It is hardly surprising that Louis Vierne (1870 – 1937) became the ultimate...

Much is made of the music of Moritz Eggert (b. 1965); some of his music is...

German composer Moritz Eggers (b. 1985) is on the cutting edge of contemporary,...

From its inception, I’ve been following Audite’s slow but dedicated exploration of the music of Eduard Franck. No relation to the Belgian-French composer of the same surname, Breslau-born Eduard Franck (1817–93) was of pure German pedigree and studied with Mendelssohn, first in Dusseldorf and then in Leipzig from 1834 to 1838. Thus far, most of what Audite has made available to us of Franck’s music are the composer’s chamber works, though previously released have also been two symphonies and two violin concertos.

Unfortunately, the scope of Franck’s output is not yet fully known. Leipzig music publisher Pfefferkorn has yet to complete a critical edition of the composer’s complete works which, if one counts just those with opus number, total 60. It’s likely, though, that there are many more, for Franck is said to have been a perfectionist and his own worst critic, refusing to allow publication of works he deemed unworthy.
If you prefer not to read the rest of this, it can be summed up as follows: Franck marches in step with the mainstream parade of German Romantics, passing the reviewing stand somewhere between Mendelssohn and Schumann. That should give you a good idea of what Franck’s music sounds like and whether you’re apt to like it.
What one learns from reading Wolfgang Rathert’s essay on the social and cultural climate of Franck’s world is that the composer’s cautious personality and bourgeois sensibilities caused him to reject the progressive wing of the Romantic movement, namely Berlioz, Chopin, Liszt, and Wagner. But you needn’t read the album note to know that; listening to the pieces on this disc—indeed to all of Franck’s works Audite has thus far recorded—will tell you everything you need to know.
Earliest of the four works here is the Concert Piece in A Major for Violin and Orchestra, dating from approximately 1844. If you’re diabetic, keep your insulin handy, because the piece begins with an Andante so sugary it should come with a warning label. If you’re not comatose after seven minutes of this overly sentimental salon music, the second half is an Allegro that can’t seem to make up its mind whether it wants to be a virtuosic gambol for the violin or a rehash of the Andante played at a faster tempo. I suppose it’s really not much different from similar works by a number of famous French violinist-composers of the period, such as Rodolphe Kreutzer, Pierre Rode, and Charles de Bériot—think the latter’s Scène de ballet.
Next in chronological order is the Concert Overture, dated 1848. Mendelssohn’s spirit hovers over the Adagio ’s opening pages in the chorale-like intoning of the brass, but with the arrival of the Presto, the style takes a distinct turn toward Beethoven. The oddity of this overture is its form. Midway through, it returns to the opening Adagio and then a reprise of the Presto.
Next up chronologically is the Fantasy for Orchestra, composed in 1851. In all but name, this three-movement, 30-minute work is a symphony, with a fully developed sonata-allegro first movement; only missing is a slow movement. Even though by this time Mendelssohn had been dead for four years, Franck seems reluctant to leave his former teacher’s graveside. There’s still more Mendelssohn in Franck’s Fantasy than there is Schumann, a bit surprising when you consider that Schumann had had his miracle chamber-music year (1842) nine years earlier and that he had completed the revision of his last symphony in the same year that Franck wrote his Fantasy.
Finally, we come to the Roman Carnival Overture, dated 1854. Don’t expect Berlioz, and don’t be too shocked if here and there you hear fragments that sound like they were lifted from Beethoven’s Fidelio Overture. It seems as if Franck is going backward in time instead of forward.
None of this is to say that these are not well-made scores by an expert musical craftsman, or that they can’t be appreciated and enjoyed. It does explain, however, why Eduard Franck never achieved much recognition in his lifetime and was already a forgotten name well before the turn of the 20th century. I doubt that Audite’s efforts on his behalf will revive him. I will say this, though: Having collected all of Audite’s CDs of Franck’s chamber works, my sense is that the composer’s special métier was for chamber music. The second of his two string sextets, in particular, the one in D Major, may be his crowning achievement and as near to an authentic masterpiece as he ever came.
Meanwhile, Ola Rudner and the Württemberg Philharmonic make the best case possible for Franck’s orchestral works, and violinist Christiane Edinger spins the Concert Piece’s sugar into a fine, fluffy, pink bouffant of cotton candy.

In Fritz Wunderlichs umfangreicher Diskographie fehlte bisher Beethovens neunte Sinfonie, eine Partie, die der früh gestorbene Tenor oft im Konzert, aber nie im Aufnahmestudio gesungen hat. Nun schließt das Label Audite diese Lücke – wie im Fall der vorzüglichen Produktion von Strawinskys "Persephone" mit Wunderlich und der Schauspielerin Doris Schade – mit einer Konzertaufzeichnung aus dem Archiv des Hessischen Rundfunks. Während andere Tenöre das heikle Solo "Froh wie seine Sonnen fliegen" oft mehr bellen als singen, besticht Wunderlich einmal mehr durch geschmackvoll kantablen, unforcierten Vortrag. In die Ensembles mit Theo Adam, Marga Höffgen und der jungen Sopranistin Shige Yano fügt sich seine Stimme geschmeidig ein.

