wrenching beauty – and his own sweet sincerity of spirit. No composer captured moods and emotions – including sacred ones – more honestly or effectively than Schubert. Just as he can sound happier, more playful, more lovesick, more agitated, or more depressed than any other, he can sound more pious and reverent as well. Even though Schubert was insecure about his abilities as a contrapuntalist, he achieved sacred drama and solemnity here (and further supported sacred traditions) by means of some very impressive polyphony, especially the massive fugues that end both the Gloria and the Credo.

This account – recorded in concert – is a dream come true. Rafael Kubelik is a Schubertian to the core and taps this ethereal score for every drop of its spiritual exaltation. Chorus, orchestra, and soloists are all caught up in his spiritual spell and perform splendidly. All of the rather subdued solo roles are beautifully handled, but I fell in love with Gundula Janowitz’s radiant soprano all over again. Their ‘Et incarnatus est’ ensemble, not far into the Credo movement – ravishing, gently rocking interlude in 6/8 time – is unforgettable.

This is part of a new Super-Audio series from Audite, dubbed “Listen and Compare”. Each release contains two versions of the same recording. One is a sophisticated digital restoration of the original concert tapes, re-engineered for multi-channel SA; the other – also copied into the SA format – presents the otherwise unrestored historical archive. And therein lies the only fly in the ointment for me. My SA player duly delivered the very lush and detailed restoration in totally ear-pleasing fashion, but wouldn't read the tracks containing the undoctored copy of the source tapes. Having noticed no other defects in my equipment, I hesitate to lay the blame on it. Perhaps the producers of this recording should be aware that some SA players apparently can't handle their product.

But no matter: a sublime masterpiece, sympathetically performed by legendary artists and reproduced in rich, clear sound is always welcome. I'll look forward to future releases from this series.

Quelques mélomanes ont certainement eu l'occasion de découvrir cet orchestre de Sibérie lors de tournées estivales en France. Son chef, Arnold Kats, est excellent et connaît fort bien le répertoire russe. Sa conception épique, à la fois narrative et contrastée, de la célébrissime Symphonie n° 2 (1907) gomme les quelques longueurs de cette partition dans laquelle le temps qui passe n'a plus de prise lorsqu'elle est menée par de véritables dramaturges (Rachmaninov lui-même, Mitropoulos, Ormandy, Svetlanov...).

Poème écrit alors que Rachmaninov n'avait que dix-neuf ans, le Caprice bohémien, basé sur une authentique mélopée tsigane, exige un souffle de moindre ampleur. La déception vient de l'orchestre, dont la couleur n'est guère chatoyante au niveau du quatuor à cordes et dont l'harmonie se sort sans éclat des passages les plus exigeants. Kats réussit pourtant à imposer son style, plus dans l'ombre de Tchaïkovski que de Sibelius, et met curieusement en avant certains pupitres, une prise de son traditionnelle (PCM 24 bits) ne justifiant guère une gravure SACD dont les canaux arrière (« surround ») n'ajoutent pas la profondeur attendue. Les audiophiles qui veulent disposer d'une vraie dynamique et de plans orchestraux réalistes doivent se tourner vers le récent enregistrement DSD de Ivan Fischer à Budapest (SACD Channel Classics, Diapason d'or).

Eine Neuaufnahme der Orgelwerke von César Franck ist auch nicht gerade das, was...

Eine Neuaufnahme der Orgelwerke von César Franck ist auch nicht gerade das, was...

Eine Neuaufnahme der Orgelwerke von César Franck ist auch nicht gerade das, was...

„Quartett spielen – unser Traumberuf“ ... viele Musiker wünschen sich das. Doch nicht alle können diesen Traum auch leben. Das Mandelring-Quartett aber kann es. Seit über 10 Jahren spielen die Pfälzer in der obersten Quartett-Liga. Wir stellen Ihnen ihre aktuelle CD mit Streichquartetten von Franz Schubert vor.

[Allegro molto moderato (1.Satz) aus: Streichquartett G-dur, D 887; K.: Franz Schubert;
39“]

Mandelring – Weinkenner denken dabei sofort an die traumhafte Lage des Mandelring-Gutes in der sonnenverwöhnten Pfalz und an vollmundige, edle Tropfen. Musikfreunde denken wohl eher an das Mandelring-Quartett (das natürlich genau aus dieser Weingegend kommt). Und mit den Jahren wie ein alter Wein immer besser zu werden scheint. Hören kann man das auf der neuen CD. Mit zwei Streichquartetten von Franz Schubert. Hier das Allegro molto moderato aus dem berühmten letzten Streichquartett in G-Dur.

[Allegro molto moderato (1.Satz) aus: Streichquartett G-dur, D 887; K.: Franz Schubert; Mandelring-Quartett; Ausschnitt, bis 2’40 (Ende geblendet)]

Aus dem großen G-Dur-Streichquartett von Franz Schubert hörten Sie den Anfang des ersten Satzes. Es spielte das Mandelring-Quartett.