Über den Reiz der Wunderlich-Rarität hinaus ist die Veröffentlichung ein weiteres seltenes Dokument des 1976 im Alter von nur 61 Jahren gestorbenen Dirigenten Dean Dixon, der 1961 als erster afroamerikanischer Chefdirigent eines deutschen Sinfonieorchesters Furore machte, das HR-Sinfonieorchester zu internationaler Anerkennung führte und 13 Jahre lang mit interessanten Programmen und eindrucksvollen Aufführungen das Frankfurter Musikleben prägte. Seine Wiedergabe der Neunten mit den vereinten Chören des Hessischen und des Süddeutschen Rundfunks ist konzentriert und energiegeladen, mit flüssigen Tempi und einem überwältigend gesteigerten Jubel-Finale. Die 50 Jahre alte Mono-Aufnahme besticht in dem von Audite gewohnten vorzüglichen Remastering auf der Grundlage der Originalbänder mit erstaunlicher klanglicher Präsenz. Eine willkommene Katalogergänzung – nicht nur für Wunderlich-Fans.

Zeit, Vergänglichkeit, Verfall – das ist der Themenkreis, der das Werk von Edgar Allan Poe prägt. Den Namen des Gedichts des schwarzen Romantikers mit dem Titel Der Rabe, der immerzu «Nimmermehr» krächzt, hat Moritz Eggert seiner Ouvertüre für Kammerorchester gegeben, einem Stück, das apart zwischen überspitzter spätromantischer Harmonik mit Mahler’scher Anmutung im Melodiösen und geräuschhaften Phasen oszilliert. Dieses Stück mag auch repräsentativ stehen für Eggerts Haltung als Komponist, die bestimmt ist von der Frage, wie es sich musikalisch unangepasst arbeiten lässt, ohne in dieser Unangepasstheit wiederum angepasst zu sein.

Das Werkzeug, mit dem Eggert dieses ebenso komplizierte wie künstlerisch existenzielle Thema umkreist, ist ein ins Offene gerichtetes spielerisches Ohr. Will heißen, Eggert hantiert mit qualitativ scheinbar eindeutig konnotierten Unterscheidungen wie «E»- und «U-Musik». Die eine Ebene, die er streng meidet, ist die der flachen Unterhaltung. Die andere Ebene, die ihm trotz aller auch philosophisch inspirierten Spielfreude suspekt ist, ist die der aller Sinnlichkeit entleerten reinen intellektuellen Konstruktion. So gesehen ist die vorliegende Produktion mit Werken Eggerts aus den Jahren 1985 bis 2010 nicht mehr und nicht weniger als ein repräsentativer Querschnitt der Arbeit des Komponisten, der mit seinen Stücken polarisiert, wenngleich nicht aus Lust an der Provokation.

Mit welchem Mut, aber auch Respekt Eggert seine Sicht auf musikalische Ikonen neu formuliert, ist schon dem Eingangstitel eingeschrieben. Ich bin der Welt abhanden gekommen – dieses Rückert-Gedicht, das Mahler mit seiner Komposition wohl ein für allemal melodiös geprägt hat, ist von Eggert zusammen mit Inga Humpe und Tommi Eckart von der Popband «2raumwohnung» in einen stilistisch sorgfältig gestalteten Transferraum versetzt worden, irgendwo verankert zwischen modern ausklingender Spätromantik und heutigem populären Duktus. Abzulesen ist das auch an dem Instrumentalarrangement, in dem Eggert die Singstimme einbettet in Streicher- und E-Gitarre-Sounds, geführt vom Klavier.

Grundsätzlich, so hat man den Eindruck, kreist Eggert mit seiner spielerischen Grundhaltung um das berühmte Unaussprechliche, das hinter den Dingen, insbesondere hinter den Worten liegt. So sucht Eggert hinter dem Titel Tetragrammaton, dem hebräischen Symbol für Jahwe, auf rhythmisch und vor allem auf instrumentationstechnisch eigentümliche Weise nach dem unaussprechlichen Grund allen Seins. Ein wenig erinnert das an Charles Ives, eines der Vorbilder von Eggert – hier auch repräsentiert in Adagio – An Answered Question – , ein wenig auch an die großen Minimalisten, und doch: Tetragrammaton ist ein originäres Eggert-Stück in seiner splendiden Verknüpfung von rhythmischen und melodischen Schichten. Anders gesagt: Vielleicht lässt sich Moritz Eggert als ein meisterlicher Vertreter der originellen Allusionen begreifen.

This recording was made on the two small organs built in 1743 (and since...

A wonderful two-piano and piano 4 hands album with works by four French...

Vierne is considered the ultimate developer of the French organ symphony, being...

As it becomes apparent, perhaps painfully, that most of the music represented as...