In den Klassik-Charts findet man ihre CDs nicht. Zu klein ist ihr feines Label audite. Zu groß das Getümmel junger Quartette. Zu wenig ‚mainstream’ ihr Programm. Doch die drei Schmidt-Geschwister (und der Bratscher Roland Glassl) kommen aus einer Weingegend und wissen nur zu gut, dass der wirkliche Genuss im Leben nicht nur mit Kursen und Renditen zu tun hat.

Das Mandelring-Quartett gehört nach mehr als 10 Jahren und nach über einem Dutzend Platten längst zu jenen Ensembles, die mit nicht alltäglichen Werkkombinationen überraschen; Seele und Geist immer wieder neu herausfordern. Für den Hörer ist das ein wahres Vergnügen.

Auf ihrer aktuellen CD – der dritten in einer kleinen Schubert-Reihe – konfrontieren sie uns auch diesmal mit einem ganz frühen Streichquartett (in g-Moll) und einem späten (dem allerletzten in G-dur).
Wir hören also den 18 jährigen und den 29 jährigen Franz Schubert. Zwei Welten tun sich auf. Dem Heißsporn steht ein ausgebrannter Komponist gegenüber. Die Entwicklung vom heimischen Familienquartett zum großen fast sinfonischen Quartett ist phänomenal. Wir erleben eine rasant wachsende Eigenmächtigkeit eines Komponisten, von der wir längst wissen, das sie bestraft wurde: denn keines der Quartette von Schubert wurde zu Lebzeiten verlegt. Die Wiener waren einfach zu konservativ. Sie hatten keinen Sinn für diese Quartettexperimente, bei denen die Tradition nur noch als dünne Folie durchschimmerte.
Und die Musiker fanden diesen Schubert schlicht zu schwer. Über 20 Jahre schlummerte so das letzte Quartett im Nachlass des Bruders Ferdinand, um dann erst entdeckt, gespielt und gefeiert zu werden.

Was für ein Glück, mag man denken, dass wenigsten die frühen Quartette gespielt wurden. Wenn auch nur privat. In einer Woche brachte Schubert das g-Moll-Quartett im Frühjahr 1815 zu Papier. Noch hat er hier viel bei Beethoven geschaut, auch bei Haydn und Mozart. Doch so manche freche Regelwidrigkeit hat sich schon eingeschlichen.

[Andantino aus: Streichquartett g-moll D 173; K.: Franz Schubert; 6’19 (Auf Zeit fahren)]

Das Mandelring-Quartett spielt Franz Schubert: meisterlich mit kraftvollen Farben und überraschenden Brüchen. Eine CD-Empfehlung für lange erfrischende Sommerabende.

Cet enregistrement, dont le directeur artistique semble être le fils de Kirill...

This release was a mistake. Audite is an excellent, quality-conscious label with...

Das „Conservatoire de Paris“ ist auch heute noch eine Ausbildungsstätte mit...

Despite his Gallic name and parentage (his father was a French chef), Louis Massonneau was essentially a German composer. Born in Kassel in 1766, Massonneau started out holding posts, as a violinist and part-time composer, in Göttingen, Frankfurt, and Dessau. Severe gout forced Massonneau to curtail his playing; from 1802 until his retirement in 1837, he worked mainly as a music director and composer at the Mecklenburg-Schwerin court in Ludwigslust. He died in that town in 1848. His duties at the Schwerin court required him to focus on the composition of vocal music; his instrumental pieces mostly predate the turn of the century.

The three oboe quartets here were probably written in 1798. The works are quite pleasant, very much in the spirit of Mozart’s Oboe Quartet (in fact, Massonneau often employs the upbeat-motif familiar from the Mozart work), but with a slightly more Italianate turn of phrase. It’s perfect dinner music, at the same time sufficiently free of the period formulas to reward attentive listening. Massonneau doesn’t allow the oboist to get away with mere noodling; some of the leaps, as great as a 13th, must have tested the players of the time. I haven’t heard the Harmonia Mundi version of the first quartet in a program mixing works by several composers of the period; the second and third seem to be receiving their debut recordings.

The performance has a nice variety of attacks and dynamics; this is not the prissy sight-reading we used to get in obscure music of this period, but neither is the playing as combative as what is becoming the current norm. Ensemble Più is a well-integrated, full-toned foursome of musicians from regional (formerly “provincial”) European orchestras, and oboist Andreas Gosling has a sure sense of when to recede into the general texture and when to come forward. The SACD’s five-channel sonic perspective is from halfway back in a small recital hall, so while the imaging and timbres are quite true, the instruments lack a sense of physicality. At 40 minutes, the disc is scandalously short; surely, other material could have been added to this not earth-shaking yet enjoyable program.